La minifalda se popularizó en la década de 1960 gracias a la diseñadora británica Mary Quant, quien la mostró por primera vez en una pasarela el 10 de julio de 1964. ¡Y el resto es historia! Sin embargo, en el documental “Quant”, acerca de la vida de la diseñadora, también se menciona que el diseñador francés André Courrèges podría ser el creador de la prenda, pues había presentado una versión similar en sus colecciones de alta costura de París.

Sea como sea, la minifalda llegó, triunfó y enseguida se convirtió en un símbolo de la liberación y el -ahora tan de moda- empoderamiento de las mujeres, que reflejaba entonces los muchos cambios sociales y culturales que ocurrieron en aquella década.

Una pieza de ropa sexy y cortísima -algo muy nuevo en la moda en aquellos años-, la minifalda fue asociada con la juventud y la revolución sexual de los 60. La innovadora “mini” fue sin duda una declaración de moda audaz y controvertida, pues, créanlo o no, también fue criticada por escandalosa y hasta inmoral.

Pero muy pronto muchas mujeres famosas comenzaron a llevar la mini y a aparecer retratadas con ella. Celebridades como Twiggy, una de las primeras grandes supermodelos, las actrices Audrey Hepburn, Catherine Deneuve y Brigitte Bardot la usaron. ¡Y hasta la propia Jacqueline Kennedy subió el largo de su ropa y se le veía con una versión más moderada de la minifalda! Como nunca en realidad se fueron de la moda, hoy en día vemos famosas con microminis como Kendall Jenner, París Hilton, Dua Lipa o Taylor Swift.

Al ser usada por tantas figuras públicas que ayudaron a popularizarla, la minifalda se hizo una moda viral aunque entonces no existían las redes sociales. Y así se consolidó como un ícono de estilo.

A lo largo de las décadas, la minifalda ha experimentado diversas transformaciones y ha sido reinterpretada por numerosos diseñadores. Ha aparecido en diferentes materiales, cortes y estilos, adaptándose a las tendencias de cada época. Tuvo un profundo impacto en la moda y el estilo de vida internacional y rápidamente se convirtió en un elemento básico de la moda global en diversas culturas del mundo. Y así sigue siendo. ¡Increíble!

No debemos olvidar que su simbolismo sigue vigente. Es una prenda popular y muy versátil -y un símbolo de juventud y en muchos casos - ¡de desafío a las reglas convencionales!

Celebrar los 60 años de la minifalda es reconocer no solo una prenda de ropa, sino también un movimiento que reflejó -y en muchos aspectos ayudó a cambiar- la historia de la moda y de nuestro estilo de vida en años de grandes cambios.

Nota del editor: Mari Rodríguez Ichaso ha sido colaboradora de la revista Vanidades durante varias décadas. Es especialista en moda, viajes, gastronomía, arte, arquitectura y entretenimiento, productora de cine y columnista de estilo de CNN en Español. Las opiniones expresadas en esta columna son exclusivamente suyas. Lee más artículos de opinión en cnne.com/opinion

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Esta fue, por supuesto, la santa unión de Victoria y David Beckham. La poderosa pareja británica se casó en 1999, fusionando los mundos de la moda y el fútbol para siempre. Si bien su matrimonio ha perdurado 25 años después, la pareja se arrepiente de algunos de los pequeños detalles de su gran día. En concreto, de sus conjuntos en tonos berenjena. "Incluso tenía un sombrero de copa morado", dijo David en 2017 durante una entrevista con BBC Radio 4. "¿En qué estaba pensando? Me parecía a los chicos de 'Dumb and Dumber'".

Victoria estuvo de acuerdo. "En ese momento me pareció una muy buena idea, ¿sabes?", le dijo a Jimmy Fallon en 2021. "Creo que entonces fue una ingenuidad. No sabíamos de moda. Simplemente nos estábamos divirtiendo, lo cual, para ser honesta, es como debería ser".

• Victoria Beckham celebró su cumpleaños 50 con un icónico momento de karaoke con las Spice Girls

Pero el tiempo cura todas las heridas, como quedó demostrado hoy cuando la pareja sacó a relucir sus looks originales de la recepción para celebrar sus bodas de plata. En fotos compartidas en Instagram, Victoria y David posaron con sus trajes morados frente a los tronos del día de su boda. "¡Sí, todavía los tenemos!", escribió la pareja. "¡No podemos creer que hayan pasado 25 años y todavía nos queden bien!", añadieron.

Las prendas furon usadas en la boda de la pareja en 1999. (Victoria Beckham /Instagram)

Sus seguidores quedaron encantados con el regreso de la vestimenta. "Cuando la gente dice icónico, esto es a lo que deberían hacer referencia", escribió uno. "Vestir de morado el día de tu boda. Sólo los Beckham podrían salirse con la suya", intervino otro.

Hubo otro paralelo. A pesar del paso de un cuarto de siglo, la pareja todavía se mira con amor a los ojos y luce brillante.

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Margot Friedländer, cuyo apellido de soltera es Bendheim, nació en Berlín en 1921. Según una breve biografía en el sitio web del Museo Judío de Berlín, Friedländer pasó la primera parte de la guerra con su madre y su hermano menor Ralph después de que sus padres se separaran. Tenían planes de huir del país pero en 1943 su hermano fue arrestado por la Gestapo.

Su madre se enfrentó a la Gestapo, lo que la llevó a ser deportada a Auschwitz con su hijo, donde ambos fueron asesinados.

Pero antes de irse, dejó un mensaje para su hija que decía: "Intenta hacer tu vida".

• Una filipina de 106 años es la modelo con mayor edad en protagonizar una portada de Vogue

Friedländer, que entonces tenía sólo 21 años, se ocultó pero finalmente fue traicionada por "cazadores" y fue enviada al campo de Theresienstadt, en la Checoslovaquia de 1944 ocupada por los nazis, según el museo.

En su entrevista con Vogue Alemania, Friedländer dijo: "Estoy agradecida. Agradecida de haberlo logrado. Por poder cumplir el deseo de mi madre. Haber hecho mi vida".

Vogue Alemania dijo que se habían reunido con Friedländer cuatro veces este año y que las fotografías de portada fueron tomadas en el mes de abril, en el Jardín Botánico de Berlín.

Kerstin Weng, jefa de contenido editorial de la revista, dijo que el tema del número era el amor y presentaba sus "artículos favoritos y sus personas favoritas". El anverso de la edición de colección incluye la palabra "amor" escrita por Friedländer, así como su firma.

El artículo de varias páginas, que incluye numerosas fotografías de Friedländer, cubre una variedad de temas, desde crecer en la Alemania nazi hasta su compromiso como sobreviviente del Holocausto en la actualidad.

Weng afirmó: "La persona más positiva que conozco aparece en la portada de este número: Margot Friedländer. Muchos la conocen como una sobreviviente del Holocausto. Pero no sólo sobrevivió a los nazis, sino que también superó la traición y la pérdida. Ella tendría motivos para estar amargada, pero mantiene su mente abierta y se niega a rendirse. Ella se opone al olvido y defiende la humanidad y la unión".

"A sus 102 años, busca interactuar con la generación más joven y demuestra que el diálogo todavía es posible", añadió.

Margot Friedländer, superviviente del holocausto de 102 años, protagoniza la portada del nuevo número de Vogue Alemania. (Mark Peckmezian/VOGUE Alemania)

"Continuar mi historia"

Friedländer conoció a quien sería su futuro marido, Adolf, mientras estaba en el campo de concentración nazi y se casó con él poco después de la liberación.

La pareja emigró a Estados Unidos en 1946 y vivió en Nueva York durante más de seis décadas. Pero en 2010, tras la muerte de su marido a los 88 años, Friedländer quiso regresar a Berlín.

Desde entonces, ha estado haciendo campaña como educadora sobre el Holocausto. Sus incansables esfuerzos le han valido numerosos premios, incluida la Cruz Federal al Mérito de Primera Clase.

Friedländer dijo a Vogue Alemania que estaba "horrorizada" por el crecimiento del populismo de derecha y el aumento de los ataques antisemitas.

Al abordar la cuestión de la polarización cada vez mayor de la sociedad, dijo: "No miren hacia lo que nos separa. Miren hacia lo que nos une. Sean personas. Sean sensibles".

El número colección de Vogue Alemania estará disponible en los quioscos a partir del 22 de junio. (Mark Peckmezian/VOGUE Alemania)

Agradecida por la oportunidad de transmitir su mensaje, dijo: "Ustedes continuarán mi historia. Que esto no vuelva a suceder".

Aunque tiene más de 100 años, Friedländer no es la modelo de portada de Vogue de mayor edad.

El año pasado, Vogue Filipinas eligió a una tatuadora de 106 años llamada Apo Whang-Od, también conocido como Maria Oggay, para aparecer en la portada de su edición de abril.

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(CNN Español) -- La moda representa hoy una absoluta libertad. ¡Nunca como ahora ha propuesto más opciones variadas para mujeres y hombres! ¡Y esto es una noticia buenísima!

Hace tan solo diez años la moda seguía ciertas normas, ciertas rígidas tendencias e imponía cambiantes restricciones. Estábamos más atentas a si la ropa se usaba larga, o corta, estrecha o ancha… Y esos cambios eran muy determinantes cuando veíamos las colecciones de los diseñadores y algunas tendencias tan variadas significaban que íbamos corriendo al armario y decíamos: “Ay, esto ya no se usa y me tengo que comprar inmediatamente ropa nueva”.

(Cortesía de Edda Gonzalez)

Esto ha cambiado totalmente y la libertad que nos da la moda en el 2024 es consecuencia de darle a la mujer mucha más independencia ¡y dejar que su gusto personal establezca su look! ¡Es una victoria de nuestro individualismo!

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Otro cambio interesante es que hoy en día la moda no tiene temporadas, o sea cada vez hay más telas y más estilos que pueden usarse tanto en verano como en invierno, añadiendo tan solo un abrigo, o una chaqueta, cuando hace frío. Esto requiere que ya no hay que cambiar el vestuario -y el armario- dos veces al año y guardar todo lo de una temporada para la otra. Y es que las telas y los nuevos textiles ultramodernos han hecho esto posible porque muchos tejidos son atemporales y sin estación.

Otra prueba de la libertad de la moda está en el estilo. Y es que, amigos míos, ¡se usa absolutamente todo! Desde los minis-minis y superminis, que se ven muchísimo, sobre todo entre las mujeres más jóvenes y las niñas preadolescentes que se visten cortísimo, hasta, y en contraste, los vestidos largos “midi”, que se llevan mucho especialmente en ciudades tropicales, donde se ven largos hasta el piso. (¡En Nueva York sólo los llevan los turistas!)

O sea, tenemos una moda de contrastes y existe una nueva libertad en relación con el estilo que queremos proyectar: si queremos ser clásicas, con un estilo realmente elegante y de lujo callado, sin llamar la atención, tenemos infinidad de opciones. Entre ellas el traje pantalón, o pants suit, de patas anchas o más angostas ¡y sobre todo el traje pantalón blanco, que es la prenda del momento y todos los diseñadores lo han presentado!

Si queremos ser más extravagantes, los grandes escotes, súper transparencias y los brillos, que están muy de moda y ya no son solo para la noche. Las lentejuelas siguen siendo triunfadoras a cualquier hora. Con total libertad vemos mujeres casi desnudas en todas partes, con énfasis en mostrar el pecho y los firmes músculos del abdomen. Y con total libertad no hay que esperar a que anochezca para llevar estos estilos. El largo está en cualquier parte; mini-mini, intermedio o largo hasta los tobillos. ¡Y lo mismo en el uso de pantalones! ¡Se dice que el pantalón pitillo se va –o no se va- pues no se va! ¡Y tanto largo como estrecho, igual que Capri, o con piernas anchas… ¡todo se usa! Y las leggings al tobillo, que puedes combinar con chaquetas oversized y con tops y tipo de blusas, dan una imagen muy versátil.

Igual ocurre con los zapatos. Se llevan zapatones con grandes plataformas, como espadrilles, la gente joven usa a menudo zapatillas sneakers, o zapatos tenis, incluso con ropa elegante. Personalmente no me gusta mucho, pero ahí están también las sandalias y se usan muchísimo las ballerinas y el calzado cómodo y plano.

Diseñadores que ofrecen estos trends: la fabulosa panameña Edda González, el maestro clásico Ralph Lauren, el extravagante estilo de Versace, la colombiana Johanna Ortiz, Carolina Herrera, COS, Christian Siriano, la marca Nova y muchísimos más.

De nuevo: no hay razón para lucir incómodas y ahí es donde la mujer tiene mucho para escoger.

(Cortesía de Edda Gonzalez)

No hay colores prohibidos, aunque últimamente el verde brillante se ve mucho. Y también el blanco. Y las combinaciones de colores pasteles con una moda muy femenina en azul, en rosa, en color durazno…Existe un look más sutil y romántico y también una moda más agresiva y el uso de colores vibrantes como el naranja subido, el azul cobalto y muchos amarillo y rojos.

¡Les repito, el mundo ha cambiado y tenemos la absoluta libertad de vestirnos como más nos guste y eso hay que celebrarlo!

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Los trabajadores de algunas fábricas proveedoras de Shein siguen trabajando 75 horas semanales, según una investigación de Public Eye, un grupo suizo de defensa de los derechos humanos que inicialmente puso de relieve los presuntos abusos en 2021.

"Las semanas de 75 horas que descubrimos hace dos años todavía parecen ser comunes en Shein", dijo la organización suiza.

Public Eye entrevistó el verano pasado a 13 trabajadores textiles empleados en seis fábricas de Guangzhou, una región del sur de China. Descubrió que el personal trabajaba una media de 12 horas diarias, sin contar las pausas para comer y cenar, y normalmente durante seis o siete días a la semana.

Public Eye afirma en su informe que Shein no revela la identidad de sus proveedores. El grupo dijo que determinó que las fábricas eran proveedoras de Shein por las respuestas de los entrevistados, así como por la presencia de productos de Shein.

Public Eye también afirmó que los salarios de los trabajadores apenas habían cambiado desde su informe de 2021. Fluctuaban entre 6.000 y 10.000 yuanes al mes (US$ 829 y 1.382). Sin embargo, tras deducir la paga por horas extraordinarias, los salarios caían a unos 2.400 (US$ 332) al mes. Esta cifra está muy por debajo de los 6.512 yuanes (US$ 900) que, según Public Eye, es un salario digno en China, citando cálculos del grupo de campaña Asia Floor Wage Alliance.

"Trabajo todos los días de 8 de la mañana a 10.30 de la noche y me tomo un día libre al mes. No puedo permitirme más días libres porque cuestan demasiado", dijo un trabajador a Public Eye.

Shein es un minorista de compras en línea fundado en 2008 que vende sus prendas de moda rápida a precios reducidos en todo el mundo.

Shein dijo en un comunicado a CNN que "no reconoce muchas de las alegaciones del informe (de Public Eye)".

"El informe de Public Eye se basa en una muestra de 13 entrevistados y, aunque todas las voces en nuestra cadena de suministro son importantes, este pequeño tamaño de la muestra debe verse en el contexto de nuestro proceso integral en curso para mejorar continuamente nuestra cadena de suministro, que implica la participación de miles de proveedores y trabajadores dentro de la cadena de suministro", añadió.

La empresa afirmó en su comunicado que estaba invirtiendo decenas de millones de dólares para reforzar la gobernanza y el cumplimiento de sus proveedores. "Seguiremos haciendo inversiones sustanciales en estas áreas".

En diciembre de 2022, Shein anunció planes para invertir US$ 15 millones en mejorar cientos de fábricas de sus proveedores. Ese anuncio se produjo después de un documental emitido por Channel 4 del Reino Unido en el que se hacían acusaciones de explotación laboral contra dos de los proveedores de Shein en China, donde personal de la fábrica supuestamente trabajaba 18 horas al día y ganaba centavos por artículo.

"Estos esfuerzos ya están dando resultados: nuestras auditorías periódicas de proveedores muestran una mejora constante del rendimiento y el cumplimiento por parte de nuestros socios proveedores", declaró Shein el lunes.

Public Eye señaló que el código de conducta de Shein para los proveedores establece que el personal no debe trabajar más de 60 horas semanales, incluidas las horas extra, y debe tener al menos un día libre a la semana.

El grupo de defensa dijo que no regresó a Nancun, la ubicación de la sede de Shein y de las entrevistas que realizó para su investigación de 2021, porque el aumento del escrutinio de los medios de comunicación en la zona hacía que "el ambiente fuera demasiado arriesgado".

Algunos trabajadores también dijeron a los investigadores que habían observado un aumento del número de cámaras de vigilancia en las fábricas, y creían que las grabaciones se enviaban a Shein en tiempo real para ayudar a la empresa a hacer cumplir sus normas.

Los investigadores de Public Eye también observaron a jóvenes, de unos 14 o 15 años, realizando tareas sencillas, como empaquetar, en algunas de las fábricas.

Juliana Liu colaboró en la elaboración del informe.

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(CNN) -- Roberto Cavalli, el famoso y muy pionero diseñador italiano, ha muerto a los 83 años. Y sus muchos seguidores lo recordarán siempre por su seductor uso (¡con verdadero fervor!) de los animal prints -o estampados de animales, especialmente de cebras-, su amor al color… ¡y a las mujeres!

El día que lo conocí -y lo entrevisté en Nueva York- hace unos años, tengo que confesar que hasta me asustó su intensidad y el desbordante “italianismo” de su personalidad.

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Era sin duda un hombre larger than life, que daba igual qué edad tuviera, porque estaba lleno de vida y de pasión por la vida. ¡Y lo mostraba con fuerza!

Abriendo boutiques en lugares de moda, como St. Tropez y St. Barts, Cavalli también fue un genio del marketing y de la publicidad y así logró que su nombre se conociera, y sus creaciones estuvieran en todas partes. ¿Celebridades que han usado sus diseños? Jennifer López, Beyoncé, Rihanna, Madonna, Cher, Cindy Crawford, Demi Moore, Catherine Zeta-Jones, Gwyneth Paltrow, Charlize Theron, Victoria Beckham, Kate Hudson y muchas más.

El día que nos conocimos, su entusiasmo por la ropa que me mostraba llenaba aquel gran espacio en la calle 56 de Nueva York. En realidad me dejó sin habla. Acariciaba sus telas con sensualidad y era algo muy interesante de observar. Creo que solo le hice dos o tres preguntas. Sus respuestas y explicaciones eran tan barrocas como sus diseños. Y estos siempre fueron extravagantes, sexys, muy showbiz, impactantes, ¡y con tendencias que otros diseñadores, algunos incluso muy famosos, imitaron 15 y 20 años más tarde!

Una modelo desfila con un diseño de la colección para mujeres de otoño/invierno 2022-2023 de Roberto Cavalli en la Semana de la Moda de Milán, el 23 de febrero de 2022. (Foto de Tiziana Fabi/AFP/Getty Images)

Aparte de su amor por los estampados de animales, Cavalli fue un creador muy adelantado a su tiempo, lanzando atrevidas transparencias, adornos de plumas, cuero impreso con estampados, telas que parecen piel de serpientes, jeans bordados con brillantes, combinaciones inesperadas de colores y texturas y la sensualidad más flagrante. Cavalli nombró a Fausto Puglisi como director creativo de su marca en octubre de 2020, aunque seguía manteniendo el control de su inmenso y muy productivo negocio.

Y debido a su presencia tan potente en la moda, me dio pena cuando hace una semana llegó la noticia de que Cavalli había muerto en su nativa Florencia, la capital de la región donde su padre fue fusilado por las tropas alemanas durante la Segunda Guerra Mundial en la masacre de Cavriglia y muy cerca de su último gran amor desde 2014, la jovencísima sueca Sandra Nillsson, 45 años menor que él y madre de su hijo pequeño Giorgio, de solo 1 año, que nació cuando Cavalli tenía 82 años. Y una mujer que lo hizo tan feliz ¡que el diseñador le compro una isla en Suecia! ¡Todo muy Cavalli!

¡Qué pena que se ha ido!

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(CNN) -- Cuando hablamos de la moda -y sus fascinantes orígenes- es vital mencionar piezas icónicas, creadas por legendarios diseñadores, que son parte fundamental de su historia. Una de ellas es el muy codiciado y famoso bolso Chanel.

Comencemos…

En la década de 1920 Coco Chanel dijo que se había cansado de tener que llevar sus bolsos colgados de sus brazos y decidió diseñar un modelo que liberara las manos. Y así, inspirada en las correas de las bolsas de los soldados, añadió a un bolso unas asas de cadenas delgadas. Con ello, creó el primer bolso Chanel, que lanzó al mercado en 1929.

Veinticinco años después, poco a poco con cambios a intervalos, nació el bolso Chanel 2.55, uno de los diseños más icónicos de la casa de moda francesa.

Te cuento que, aunque había sido creado en 1929, fue recreado oficialmente por Coco Chanel en febrero de 1955 y de ahí viene el nombre Chanel 2.55, por la fecha de su lanzamiento.

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Y es muy curioso que la original creadora introdujera detalles muy novedosos en este bolso: la cadena de metal entrelazada con cuero -en el primer bolso no tenían cuero– y un bolsillo secreto con zipper en la solapa del frente, ideal para guardar cartas de amor. Otra característica del 2.55 es el cierre giratorio, con el logotipo de la marca, inspirado en los cierres de los uniformes de los jinetes de carreras de caballos que Chanel admiraba.

(Crédito: Mari Rodríguez Ichaso)

De la difícil infancia de Coco Chanel en un convento de huérfanos en Aubazine, Francia, viene el color rojo burdeos del forro del bolso, ¡que representa el color de los uniformes del convento donde creció! La parte trasera tiene una solapa exterior para guardar dinero. Y Chanel, reconociendo que las mujeres modernas necesitaban tener las manos libres, diseñó para colgar del hombro una doble cadena más larga, inspirada en los guardias del convento que llevaban las llaves en la cintura colgando de esas mismas cadenas. El bolso originalmente venía con un cierre frontal llamado Mademoiselle Lock -en referencia a que Coco Chanel nunca se casó -y está todo hecho en un refinado cuero acolchado. Se cree que para esto se inspiró en las chaquetas de montar de los jinetes y las vidrieras de la abadía de Aubazine.

Una historia no tan sencilla

Este diseño -muy distinto a los bolsos “muy aburridos” de entonces- se convirtió en un símbolo de estatus, con un estilo muy chic. Y a partir de entonces… ¡el resto es historia!

Y con gran éxito a través de los años, la casa Chanel ha lanzado varias reinterpretaciones del bolso original 2.55, que en 2024 sigue siendo un auténtico clásico de la moda.

Como nota muy especial, debo comentarles que la fecha de creación del bolso viene precedida de una historia un poco conflictiva, pues después de la Segunda Guerra Mundial Chanel sostuvo un largo romance viviendo en el hotel Ritz de París con un alto oficial del Ejército nazi, lo que provocó su salida de Francia y su autoimpuesto exilio en Suiza. La diseñadora regresó a la industria de la moda en 1954 y decidió actualizar su bolso. Le sacudió el polvo al original de 1929 y el diseño que resultó fue el que llamó oficialmente 2.55.

Ha habido varias variaciones del diseño original, incluidas combinaciones de diferentes colores de cuero y tela, correas de metal y cuero entretejido, y en la cerradura Mademoiselle, sustituida a veces con las iniciales CC entrelazadas.

Mirando hacia atrás, la casa Chanel lanzó en 2005 una copia exacta del 2.55 original, en conmemoración del 50 aniversario de la creación del original. Lo llamaron Reedición 2.55 y ahora lo usan como el nombre para todos los bolsos que se parecen al 2.55 original.

¿Y los precios?

Desde el lanzamiento del bolso 2.55 en 1955, cuando costaba US$ 250, su precio ha subido 174%.

Y -por ejemplo- de US$1.650 en el 2005, subió a US$ 2.850 en 2010. Y después a US$ 5.800 a partir de 2020; US$ 10.000 en 2022 y alrededor de US$ 12.000 y más en 2024. ¡Y así imagino seguirá subiendo, mientras haya mujeres que lo codicien tanto que lo pagarán sin pestañear!

Entre esas mujeres tenemos diversas celebridades, como la princesa Carolina de Mónaco y su hija Charlotte Casiraghi; la guapa argentina reina Máxima de los Países Bajos, quien tiene colección de ellos; Hillary Duff, Sarah Jessica Parker, Kourtney y Khloe Kardashian, Nicky y Paris Hilton, Karlie Kloss, Eva Longoria, Rihanna, Miley Cyrus, Jennifer Aniston, Rita Ora, Jessica Chastain, Lady Gaga… y muchos cientos más.

Una historia fascinante ¿no creen?

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(CNN) -- Es tan difícil conseguir un bolso Birkin de Hermès que debería ser ilegal.

Eso es según dos aspirantes a compradores Birkin que presentaron una demanda contra la marca francesa de lujo en un tribunal de distrito del norte de California el 19 de marzo.

Los demandantes acusan a Hermès de explotar el "increíble poder de mercado" derivado del "atractivo único, la increíble demanda y la escasa oferta" de su bolso más prestigioso para hacer subir los precios y aumentar sus propios beneficios. Alegan que el acceso al bolso Birkin de Hermès, perpetuamente agotado, está supeditado a la compra de otros productos, lo que da lugar a un "acuerdo ilegal de vinculación" que viola la legislación antimonopolio estadounidense.

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Las enigmáticas prácticas de venta de Hermès en las que los artículos más deseados, como los bolsos Birkin y Kelly, se ofrecen de forma esporádica y normalmente a clientes que ya tienen un historial de compras en la marca se han analizado sin cesar en los círculos de la moda y, más recientemente, se han convertido en el tema de innumerables videos de TikTok e hilos de Reddit sobre cómo jugar "al juego de Hermès", con creadores de redes sociales que ofrecen consejos sobre cómo obtener prestigiosos artículos de Hermès a través de interacciones cuidadosamente coordinadas con los asociados de ventas.

El año pasado, Hermès dijo a The Business of Fashion que "prohíbe estrictamente cualquier venta de ciertos productos como condición para la compra de otros".

El estricto control de la distribución (y la escasez) han contribuido a que el Birkin sea uno de los productos más codiciados de la moda y una clase de activo en sí mismo: los precios pueden más que duplicarse en la reventa.

El posicionamiento ultraexclusivo de Hermès ha hecho que las ventas del Birkin sigan superando los resultados del mercado, incluso cuando la mayoría de las demás marcas de lujo ven cómo la demanda se desacelera desde los máximos alcanzados tras la pandemia. Los ingresos aumentaron un 21% interanual en 2023, mientras que el beneficio neto subió un 28%.

Pero ahora, la marca podría enfrentarse a problemas legales.

El "juego de Hermès"

Como la mayoría de las casas de lujo, Hermès controla estrictamente su distribución: solo vende sus artículos de piel en sus propias tiendas, donde las existencias nunca están a descuento. Los bolsos Birkin y Kelly, en particular, no se venden por Internet y a veces ni siquiera se exponen en las tiendas.

La experiencia de venta al por menor de la marca varía de una ciudad a otra. El personal local de Hermès tiene mucha libertad para determinar cómo se venden sus bolsos, cuya demanda supera la oferta. Algunos bolsos se asignan mediante listas de espera, otros se ofrecen a discreción del vendedor. Otros se ofrecen por orden de llegada, sobre todo en la tienda insignia de la marca en París. Las preferencias de los clientes se registran, pero cuando se les ofrece un Birkin concreto, no necesariamente pueden elegir el estilo o el color.

La ambigüedad del proceso ha suscitado especulaciones sobre quién recibe un bolso y por qué. TikToks, videos de YouTube e hilos de Reddit sobre el "juego de Hermès" detallan los caminos de los compradores para obtener los llamados "bolsos de cuota" (incluso los clientes más fieles de Hermès solo pueden disfrutar de estos modelos un número limitado de veces al año). Los creadores ofrecen consejos sobre qué decir, cómo vestirse y cuándo y dónde ir para tener más posibilidades de conseguirlo. Los clientes comparten teorías sobre cuánto gastar en labiales, suéteres, sandalias y camas para perros para asegurarse una oferta o un estilo preferido, con algunas estimaciones que se elevan a decenas de miles.

Aún está por ver si el caso contra Hermès llegará a juicio. No obstante, la denuncia podría tener implicaciones en todo el sector. Otras marcas de lujo se han enfrentado a acusaciones similares (cuando no a demandas judiciales), sobre todo en China, donde los compradores han denunciado el aumento de las barreras de acceso a productos codiciados. Crédito: Alex Tai/SOPA Images/LightRocket/Getty Images

"Tienes que comprar sus zapatos, sus almohadas... ese caballito de US$ 900 para mostrar tu aprecio por la marca", afirmaba un usuario de TikTok. Otro se refirió al proceso como "prometer lealtad a la marca".

Otros cuentan historias sobre cómo consiguieron los codiciados bolsos sin gastar mucho en otros artículos, lo que sugiere que las supuestas prácticas no son completamente sistemáticas, o que algunos compradores están optando por exagerar (tal vez porque no están dispuestos a esperar meses para recibir una oferta de bolsos).

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¿Por qué haría esto Hermès?

Hermès sólo puede producir un número limitado de bolsos al año, y de alguna manera tiene que decidir quién se los queda.

"(Hermès) se rige por la oferta, no por la demanda", afirma Erwan Rambourg, responsable mundial de estudios sobre consumo y venta al por menor de HSBC. "No va a agitar una varita mágica y, de repente, ser capaz de producir un montón de productos".

El sistema podría ayudar a preservar el equilibrio entre los artículos de piel y otras categorías en el negocio de Hermès, que desde hace tiempo es una prioridad para la empresa, ya que emplea a miles de artesanos franceses especializados en habilidades como tejer sedas, pintar pulseras de esmalte o incluso serigrafiar sus toallas de playa.

Reservar los mejores Birkins para sus clientes más importantes, o los que más gastan, podría ser simplemente un negocio inteligente. Además, aumenta la exclusividad. Una mezcla de ventas más equilibrada y una larga lista de espera para los productos clave ayudan a la marca a mantener la coherencia año tras año, lo que la hace más atractiva para los inversores.

Dar prioridad a los clientes que gastan mucho en otras categorías también podría desincentivar a los revendedores que quieren vender bolsos para obtener beneficios.

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¿Es esto ilegal?

Los abogados de los demandantes (los equipos jurídicos de Setareh Law Group y Haffner Law, con sede en California) afirman que Hermès infringe la normativa antimonopolio de EE.UU., que prohíbe el abuso de poder de mercado mediante la agrupación de productos o su vinculación a otras compras. Un vendedor también debe tener suficiente poder de mercado para restringir el libre comercio de un bien. Microsoft, por ejemplo, fue acusada del mismo tipo de infracción antimonopolio por obligar a los usuarios de su sistema operativo a utilizar también su navegador en la década de 1990.

La demanda sostiene que se exige a los compradores que adquieran productos adicionales (artículos como pañuelos, almohadas o zapatos) antes de poder comprar un bolso Birkin. Los vendedores tienen "instrucciones de ofrecer bolsos Birkin únicamente a consumidores que hayan establecido un 'historial de compras' o 'perfil de compra' suficiente", afirma el abogado del demandante.

La denuncia apuntaba a la estructura de comisiones de la empresa en la que el personal supuestamente no recibe pago por la venta de un Birkin, pero sí por otros productos como prueba del esquema.

Hermès no respondió a la solicitud de comentarios.

Sin embargo, el trato preferente es una práctica comercial habitual que no viola la legislación antimonopolio, según Susan Scafidi, directora del Fashion Law Institute de la Universidad de Fordham, que lo compara con conseguir la mejor mesa en un restaurante. Los demandantes tienen que demostrar que Hermès tiene requisitos específicos, ya sea gastar una determinada cantidad o comprar un cierto número de productos durante un periodo de tiempo, que casi todos los clientes deben cumplir antes de comprar un Birkin.

La opinión generalizada sobre cómo conseguir un Birkin sugiere que no existe un protocolo tan claro; las historias de clientes sin cita previa que adquieren un bolso en la tienda insignia de París podrían dificultar la prueba de la existencia de un plan de vinculación. Además, la proliferación del bolso en el mercado secundario significa que un consumidor tiene otras vías para obtener uno, dijo Scafidi. Es de suponer que los demandantes podrían comprar un Birkin a The RealReal aunque no pudieran hacerlo directamente a Hermès.

"Va a ser un caso muy difícil de ganar para los demandantes", dijo Scafidi.

Tal vez el mayor problema para Hermès sea que la demanda expone a la marca y sus prácticas, reacias a la publicidad, a un mayor escrutinio.

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¿Qué pasará después?

Hermès tendrá que responder a la demanda, ya sea con un acuerdo discreto o con una declaración pública en un juicio propio. Que el caso llegue a juicio dependerá en parte de cuánto tiempo y dinero quieran invertir los demandantes en la presentación de pruebas y testimonios. Como los demandantes presentaron una demanda colectiva, también tendrán que obtener del tribunal la certificación de que pueden representar a un grupo de personas que han recibido el mismo trato.

Mientras tanto, Hermès tendrá que encontrar un equilibrio entre tranquilizar a sus vendedores y clientes asegurándoles que sus prácticas son legales y evitar un largo proceso judicial que podría sacar a la luz detalles sobre sus prácticas comerciales. La demanda no es un problema para la mayoría de los inversores, dijo Rambourg.

Una artesana trabaja en un bolso en un taller de marroquinería de Hermès en Allenjoie, Francia, el 5 de abril de 2018. Crédito: Sebastien Bozon/AFP/Getty Images

Aun así, la industria de la moda en general estará atenta a la evolución de la demanda para calibrar las implicaciones más amplias, ya que otras marcas de gama alta evalúan si sus propias tácticas podrían potencialmente alinearse con la definición legal de vinculación.

El sector se basa en la fidelidad de los clientes; los mejores compradores son recompensados regularmente con el acceso a reuniones y colecciones exclusivas. Se dice que algunas casas de moda de lujo reservan muchos artículos para clientes especiales, mientras que las marcas de relojes de gama alta tienen que encontrar tácticas peculiares para hacer malabarismos con más clientes que relojes para vender.

"Uno compra lujo para formar parte del club", afirma Rambourg. "De eso se trata. No sirve de nada que el club esté abierto a todo el mundo".

Sea cual sea el resultado, la demanda es la reclamación más reciente que somete a las marcas a un mayor escrutinio, no solo por lo que venden, sino por cómo lo hacen, ya que las transacciones, antes ocultas, son ahora objeto de debate público y jurídico.

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El proyecto de ley prevé aumentar gradualmente las sanciones hasta 10 euros (US$ 11) por prenda individual de aquí hasta 2030, así como prohibir la publicidad de este tipo de productos.

Los diputados aprobaron por unanimidad el proyecto, que pasará al Senado antes de convertirse en ley.

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La popularidad de los minoristas de moda Shein y Temu -que escalan los pedidos en función de la demanda gracias a cadenas de suministro ultraflexibles- ha perturbado el sector minorista, mientras que empresas establecidas como Zara y H&M siguen dependiendo en gran medida de las preferencias de los compradores.

"Esta evolución del sector de la confección hacia una moda efímera, que combina mayores volúmenes y precios bajos, está influyendo en los hábitos de compra de los consumidores al crear impulsos de compra y una necesidad constante de renovación, lo que no deja de tener consecuencias medioambientales, sociales y económicas", señala el proyecto de ley.

Shein dijo en un comunicado enviado a Reuters que la ropa que produce satisface una demanda existente, lo que permite que su tasa de prendas no vendidas se mantenga constantemente en un dígito bajo, mientras que las empresas tradicionales pueden tener hasta un 40% de desperdicio.

Añadió que el único impacto del proyecto de ley será el de "empeorar el poder adquisitivo de los consumidores franceses, en un momento en el que ya están sintiendo el impacto de la crisis del costo de vida".

En un post en  la red social X, el ministro de Medio Ambiente de Francia, Christophe Béchu, describió el proyecto de ley como un "gran paso adelante" y agregó: "Se ha dado un gran paso para reducir la huella ambiental del sector textil".

El proyecto de ley surge cuando el Ministerio de Medio Ambiente francés dijo que propondría a la Unión Europea prohibir las exportaciones de ropa usada, en un intento por abordar el empeoramiento del problema de los desechos textiles.

Los trabajadores confeccionan ropa en una fábrica de ropa que abastece a Shein en la provincia de Guangdong, en el sur de China, en julio de 2022. (Foto: Jade Gao/AFP/Getty Images).

El año pasado, el país lanzó un plan de reparación para alentar a la gente a remendar ropa y zapatos viejos en lugar de tirarlos. El Gobierno de Francia prometió 154 millones de euros (US$ 168 millones) a la iniciativa, que reembolsa a los compradores con hasta 25 euros (US$ 27,20 dólares) por cada prenda que hayan reparado.

La organización sin fines de lucro encargada de gestionar el programa, Refashion, afirma que en 2022 llegaron al mercado francés 3.300 millones de prendas de vestir, ropa de casa y calzado. En aquel momento, el Ministerio de Ecología del país afirmó que los franceses tiran a la basura 700.000 toneladas de ropa (dos tercios de la cual termina en vertederos) cada año.

Entre las industrias más contaminantes del mundo, la de la moda representa entre el 3% y el 5% de las emisiones globales de carbono, según el informe State of Fashion de la consultora McKinsey. Alrededor de la mitad de todas las fibras producidas por la industria son formas de poliéster a base de aceite, añade el informe.

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"Mi vestido está roto", dijo Stone mientras se dirigía a recibir su premio de la Academia. Una vez en el escenario, abrió su discurso de aceptación reconociendo el mal funcionamiento de su vestuario en lo que pareció ser una cremallera o costura rota en la parte posterior de su vestido Louis Vuitton.

"Creo que sucedió durante 'I’m Just Ken'", explicó, haciendo referencia a la actuación de Ryan Gosling de su canción de la película "Barbie, y presumiblemente, algunos movimientos de baile en los que se había involucrado (porque, ¿quién no bailaría con Gosling si se presentara la oportunidad?).

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"No miren la parte trasera de mi vestido", dijo Stone al concluir su discurso de aceptación, una noble súplica, pero una que probablemente habría atraído más atención al problema de costura. (Crédito: Myung J. Chun/Los Angeles Times/Getty Images)

Al hablar con los reporteros tras bastidores, Stone dijo que se había "dejado llevar" durante la actuación de Gosling, agregando: "Estaba tan asombrada por Ryan y lo que estaba haciendo, y ese número simplemente me dejó boquiabierta".

"Tuvieron que coserme de nuevo, lo cual fue maravilloso", también reveló.

Stone, ahora dos veces ganadora del Oscar, había deslumbrado anteriormente en la alfombra roja fuera del Teatro Dolby de Hollywood con su look Vuitton personalizado, que presentaba un corpiño strapless y detalles en forma de concha. La actriz fue vestida por la destacada estilista de moda y celebridades Petra Flannery.

Stone ganó su primer Oscar en 2017 por su papel en "La La Land", una película en la que también actuó Gosling. De hecho, la pareja compartió el micrófono para unas cuantas líneas durante la presentación de "I’m Just Ken" de Gosling esta noche.

En la categoría de Mejor Actriz de este año, compitió contra Lily Gladstone de "Killers of the Flower Moon", Annette Bening de "Nyad", Carey Mulligan de "Maestro" y Sandra Hüller de "Anatomy of a Fall".

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Stone no es la única celebridad ilustre que ha sufrido percances de moda en los Oscar: en una entrevista de 2022 con Harper's Bazaar, Charlize Theron contó que las costuras traseras fruncidas del vestido Vera Wang que usó en los Oscar de 2000 se rompieron mientras tomaba asiento. "Cuando me levanté para la primera ovación de pie, sentí como una brisa fresca subiendo por mi trasero", dijo. "Y me di cuenta de que todo mi trasero estaba al aire".

En una entrevista con Jimmy Kimmel, la actriz Jenny Slate habló de un momento similar cuando se unió a sus compañeros de reparto de "Everything Everywhere All at Once" en el escenario de los Oscar en 2023, diciendo que "se tambaleó" en el escenario para evitar que alguien notara una costura rota en su vestido Thom Browne. Y quizás el episodio más infame fue el de Jennifer Lawrence quien estaba en el escenario con Stone esta noche (como una de las exganadoras del Oscar a Mejor Actriz que presentaron a las nominadas de este año), tropezó al aceptar su Oscar a Mejor Actriz en 2013 debido al dobladillo de su vestido Dior Haute Couture que caía.

Lawrence, junto con las otras exganadoras del Oscar, ayudaron a Stone a salir del escenario.

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Apfel murió el viernes a la edad de 102 años, según una publicación en su página verificada de Instagram. Murió en su casa en Palm Beach, Florida, dijo a The New York Times Stu Loeser, su portavoz.

A la influyente diseñadora de interiores le encantaban los accesorios gruesos, el jazz, el trabajo y aprovechaba cada oportunidad que se le presentaba —desde prestigiosas exposiciones de arte hasta portadas de revistas, una línea de cosméticos, un documental, un contrato de modelo y una muñeca Barbie hecha a su imagen—.

"Lo hago al máximo, me apasiona mucho lo que hago", dijo Apfel a CNN en una entrevista en 2018. "Pongo mi corazón y mi alma (en las cosas) y eso me alimenta. Me esfuerzo hasta que no puedo más y luego vuelvo por más. Soy glotona para los castigos".

Nacida como Iris Barrel en Queens, Nueva York, en 1921, era hija única de los padres judíos Samuel y Sadye Barrel.

Se describía a sí misma como una "compradora cinturón negro", que hizo su primera compra a la edad de 11 años, cuando su madre le dio US$ 25 para un vestido para Pascua. Costó US$ 12,95. Los zapatos y un sombrero haciendo juego costaron unos US$ 8. El viaje en tren de ida y vuelta costó sólo US$ 0,10.

Eran los años de la depresión. Era una cazadora de gangas, una coleccionista, una acaparadora. En 2015, le dijo a Vanity Fair que todavía usaba el vestido que había usado en la primera cita con su difunto esposo, Carl Apfel, unos 68 años antes. Él murió en 2015, pocos días antes de cumplir 101 años. En ese momento, ella lo describió como "un hombre muy generoso y muy divertido".

Se casaron en 1948 y a los pocos años fundaron Old World Weavers, una empresa que permitió a la pareja entregarse a su pasión por las telas y los viajes. Volaron entre continentes en busca de textiles antiguos para reservas de clientes que se expandieron constantemente hasta incluir a Estée Lauder, Greta Garbo y no menos de nueve presidentes de Estados Unidos.

Apfel fue una célebre diseñadora de interiores durante décadas, y su famoso estilo personal le valió numerosas colaboraciones con marcas y un importante contrato como modelo a sus 97 años. (Jemal Countess/WireImage/Getty Images)

"(Diseñar para la Casa Blanca) fue en realidad un trabajo relativamente fácil, porque todo tenía que ser lo más humano posible", dijo Apfel a The Guardian en 2015.

Así fue hasta que Jackie Kennedy se mudó allí. "Contrató a un diseñador parisino muy famoso para adornar la casa y convertirla a un verdadero estilo francés, y la comunidad de diseño se volvió loca. Después de eso tuvimos que tirarlo todo y empezar de nuevo", dijo Apfel.

Una influencia duradera

Apfel nunca se jubiló realmente (una vez dijo que la jubilación era "un destino peor que la muerte"), aunque su vida era algo más tranquila en 2005 cuando el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York se acercó a ella para organizar una exposición de sus accesorios. En ese momento tenía poco más de 80 años y el curador Harold Koda había oído que tenía una de las mejores colecciones de bisutería de Estados Unidos.

Inicialmente, Koda pidió accesorios y joyas y luego cinco conjuntos completos, según escribió Apfel en su libro, "Accidental Icon: Musings from a Geriatric Scarlet". Pero cuando Apfel, Koda y su personal del museo Met terminaron de explorar su guardarropa laberíntico, alacenas y cajas de almacenamiento, se fueron con 300 conjuntos y cientos de accesorios.

La exposición, "Rara Avis (Pájaro raro)#, fue la primera en la que el museo rindió homenaje a una mujer viva que no era diseñadora de moda. Fue un éxito y Apfel fue elogiada en todo el mundo como un ícono de estilo.

Eso hizo que su perfil público se disparara.

Apfel en primera fila de la Semana de la Moda de Nueva York junto a la modelo Karolina Kurkova, en 2016. (Michael Stewart/WireImage/Getty Images)

A sus 90 años, fue el rostro de una campaña publicitaria de Kate Spade, creó su propia línea de maquillaje con MAC Cosmetics y diseñó su propia gama de accesorios, ropa y muebles para Home Shopping Network.

Ya había aparecido en revistas de moda como Vogue Italia y Dazed & Confused cuando, en 2019, la prestigiosa agencia IMG le ofreció un contrato como modelo a sus 97 años, con lo que se unió a un círculo de modelos íconos como Karlie Kloss, Joan Smalls, Chrissy Teigen y Bella y Gigi Hadid.

Puede que tuviera su propia marca, pero a Apfel no le motivaban los nombres de los diseñadores. Era tan feliz hurgando en mercados de pulgas como en tiendas de lujo en busca de piezas inusuales para amontonar sobre su pequeño cuerpo.

Tenía 2,9 millones de seguidores en Instagram, pero expresaba desdén por las redes sociales.

"Es demasiado entrometido", le dijo a CNN en 2018. "Me importa un carajo lo que comiste y no me importa con quién te acuestes... Es una enorme pérdida de tiempo".

Una vez le pidieron a Apfel que definiera su actitud ante la vida en solo tres palabras. "Un sólo viaje", dijo.

Luego añadió algunas más: "Más vale vivirlo".

Rob Frehse de CNN contribuyó a este informe.

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Los organizadores anunciaron el jueves que el código de vestimenta oficial para el evento, que tendrá lugar el 6 de mayo, es "El jardín del tiempo". El tema toma su título de un relato corto escrito en 1962 por el autor británico J. G. Ballard, ambientado (como sugiere su título) en un jardín lleno de flores translúcidas que manipulan el tiempo.

Ballard, estrechamente asociado a la ciencia ficción de la Nouvelle Vague, suele ambientar sus relatos distópicos de mordaz actualidad en épocas de apocalipsis ecológico o de auge de las tecnologías disidentes.

El tema acompaña a la exposición del Costume Institute "Sleeping Beauties: Reawakening Fashion", que se exhibirá en el Museo Metropolitano de Arte del 10 de mayo al 2 de septiembre. La muestra incluye unas 250 piezas y prendas del extenso archivo del Met, muchas de las cuales son demasiado frágiles para montarlas en maniquíes. En su lugar, las piezas históricas más delicadas aparecerán planas en ataúdes de cristal suspendidos, como la princesa Aurora en el cuento de hadas "La bella durmiente".

"Es en gran medida una oda a la naturaleza y a la poética emocional de la moda", explica a Vogue Andrew Bolton, del Constume Institute, sobre la exposición. "Espero que esta exposición active esa apreciación sensorial de la moda".

Entre los coanfitriones de este año —junto a la editora jefe de Vogue, Anna Wintour— se encuentran pilares de la Met Gala y debutantes. Hemsworth hará su primera aparición en el evento, mientras que Zendaya volverá por primera vez en varios años. Entre los presidentes honorarios figuran Jonathan Anderson, director creativo de Loewe, y Shou Zi Chew, CEO de TikTok.

La naturaleza compleja y conceptual del código de vestimenta de este año contrasta con el guiño conmemorativo al legado de Karl Lagerfeld del año pasado. La temática de la Met Gala suele oscilar entre retrospectivas directas (como el homenaje de 1996 a Christian Dior y el tema de 1997 dedicado a Gianni Versace) y propuestas más artísticas y subjetivas. Uno de los favoritos de los fans fue el tema de 2018, "Cuerpos celestiales", que animaba a los invitados a sumergirse en la rica y fantasiosa historia del catolicismo.

Este año, los invitados tendrán muchos puntos de referencia vívidos que interpretar. En el relato de Ballard, el conde Axel y su esposa se encuentran atrapados en su jardín amurallado mientras una turba enfurecida se amontona ante sus puertas. A medida que disminuye su floración que invierte el tiempo, ambos son conscientes del destino que les aguarda.

Es posible que la alfombra roja veamos interpretaciones literales de las flores ficticias, con tallos distintos "como varillas de cristal" y pétalos que abarcan un "corazón de cristal". Pero hay algo lúgubre y melancólico en la visión de Ballard. Como dice Vogue, "las flores tétricas no serán lo bastante tétricas", así que espera montones de flores oscuras o góticas.

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El editor de moda de origen ghanés abandonó inesperadamente su puesto en junio, tras más de seis años al frente de la revista. Su portada final reúne a supermodelos, megaestrellas de Hollywood, iconos del pop y otras estrellas de la moda con las que ha trabajado, como Naomi Campbell, Cindy Crawford, Miley Cyrus, Linda Evangelista, Jane Fonda, Dua Lipa, Kate Moss y Serena Williams.

Fotografiadas en Manhattan por Steven Meisel (para la portada) y Ned Rogers (para las páginas interiores), las 40 mujeres volaron desde Londres, París, Milán, Los Ángeles y otros lugares para formar parte de este número histórico, señaló Enninful en su carta final al editor.

(Crédito: Steven Meisel)

"Cuando llegó mi último número, sabía que la portada estaría dedicada a las mujeres. ¡Por supuesto! Las mujeres han dado forma a British Vogue durante casi 108 años, y sin duda han influido en cada momento de mis seis años y medio aquí, por no decir que me han guiado a lo largo de toda mi vida", escribió Enninful.

"Todos los miembros del equipo teníamos claro que ninguna mujer podía o debía encapsular estos últimos años para la revista", añadió. "Lo que necesitábamos era un grupo, apoyarnos en el poder del colectivo para dar vida a lo que espero que haya sido un periodo atrevido, disruptivo y evolutivo en la historia de Vogue".

La noticia de la marcha de Enninful conmocionó al mundo de la moda el año pasado. Después de una carrera que influyó en las altas esferas de la industria a través de puestos en i-D, W y American Vogue, Enninful defendió la diversidad en la edición británica de esta última revista en lo que muchos vieron como una nueva dirección muy necesaria para la publicación.

Durante su mandato se produjeron varias primicias históricas, como la contratación de las fotógrafas negras Misan Harriman y Kennedi Carter para las portadas, ambas en 2020, y una serie de cinco portadas protagonizadas por activistas, modelos y creativos discapacitados para el número de mayo de 2023.

(Crédito: Ned Rogers)

Enninful también eludió las normas edadistas de la industria con un número de 2019 dedicado a mujeres de más de 50 años (con Fonda en portada). Otras de sus portadas fueron Miriam Margolyes, de 82 años, que posó desnuda para el número del Mes del Orgullo del año pasado, y Dame Judi Dench, que entonces tenía 85 años.

Para el último número de Enninful, Christy Turlington, de 55 años, una de las 40 estrellas de la portada, reconoció un cambio en la aceptación. "Cada vez celebramos mejor a las mujeres de todas las edades", dijo.

En 2022, se rumoreó que Enninful era el siguiente en la línea de sucesión para el puesto más alto de American Vogue, aunque en aquel momento dijo a Christiane Amanpour, de CNN, que "no quería" el puesto de Anna Wintour y que ella no iba a dimitir a corto plazo. Ahora asumirá un puesto de asesor en Condé Nast, la editorial de Vogue, un movimiento que, según ha dicho anteriormente, le da "la libertad de asumir proyectos creativos más amplios".

Por su parte, Chioma Nnadi, exeditora digital de American Vogue, tomará el timón de British Vogue, convirtiéndose en la primera mujer negra en ocupar este puesto. Enninful ha calificado anteriormente a Nnadi de "talento brillante y único con una visión real, que llevará a la publicación a cotas cada vez más altas".

Naomi Campbell. (Crédito: Ned Rogers)

Miley Cyrus. (Crédito: Ned Rogers)

En referencia a su nuevo papel en su última carta como editor, Enninful está "decidido a seguir defendiendo la increíble variedad de voces en la moda y los medios de comunicación, y a garantizar que mantenemos la explosión de energía de los últimos años".

"Siempre lo decimos, porque siempre hay que decirlo: aún queda mucho por hacer", añadió.

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La alfombra roja de los premios Grammy siempre es una de las más anheladas, ya que los artistas suelen lucir todo tipo de vestidos, trajes y atuendos deslumbrantes y originales.

Se estima que decenas de celebridades como Karol G, Peso Pluma, Taylor Swift, Beyoncé, Dua Lipa, Miley Cyrus, Billie Eilish, SZA, entre muchas otras, pasarán por la alfombra roja.

¿Quiénes son los artistas que más premios Grammy han ganado en la historia?

Estos son algunos de los looks más destacados.

Esta galería se actualizará a lo largo de la noche.

Billie Eilish. Crédito: Francis Specker/CBS Entertainment.

Taylor Swift. Crédito: Matt Winkelmeyer/Getty Images.

Dua Lipa. Crédito: Kevin Mazur/Getty Images

Doja Cat. Crédito: Jordan Strauss/Invision/AP.

Miley Cyrus. Crédito: Frazer Harrison/Getty Images.

Olivia Rodrigo. Crédito: Jordan Strauss/Invision/A.

John Legend y Chrissy Teigen. Crédito: Kayla Oaddams/WireImage/Getty Images.

Alessandra Ambrosio. Crédito: Allen J. Schaben/Los Angeles Times/Getty Images.

Caroline Polachek. Crédito: Matt Winkelmeyer/Getty Images.

Calvin Harris. Crédito: Jordan Strauss/Invision/AP.

Folake Olowofoyeku. Crédito: Jordan Strauss/Invision/AP.

Ayra Starr. Crédito: Robyn Beck/AFP/Getty Images

Mark Ronson y Grace Gummer. Crédito: Frazer Harrison/Getty Images.

Jessica Betts y Niecy Nash Jordan. Crédito: Strauss/Invision/AP.

Coco Jones. Crédito: Kayla Oaddams/WireImage/Getty Images.

Landon Barker. Crédito: Stewart Cook/CBS Entertainment.

Paris Jackson. Crédito: Matt Winkelmeyer/Getty Images.

Kat Graham. Crédito: Matt Winkelmeyer/Getty Images.

Fantasia Barrino. Crédito: Kayla Oaddams/WireImage/Getty Images.

Lauren Daigle. Crédito: Gilbert Flores/Billboard/Getty Images.

Dawn Richard. Crédito: Gilbert Flores/Billboard/Getty Images.

Paty Cantu. Crédito: Jordan Strauss/Invision/AP.

Noah Kahan. Crédito: Jordan Strauss/Invision/AP.

Desde la izquierda: Phoebe Bridgers, Lucy Dacus, y Julien Baker de boygenius. Crédito: Jordan Strauss/Invision/AP.

ThankGod4Cody. Crédito: Kayla Oaddams/WireImage/Getty Images.

FOTOS | Los mejores looks de la alfombra roja de los Latin Grammy 2023: Rosalía, Shakira, Karol G, entre otros

Victoria Monét. Crédito: Neilson Barnard/Getty Images.

Jacob Collier. Crédito: Frazer Harrison/Getty Images.

Alex Ritchie. Crédito: Frazer Harrison/Getty Images

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Fast Retailing, el gigante japonés propietario de Uniqlo y Theory, dijo en un comunicado que la forma de los "productos de imitación" que vende Shein "se parece mucho" al mini bolso de hombro redondo de Uniqlo, que se volvió viral en TikTok y otras plataformas de redes sociales en 2022 y 2023, hasta el punto de agotarse varias veces.

El bolso en forma de media luna, que se lleva cruzado sobre el torso y tiene un precio de solo US$ 20, fue tan popular que apareció en los titulares de los medios de comunicación de todo el mundo y obtuvo el primer puesto en la clasificación de los productos más populares de la empresa de tecnología de moda Lyst en el primer trimestre de 2023.

Una mujer pasa junto a un estante del mini bolso de hombro redondo viral en una tienda Uniqlo en Tokio, Japón, el 16 de enero de 2024.
Richard A. Brooks/AFP/Getty Images

Pero la popularidad del artículo también inspiró una ola de productos imitaciones, lo que llevó a Uniqlo a advertir en su sitio web que estaba investigando supuestas copias y que podría emprender acciones legales.

Su demanda contra Shein se presentó en Tokio el 28 de diciembre y nombró a tres de los operadores de la marca (Roadget Business Pte, Fashion Choice Pte y Shein Japan), según el comunicado de Fast Retailing.

Exige el “cese inmediato de las ventas de los productos de imitación, y la compensación por los daños sufridos por la Compañía como consecuencia de estas ventas”

El comunicado añade que la venta de estas falsificaciones socavó "significativamente" la confianza de los clientes en "la calidad de la marca Uniqlo y sus productos", y que Fast Retailing adopta una "postura decidida" contra cualquier infracción de su propiedad intelectual.

En una declaración a CNN, un portavoz de Shein dijo que la compañía estaba "actualmente investigando este asunto".

"Shein respeta los derechos de propiedad intelectual de otros y toma en serio todas las reclamaciones de infracción", afirmó.

El bolso de hombro comenzó a circular por primera vez en TikTok en 2022 y continuó ganando popularidad hasta 2023, y los creadores de videos elogiaron su versatilidad, amplitud y asequibilidad.

Los TikToks más virales sobre el bolso acumularon millones de visitas, desde consejos de estilo hasta videos de "qué hay en mi bolso", unboxings y reseñas de artículos. Hasta el miércoles, el hashtag #uniqlobag en TikTok ha acumulado más de 133,2 millones de visitas.

En un informe para inversores del tercer trimestre de 2023, Fast Retailer le dio crédito al bolso de hombro por despertar “un interés considerable en las redes sociales” y ampliar su base de clientes entre mujeres y compradores más jóvenes.

Esta no es la primera vez que Shein se enfrenta a acciones legales o controversias. El año pasado, tres diseñadores gráficos demandaron al minorista en Estados Unidos por presunta infracción de derechos de autor y extorsión, alegando que Shein había vendido copias exactas de sus diseños.

En ese momento, un portavoz de Shein dijo que la compañía "nos defendería enérgicamente contra esta demanda y cualquier reclamo que no tenga fundamento".

Y en diciembre, Shein también fue demandada por su rival Temu, también un sitio de comercio electrónico de propiedad china, que alegaba que Shein había utilizado tácticas agresivas e ilegales para frustrar la competencia, el último acontecimiento en una lucha legal en curso entre los dos.

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Su corpiño ajustado, su polisón abullonado y sus puños de encaje reflejaban una época pasada. Como coleccionista de trajes antiguos, Rivers Cofield lo reconoció como un vestido de la década de 1880, pero a pesar de su antigüedad, sus bordados delicados, su seda color bronce y sus botones metálicos parecían intactos.

Regateó para rebajar el precio de US$ 125 a 100, mientras se preguntaba dónde guardaría la prenda de dos piezas. El precio era más alto de lo que suele pagar como arqueóloga que colecciona trajes y bolsos antiguos por diversión. Pero eran las fiestas, así que derrochó.

Rivers Cofield no tenía ni idea de que el vestido que compró en diciembre de 2013 desvelaría un misterio una década después. Dentro de un bolsillo secreto metido bajo el polisón había dos hojas de papel arrugadas con listas de palabras y lugares aparentemente aleatorios:

“Bismark, omit, leafage, buck, bank”.

“Calgary, Cuba, unguard, confute, duck, Fagan”.

Las notas al margen de los papeles parecían representar el tiempo. Una etiqueta cosida al vestido tenía un nombre escrito a mano: Bennett.

Rivers Cofield estaba desconcertada, dijo a CNN. Las palabras eran crípticas. ¿Qué significaban y por qué necesitaba Bennett un "escondite supersecreto", en palabras de Rivers Cofield, para esconderlas? SOlo los botones representaban a una desolada Ofelia de la obra de Shakespeare "Hamlet", y valían más de lo que había pagado por el vestido, según ella.

En el bolsillo secreto del vestido había papeles con lo que parecían ser palabras crípticas. Crédito: Cortesía de Sara Rivers Cofield

En febrero de 2014, publicó un blog sobre el vestido, al que había apodado el Busto de Bronce de Bennett. "¿Pero qué...?", escribió. "Lo pongo aquí por si hay algún prodigio de la decodificación por ahí buscando un proyecto". Incluía fotos del vestido y de los papeles.

Los detectives en línea se ocuparon del caso, pero sin éxito.

Rivers Cofield, conservadora arqueológica que vive en Chesapeake Beach, Maryland, había comprado el vestido mientras visitaba a su madre en Searsport, Maine. No pensó mucho en ello después de su entrada en el blog.

Pero, sin que ella lo supiera, unos curiosos detectives aficionados se pusieron manos a la obra para resolver el misterio. Lo bautizaron como el "criptograma del vestido de seda" y lanzaron teorías de conspiración sobre las palabras. Algunos especularon con que Bennett era una espía que utilizaba palabras codificadas para comunicarse.

En 2017, un bloguero añadió la nota a su lista de los 50 mensajes cifrados sin resolver y lanzó más teorías. ¿Era una críptica nota de amor? ¿Medidas de ropa? ¿Códigos de la Guerra Civil?

Rivers Cofield descartó rápidamente cualquier interpretación vinculada a la Guerra Civil. Había estudiado los catálogos de la cadena de grandes almacenes Bloomingdale's de la década de 1880 y no tenía ninguna duda de que el vestido era de esa época. Para entonces, la guerra había terminado hacía unos 20 años.

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Otros especulaban con que era una forma de comunicación relacionada con el telégrafo, una nueva forma de enviar notas rápidas lanzada en Estados Unidos en el siglo XIX, que cobraba a los remitentes una tarifa basada en el número de palabras de un mensaje.

"En aquel momento había abandonado el blog", explica Rivers Cofield.

"De vez en cuando veía que se publicaba un comentario o que algún otro descifrador de códigos me enviaba un correo electrónico y me decía: 'Oye, esto me sigue interesando', pero nunca nadie lo resolvía".

Pero un investigador canadiense lo logró

Wayne Chan, un investigador de la Universidad de Manitoba en Canadá, tropezó con el código en línea en el verano de 2018. Le dijo a CNN que miró 170 libros de códigos y ninguno de ellos coincidía con el mensaje.

"Trabajé en él durante unos meses, pero no llegué a ninguna parte. Lo puse a un lado y no volví a mirarlo", dijo Chan.

Chan, que resuelve códigos como afición, empezó entonces a investigar sobre la época del telégrafo, incluidos los códigos meteorológicos utilizados en Norteamérica en aquella época. Y a principios del año pasado tuvo un gran avance.

Descubrió que los mensajes codificados eran, de hecho, un parte meteorológico. Y no estaban cifrados para mantenerlos en secreto, sino porque el código permitía a los meteorólogos acortar los informes meteorológicos detallados en unas pocas palabras, explicó Chan.

En la era del telégrafo, esa taquigrafía era más barata que enviar un gran lote de palabras y lecturas de temperatura. Cada palabra representaba variables meteorológicas como la temperatura, la velocidad del viento y la presión barométrica en un lugar y momento del día concretos.

Cosida en el interior del vestido estaba esta etiqueta con el nombre, en la que se leía "Bennett". Crédito: Sara Rivers Cofield

Por ejemplo, la línea "Bismark Omit leafage buck bank" contiene detalles sorprendentemente específicos. "Bismark" significa que se registró en la estación de Bismarck, en lo que hoy es Dakota del Norte. "Omit" significa que la temperatura del aire era de 56 °F y la presión barométrica de 0,08 pulgadas de mercurio. "Leafage" se refería a un punto de rocío de 32 °F observado a las 10 p.m. "Buck" indicaba que no había precipitación, mientras que "bank" significaba una velocidad del viento de 12 mph (19 km/h) y un atardecer despejado.

Todas las estaciones meteorológicas debían enviar sus informes por telégrafo a una oficina central en Washington, dijo Chan.

Chan descubrió que los mensajes codificados utilizaban un código meteorológico telegráfico del siglo XIX empleado por el Cuerpo de Señales del Ejército, que era el servicio meteorológico nacional de EE.UU. a finales del siglo XIX.

Por ejemplo, una frase como "La tripulación está borracha" se abreviaba con una palabra clave como "ondulado".

"Este código en particular no estaba pensado para guardar secretos en absoluto. Los códigos telegráficos se utilizaban por dos razones principales: secreto y economía", explicó Chan a CNN. "El código meteorológico era para lo segundo. Como en un telegrama se cobraba por palabra, querían acortar o comprimir un parte meteorológico en el menor número de palabras posible para ahorrar costos".

Chan dice que no está seguro de cómo se elegían las palabras. Había un libro de códigos meteorológicos que los meteorólogos consultaban para entender el significado de las palabras desconocidas. Y con el tiempo, aprendieron las palabras clave sin necesidad de consultar el libro, dijo.

"Las palabras estaban dispuestas de modo que determinados pares de consonantes y vocales representaban valores numéricos específicos", explica Chan. "Realmente era un código muy complejo, aunque la intención no era el secreto".

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El día exacto

Chan escribió un artículo académico explicando el tema. También envió un correo electrónico a Rivers Cofield, que no sabía que los detectives en línea seguían trabajando para descifrar los códigos.

Rivers Cofield se declaró atónita por la revelación, pero no sorprendida.

"Me gano la vida como arqueóloga, así que investigo mucho el pasado", dijo. "Hace tiempo que me hice a la idea de que no todos los artefactos ni todos los documentos van a revelar todos sus secretos".

Como parte de la investigación de Chan, la Administración Nacional Oceánica y Atmosférica (NOAA, por sus siglas en inglés) le proporcionó mapas meteorológicos antiguos que le ayudaron a determinar la fecha exacta de las observaciones meteorológicas de la nota codificada: 27 de mayo de 1888.

Rivers Cofield afirma que una de las mayores conclusiones del descubrimiento ha sido darse cuenta de que la gente no tenía forma inmediata de saber qué tiempo iba a hacer en la década de 1880.

"Nunca se me había ocurrido que el telegrama fuera lo que abriera esa puerta a la gente... Porque (ahora) todos estamos tan acostumbrados a nuestras aplicaciones meteorológicas", dijo.

Aún no está claro quién era Bennett y por qué tenía los códigos meteorológicos escondidos en un bolsillo secreto.
Pero por ahora, Chan y Rivers Cofield se alegran de haber desentrañado el misterio mayor del vestido.

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El productor discográfico y diseñador Williams, quien fue nombrado director creativo masculino de la casa de moda de lujo francesa en febrero pasado, aparentemente se inspiró en la clásica bolsa de papel para sándwiches para uno de sus últimos diseños, reimaginándola como un accesorio de alta costura.

La modelo Anna Ewers llevó el "bolso sándwich" durante el desfile debut de Pharrell Williams para Louis Vuitton en París en junio de 2023. (Giovanni Giannoni/WWD/Getty Images)

En lugar de papel, el gran bolso de mano, que se ve debajo de los brazos de las modelos en la pasarela durante la colección debut de Williams en el Pont Neuf de París en junio pasado, está hecho de piel de vaca “exactamente del mismo color que el famoso bolso (de papel) que se utiliza para el mandado”, decía la etiqueta.

Las comparaciones no terminan ahí. Precisamente doblado para parecerse a su contraparte más cotidiana, el accesorio también presenta las letras icónicas de Louis Vuitton, así como un cierre azul, que evoca las asas de los bolsos de papel, para mantener seguros los sándwiches.

La pieza salió a la venta el 4 de enero exclusivamente en la tienda temporal de la marca en West Hollywood, con un costo de US$ 3.130. Pero no es la primera vez que Louis Vuitton se inspira en accesorios cotidianos (y, tradicionalmente, mucho más baratos).

En su colección Primavera-Verano 2007, la casa de moda rindió homenaje a las económicas bolsas de plástico a cuadros para la ropa sucia, amadas en todo el mundo. En 2022, la marca también lanzó un bolso cruzado que se asemeja a una lata de pintura (con asa de metal), “decorado con divertidas referencias a la herencia de Louis Vuitton”.

En 2007, Louis Vuitton rindió homenaje a la "bolsa de lavandería". (Francois Guillot/AFP/Getty Images)

La bolsa de latas de pintura fue diseñada por el fallecido director creativo de Louis Vuitton, Virgil Abloh, quien, en una entrevista de 2021 con la revista de diseño “Icon”, citó al artista Marcel Duchamp, conocido por transformar objetos cotidianos en arte, como uno de sus héroes.

Otras casas de moda también han empleado este enfoque: en 2014, el diseñador Ashish Gupta renovó la bolsa de plástico para convertirla en una pieza llamativa con lentejuelas a un precio superior, diciendo que rendía “homenaje a la vida cotidiana”.

“Quizás también sea una revuelta contra la naturaleza desechable de la moda rápida”, añadió Gupta en un correo electrónico de 2017 a CNN. "Se trata de tomar un objeto clásico pero desechable y convertirlo en algo duradero, que pueda apreciarse fuera de su contexto habitual por su calidad de diseño atemporal".

Pero tales diseños pueden generar controversia... y ridículo. En 2017, Balenciaga lanzó un bolso de US$ 2.145 que se parecía al icónico bolso azul arrugado “Frakta” ​​de Ikea, de 99 centavos, y rápidamente se volvió viral en las redes sociales.

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(CNN Español) –– La compra de “moda usada” ––llamada muy creativamente en inglés “pre loved” o “amada anteriormente”–– y las tiendas de segunda mano ¡está en aumento!

Se comenta que esa tendencia obedece a la creciente conciencia ambiental, pues la gente busca opciones sostenibles y económicas al mismo tiempo. Aunque opino que mayormente se debe al deseo de tener objetos de lujo ––que parecen nuevos–– a una fracción de su precio original y porque permite a los consumidores acceder a marcas de alta calidad a precios mucho más bajos.

Comienzo mi comentario con una anécdota que he repetido a través de los años: mi madre se vestía como una reina. Alta, delgada, con gran estilo propio y buen gusto innato, durante los muchos años que vivió en Nueva York ¡toda su ropa era de thrift shops o tiendas de segunda mano! Como éramos exilados de Cuba, con poquísimos medios cuando llegamos a la ciudad ––y mami tenía una tienda de objetos usados a la vuelta de la esquina–– aquello fue su salvación para vestir bien y le fascinaba visitarla todos los días ¡y regresaba a casa con verdaderas maravillas! Y por apenas unos dólares compraba un bolso vintage divino, descubría un broche de cristales azules de Kenneth Lane, que era una belleza. Un sombrero años 50 de Lily Dache. Un vestido negro de Dior que era una joya. Y una vez compró una docena de zapatos Ferragamo que lucían 100% nuevos ¡por los que pagó US$ 1 por par, y le duraron el resto de su vida! “No podía creer que eran de mi talla y los compré todos”, comentó. “Los donó una señora que vive en la Quinta Avenida y ya no puede usar tacones”. Y así, nos contaba de su muy personal mundo de la moda en lo que llamábamos “la tienda de las viejas”. ¡Una divertida experiencia diaria!

Adelantando ahora el reloj unos cuantos años, en 2024 la supertendencia del momento es comprar ropa y accesorios usados, ¡aunque esta vez no vintage, sino modernos, de superlujo y famosas marcas!

Pero piezas tan ligeramente usadas y tan bien cuidadas ¡que lucen nuevas de paquete! Y lo que comenzó como tendencia, poco a poco, durante el encierro de la pandemia –y el aumento de las compras por internet– se ha convertido en una industria, donde compañías como The RealReal, Vestiaire Collective, Poshmark, Rebag y otras son la nueva pasión de los fashionistas.

No quiero celebrar que lo retro sea la última moda. ¡No! Ni que ahora mismo debemos correr a una tienda de ropa usada a comprar piezas que lucen francamente muy usadas. El fenómeno es que esas tiendas online (y algunas con tiendas abiertas al público) ya son compañías poderosas y venden ––a una fracción de su precio original–– objetos modernos, de última, desde bolsos de Hermes a ropa de Gucci, joyas de Tiffany, vestidos de Valentino, Dior o Chanel, bufandas y gafas de sol de Carolina Herrera o Prada, etc. ¡Verdaderas maravillas que quizás no hubiésemos comprado a precio regular por ser demasiado caras!

Es un nuevo método de ser consumidores y con un iPhone o tableta en mano ¡se nos hace más fácil hacer clic y comprar con libertad objetos que nos encantan! ¿Otra gran ventaja de esta tendencia de resale o reventa? ¡Que en esos lugares también podemos vender nuestras piezas de moda! Ese bolso Vuitton que está como nuevo y ya nos aburre. Esa pulsera de Cartier que nos puede traer un buen dinero. Ese vestido de Gucci que nunca nos estrenamos porque no nos gustó nunca mucho, etc. Yo soy clienta de algunas de ellas, para comprar y vender muy al estilo de una consumidora 2024. Y muchos de estos negocios, como The RealReal, cuentan con expertos para verificar la autenticidad de los productos, lo que es muy importante.

Sí… algunas celebridades y figuras públicas han optado por usar ropa de segunda mano en eventos públicos o incluso en su vida diaria. Al hacerlo, estas personalidades pueden influir positivamente en sus seguidores y destacar la importancia de considerar opciones más sostenibles en la moda. Helen Mirren, Emma Watson, Julia Roberts, Kendall Jenner. Zooey Deschanel y Eva Mendes, entre otras, visitan thrift shops y usan a menudo prendas vintage y de segunda mano. Y -aparte de la oferta en Internet- en el 2024 en muchas ciudades puedes encontrar muchas de estas tiendas thrift shops o resale shops.

Otra tendencia ––prima hermana de lo anterior–– es alquilar ropa de lujo por una noche. Esto ha ganado popularidad en los últimos años y permite a las personas acceder a prendas de alta gama para eventos especiales sin la necesidad de comprarlas. Plataformas como Rent the Runway en Estados Unidos y Net-a-Porter y By Rotation, en Londres, son muy populares porque ofrecen una amplia variedad de vestidos y accesorios de diseñadores conocidos para alquilar por períodos cortos. ¡La idea es disfrutar de la moda de lujo de manera temporal, evitando un gran gasto de dinero!

Y un ejemplo de esto es Kate Middleton, princesa de Gales, quien es conocida por comprar ropa a precios moderados, entre ella de Zara. En diciembre de 2022 creó toda una revolución mediática cuando llegó a la gala del Earthshot Prize en Boston con un bello vestido verde ¡que alquiló de la plataforma inglesa de segunda mano HURR!

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(CNN Español) -- ¡Claro! No hay que dudarlo ni pensarlo mucho, pues igual que cambian tantas cosas en el mundo en 2024 nuestro estilo de vida se transforma y (afortunadamente) la moda te pide expresarte con total libertad. Adoptar tu estilo único -y ser libre de combinar tendencias-  ¡o crear las tuyas propias e inventar nuevas combinaciones!

¡La originalidad es la clave! Y quizás -después de muchos años de cambios un poco absurdos- es el momento perfecto para estéticamente ser “tú”. Y olvidarte de dictados de creadores rígidos y abrazar lo que realmente te guste y te dé placer.

¿Y como será la moda de 2024?  ¿Cuáles son las sugerencias creativas que vemos?

En 2024 hay tendencias generales -mucho más distendidas y “relax”- y, si te fijas bien, la moda se caracteriza por la diversidad y la inclusividad.  Los diseñadores están adoptando enfoques sostenibles, utilizando materiales eco friendly, o ecológicamente amigables, y esto es bueno para todos. También la tecnología se integra más en la moda, con prendas creadas con métodos innovadores y diseños más vanguardistas. Te repito que la individualidad es clave, las tendencias son más fluidas y permiten a las personas expresar su autenticidad con más comodidad.  ¡Tal como hizo Coco Chanel en 1926, hace casi 100 años, cuando “liberó” nuestro cuerpo de ropa rígida e incómoda!

(Foto: Cortesía de Roland Mouret)

Y seguiremos viendo colores vibrantes, como el Barbie Pink o rosa Barbie en 2023, y otros más nuevos y suaves, como el melocotón, durazno y variaciones del naranja y de muchos azules. ¡En las pasarelas aparecen todos con libertad y veremos cómo los estilos eclécticos y mezcla de cortes y colores están en todas partes, fomentando la creatividad y la súper importante “autoexpresión”.

Pero como no todo el mundo puede ser atrevido o vanguardista, preguntarán algunos entonces: ¿cómo podemos adaptar esa moda 2024 a nuestro estilo?

Adaptar la moda de 2024 a tu estilo implica un poco más de flexibilidad de tu parte, de ser más relax -sí, por favor, trátalo– y abrazar la diversidad y la autenticidad. Experimenta con combinaciones únicas, busca inspiración en las tiendas, en revistas y en redes sociales, infórmate más y así puedes integrar prendas sostenibles, sin temer a destacarte con colores vibrantes o nuevo look. Personaliza tu estilo incorporando tecnología en accesorios o prendas nuevas. ¡Sé valiente al mezclar estilos y culturas, creando un look ecléctico que refleje tu individualidad!

(Foto: Cortesía de Roland Mouret)

A mí siempre me ha gustado mezclar cosas clásicas, como un blazer o unos pantalones negros rectos, con blusas o tops de origen étnico, ya sea marroquí, pakistaní o indígena de las diferentes culturas de America Latina. Y con maravillosa joyería artesanal de esas culturas. ¡E incluso embarazada de mi hija usé huipiles guatemaltecos como túnicas de maternidad!  ¡Y era un look divino y tan relax!  Recuerda, la clave 2024 para mujeres y hombres está también en sentirnos cómodos y muy seguros con lo que llevamos puesto. ¡Pues la moda es un lenguaje y la mejor forma de expresión personal!

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Tras haber sido valorado en US$ 32.890 millones en 2022, se espera que el mercado mundial de leggings alcance un valor de US$ 57.970 millones en 2031, según un análisis de la empresa de investigación de mercado Growth Market Reports. El análisis de datos realizado por Statista augura que se producirán 4 mil millones de pares de mallas y calzas en 2027. Estas increíbles cifras resaltan no solo un cambio en la vestimenta, sino también cultural.

Aunque las marcas de lujo más importantes del mundo están, naturalmente, ansiosas por introducirse en esta categoría (como Prada, Loewe y Moncler, marcas de lujo que ofrecen leggings en sus colecciones actuales), no se trata de un negocio en auge gracias a la moda. Se trata más bien de un apetito creciente y sin precedentes por la ropa de fitness de marcas que se han ganado un público fiel gracias a la sostenibilidad y el rendimiento demostrado de sus prendas.

La marca alemana Hey Honey Yoga dice que sus clientes "priorizan la funcionalidad, los materiales de calidad y los ajustes favorecedores". Crédito: Hey Honey Yoga

Atrás quedaron los leggings sudorosos y rasposos que perdían su elasticidad con las lavadas y creaban zonas poco favorecedoras; los leggings que están de moda ahora son de alta ingeniería y están fabricados con materiales de alta tecnología.

Por ejemplo, Vuori, una marca californiana cuyas mallas de entrenamiento cuestan entre US$ 98 y 108. Su característico tejido Vuori "BlissBlend" se ha desarrollado utilizando un 75% de materiales reciclados para crear una elasticidad extraordinaria, pero ingrávida, que encanta a su clientela. La marca afirma que su tejido "BreatheInterlock", por su parte, ofrece "un rendimiento que absorbe la humedad y un acabado de segunda piel".

"La innovación de los tejidos es una de nuestras mayores prioridades", explica Sarah Carlson, vicepresidenta sénior de diseño femenino de Vuori, cuyo equipo de innovación de materiales trabaja in situ con sus fábricas asociadas en Europa y Asia entre uno y tres años para hacer realidad sus materiales. "Nuestro objetivo es renovar la forma en que la gente piensa y siente los tejidos de alto rendimiento y la ropa deportiva, al tiempo que damos prioridad a los materiales que respetan el medio ambiente".

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La marca alemana Hey Honey Yoga es una empresa familiar en alza cuyos leggings de gimnasia, que cuestan unos US$ 120, cuentan con la certificación OEKO-TEX y son veganos, aprobados por PETA.

"Los clientes de Hey Honey buscan algo más que ropa deportiva, desean una experiencia holística", afirma Tomma Oeljeschlager, que dirige la marca con sus hermanas Imke von Johnston y Janka Oeljeschlager. "Desde el principio, nos centramos en superar los límites de este sector tan cambiante".

Los expertos también creen que gran parte del atractivo de los leggings se debe a que incluyen todas las tallas. Crédito: Vuori

Hey Honey Yoga afirman que sus clientes "dan prioridad a la funcionalidad, los materiales de calidad y los ajustes favorecedores que potencian el movimiento a la vez que reflejan su estilo único".

Pero se trata de un sector competitivo, con un número creciente de grandes empresas que cuentan con millones de seguidores en Instagram, como On! Running (1,4 millones de seguidores); Gymshark (6,7 millones); Lululemon (4,7 millones); y, por supuesto, Skims (5,6 millones), la creación de Kim Kardashian, a quien se atribuye la popularización masiva del movimiento body-con, en el que los leggings son protagonistas.

La importancia de la inclusión

"Hay un público millennial incondicional que adopta prendas moldeadoras como Skims", afirma Lucie Greene, pronosticadora de tendencias y fundadora de la consultora Light Years. "Gran parte de este fenómeno está relacionado con el yoga, el fitness y la cultura del bienestar, pero también está el público de la Generación Z, para el que la comodidad y la ropa informal son lo más adecuado".

Además del rendimiento y las pretensiones informales, la clave del éxito en este campo es un enfoque inclusivo del tallaje, añade Greene.

"(La popularidad de los leggings) está ligada a la inclusión. Gracias a la ampliación del tallaje, tanto por parte de las marcas globales como de las de venta directa al consumidor, los leggings son inclusivos para todos los tipos de cuerpo de una forma que otras categorías de compra como el denim (e incluso el denim elástico) nunca han sido".

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"La inclusividad se mantiene en lo más alto de nuestra mente a través de la innovación", confirmó Carlson, destacando que Vuori "BlissBlend" tiene múltiples opciones para las entrepiernas y en tamaños de XS a XXL. "El material utiliza un innovador elastano especial que se estira para adaptarse uniformemente a una gran variedad de formas corporales. El resultado es un confort corporal total y una sensación de suavidad uniforme que nuestros clientes saben esperar", afirma.

"En última instancia, nuestro objetivo es diseñar productos que faciliten el movimiento... respaldados por una ciencia y una innovación increíbles", dijo un portavoz de Nike. Crédito: Nike

Las marcas deportivas tradicionales también están presentes en el mercado, como Adidas, Puma y Nike. Esta última afirma que ha duplicado su inversión en "innovación específica para la mujer" en los últimos dos años para ayudar a su equipo a entender mejor que nunca el cuerpo femenino, y las mallas son una parte clave de ello.

"Sabemos que las mallas son esenciales en el armario de una mujer", dijo un portavoz de Nike a CNN por correo electrónico.

"Tenemos la oportunidad de invitar a más personas a experimentar los beneficios del deporte y la alegría del movimiento", continuaron. "En última instancia, nuestro objetivo es diseñar productos que faciliten el movimiento, para que las mujeres y las niñas se sientan seguras, cómodas, bellas y fuertes, todo ello respaldado por una ciencia y una innovación increíbles".

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Esta innovación, según Greene, es el arma secreta de este negocio en auge. "La precisión técnica y los tejidos patentados se están convirtiendo en un punto clave de diferencia, lealtad y narración de historias, así como, por supuesto, en un medio para cobrar un precio más alto, especialmente para audiencias sofisticadas que están invirtiendo en gimnasios conceptuales de lujo y diversas terapias científicas para mejorar sus cuerpos", dijo.

"En muchos sentidos, esto enlaza con la forma en que la innovación, en general, se está convirtiendo en un pilar del lujo", continuó. "El desarrollo científico y la exploración se han convertido en una aspiración de las marcas y se consideran un lujo".

Si nos remontamos a los años ochenta, los leggings como prenda de lujo habrían sido un concepto difícil de entender; sin embargo, tres décadas más tarde han demostrado ser una prenda imprescindible.

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Pero no tiene por qué ser necesariamente así, y un clásico navideño en particular es la prueba: el trabajo de la diseñadora de vestuario Rita Ryack, nominada a un Oscar, en El Grinch, la adaptación de acción real de 2000 de "Cómo robó el Grinch la Navidad", del Dr. Seuss, recordó a los espectadores que abrigarse no tiene por qué ser aburrido, y que la Navidad puede —y debe— ser elegante. La visión ultraglamurosa del atuendo navideño en esta película distaba mucho de lo que se ofrecía en otros lugares; es una visión maximalista de la humilde historia de origen seussiano, que sigue el arco de redención del Grinch, un irascible antihéroe verde (interpretado por Jim Carrey) que les arrebató la Navidad a los Quién de Villaquién.

En cuestión de moda, en esta película pudimos ver a la entonces estrella infantil Taylor Momsen como la pequeña Cindy Lou Who, en un guardarropa impresionante lleno de vestidos con mangas abullonadas y cuello peter pan, abrigos y pijama.

Otro look memorable fue el vestido con corsé a cuadros combinado con un tocado surrealista en forma de taza de té usado por Molly Shannon (interpretando a Betty Lou Who). “Hizo el mundo de la moda”, dijo Ryack sobre el estilo de taza y platillo de alta costura. Recuerda haber visitado una boutique Versace en Las Vegas poco después del estreno de la película y haber visto maniquíes vestidos con sus propios sombreros tipo taza de té. "Me sentí muy halagada por eso".

Lo más notable, sin embargo, fueron los trajes teatrales de Martha May Whovier, el lujurioso interés amoroso del Grinch, interpretado por Christine Baranski, que recientemente encontraron una nueva audiencia en línea.

Hoy en día, los entusiastas de la moda del “Grinch” de la Generación Z crearon tutoriales en YouTube que detallan cómo hacer disfraces de Martha May en casa, mientras que varios vendedores de Etsy anuncian réplicas hechas a pedido. Capturas de pantalla de Baranski en el set con una bata estilo Hollywood adornada con plumas de avestruz azul claro y blanca resurgen en los sitios de redes sociales como un reloj cada diciembre. "El ícono de la moda de Villaquién", escribió un fan en X. "Nadie lo hizo como ella".

Los disfraces de Ryack eran a la vez caprichosos y vanguardistas. (Crédito: AJ Pics/Alamy Stock Photo)

El renovado interés es incluso una sorpresa para Ryack. “Ayer descubrí que Martha May es icónica”, dijo por teléfono desde su casa en Los Ángeles. "Es una locura".

Si bien tanto el libro infantil original de 1957 como el especial de televisión animado de 1966 mantuvieron la moda de los Quién simple (camisones, mallas, chaquetas y pajaritas en una paleta estilizada y florituras seussianas), en la adaptación de acción real, a Ryack le dieron vía libre para que sus diseños fueran fantásticos.

“Había crecido con el Dr. Seuss, su estilo era muy enérgico, optimista y animado”, dijo Ryack. "El problema era descubrir cómo capturar sus dibujos en 3D".

La túnica rizada con adornos de plumas de avestruz es una de las favoritas de los fanáticos en las redes sociales. (Crédito: AJ Pics/Alamy Stock Photo)

Su solución fue la textura: mechones, vellón, pompones, bouclé, pana, crochet, chenilla, camisola y chartreuse. "Hicimos muchos suéteres, todos de mohair y todos peludos", dijo. "Intentamos tomar formas reales del libro y convertirlas en suéteres de intarsia". La capa base de cada uno de los disfraces de Ryack era un mono acolchado, que esculpía a casi todos los Quién en Villaquién en una forma distintiva de pera.

Excepto Martha May, cuyas siluetas se inspiraron en estilos de la década de 1950. “Porque (la película) trataba sobre la familia”, dijo. "Y fue cuando crecí que tenía un apego a ciertas cosas visuales".

Una imagen en particular fue el recuerdo de la coronación de la reina Isabel II (la fallecida monarca británica incluso asistió al estreno de la película en Londres, aunque probablemente no estaba al tanto de la inspiración de moda que ella había proporcionado). "Estoy entusiasmada con los vestidos y la princesa Margarita”, dijo Ryack. "Me encantaba el corpiño ajustado, la falda suelta y esos tops tipo corsé. Pensé que eran tan femeninos y hermosos”.

Rizos, trenzas y una cola de caballo que llevó el "recogido" a nuevas alturas, literalmente: este peinado para el personaje de Taylor Momsen, Cindy Lou, que lo tenía todo. (Crédito: AJ Pics/Alamy Stock Photo)

Las grandes faldas y las siluetas de relojes de arena inspiraron un look en particular: el vestido de ceremonia navideña de Martha May. El corpiño de terciopelo carmesí adornado tenía un escote en forma de corazón, rematado con un borde recortado del mismo tul verde bosque que formaba la voluminosa falda. “Me volvía loca el tul”, dijo Ryack.

Otra inspiración para el estilo característico de Martha May fue la actriz y comediante de los años 50 Lucille Ball. “Pensé un poco en Lucille”, dijo Ryack. “La ropa de Martha también tiene un poco de espíritu de comedia musical.

Sin embargo, si parpadeas, es posible que te pierdas la referencia a Lucille Ball. En una escena, mientras Martha May cuenta sus primeros recuerdos con el Grinch, se sienta en su sofá vestida de “anfitriona”, una combinación de pantalón y vestido popularizada por Ball en la comedia de 1951 “I Love Lucy”. (“No pasó mucho tiempo en pantalla”, se lamenta Ryack. “Pero es bastante impresionante”). En el programa, se sabía que Ball usaba una bata larga sobre pantalones pitillo mientras organizaba cenas. Los pantalones de “anfitriona” incluso se convirtieron en una trama durante un episodio cuando Ball intenta darle un par a su casera, Ethel. "Los vi el mes pasado en Harper's Bazaar", dijo Ball. Ella se topa con la ocurrencia: "Bueno, ciertamente son extraños".

La versión de Martha May estaba hecha de satén duquesa azul, con un cuello tipo retrato para enfatizar su collar de perlas. Alrededor de la cintura de Baranski había un lazo de tafetán gigante. “Es un detalle exagerado, que es lo que entiendo por comedia. Pequeñas exageraciones y siluetas fuertes”.

Este atrevido disfraz de Sra. Claus era uno de los favoritos de Ryack. (Crédito: Maximum Film/Alamy Stock Photo)

No había nada, dijo Ryack, que Baranski no estuviera dispuesto a usar. “No creo que todas las actrices puedan lograrlo. Pero Christine estaba muy dispuesta. Sabe cómo hacer un disfraz”.

Incluyendo el atrevido traje de Sra. Claus, un minivestido rojo y blanco con adornos de piel usado mientras Martha May dispara sugerentemente luces navideñas con un cañón. Si Ryack pudiera poseer alguna pieza de la película, sería ésta. "Me gusta el disfraz de Papá Noel", dijo. “Es divertido y muy sexy. (Baranski) es muy agresiva, se mueve y dispara esas decoraciones”.

Ahora, mientras el mundo vuelve a visitar Villaquién y los disfraces de Ryack una vez más en la cuenta regresiva para las fiestas de Navidad, ¿cambiaría algo? “Quiero cambiarlo todo”, dijo. “Bueno, no quiero cambiar a Martha. Pero me encantaría volver y hacer algo de eso otra vez”.

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Seguro lo has visto. Es un suéter, generalmente en diferentes tonos de rojo, blanco y verde, a menudo de tela cuestionable, y con al menos un motivo inspirado en la Navidad: un muñeco de nieve, un árbol de Navidad, un reno o bastones de caramelo. Puntos extra si tiene pompones en 3D o cascabeles.

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La prenda se ha convertido rápidamente en una parte esencial de las fiestas, tan omnipresente como las luces navideñas y el papel de regalo. Es considerado poco práctico y considerado de mal gusto, pero también cómodo: es el equivalente en moda de una película navideña de Hallmark (con una saludable dosis de ironía).

Val Doonican actuando con un suéter festivo en un episodio de su serie de ABC "The Val Doonican Show" en 1971. (Walt Disney Television/Getty Images)

Sin embargo, al suéter navideño le tardó algo de tiempo encontrar su lugar entre los fundamentos navideños.

Los suéteres con temas navideños comenzaron a aparecer en la década de 1950, tal vez un guiño a la creciente comercialización de la festividad. Inicialmente conocidos como "Jingle Bell Sweaters", no eran tan llamativos como las versiones actuales y encontraron poca popularidad en el mercado, aunque algunas personalidades de la televisión, en particular los cantantes Val Doonican y Andy Williams, realmente abrazaron el lado "feo" del adorno festivo.

No fue hasta la década de 1980 que el artículo alcanzó popularidad con el público general. El cambio se produjo gracias a la cultura pop y las comedias, con personajes como Clark Griswold de Chevy Chase en “National Lampoon’s Christmas Vacation” que convirtieron el suéter navideño en una expresión de alegría poco atractiva pero entrañable. Los suéteres adornados con copos de nieve no se consideraban a la moda, pero irradiaban Navidad y se lucían en fiestas de oficina y el 25 de diciembre.

Chevy Chase en "National Lampoon's Christmas Vacation". (Warner Bros)

El resurgimiento no duró mucho. En la década de 1990, el suéter navideño perdió popularidad; era algo que solo a tus parientes mayores pasados ​​de moda se les ocurriría usar o regalar. Con el cambio de milenio, el artículo era ampliamente considerado una cosa del pasado.

En “Bridget Jones’s Diary” de 2001, Mark Darcy, interpretado por Colin Firth, se gira para saludar a Bridget (Renée Zellweger) en una fiesta familiar vistiendo una prenda poco atractiva que presenta un reno gigante de nariz roja. Bridget está horrorizada. Probablemente tú también lo estuviste la primera vez que viste la película. Pero probablemente también sonreíste. Tal es el poder reconfortante del suéter navideño.

A principios de la década de 2000 se le dio nueva vida a este elemento básico de las fiestas navideñas. Según el libro “Ugly Christmas Sweater Party Book: The Definitive Guide to Getting Your Ugly On”, las fiestas de suéteres navideños comenzaron justo cuando Bridget se horrorizaba ante el atuendo de Darcy.

La primera reunión con este tema tuvo lugar en Vancouver, Columbia Británica, en 2002, afirma Brian Miller, uno de los autores del libro y fundador de la tienda en línea UglyChristmasSweaterParty.com, en una entrevista telefónica. “Es difícil decir qué desencadenó el cambio de perspectiva, pero creo que en el momento en que alguien usó la prenda de manera humorística, la gente empezó a ver el lado cómico y a pensar: 'esta cosa que está en el fondo del armario podría ser divertida', en lugar de algo horrible que nadie quiere'”, dijo.

La popularidad del suéter navideño creció como una bola de nieve a partir de ahí.

Durante la década siguiente, el tejido festivo evolucionó hasta convertirse en “una nueva tradición navideña”, como la describió Miller. "Se convirtió en el muérdago de nuestra generación", añadió. "Lo cual es bastante notable, si lo piensas".

Gigantes de la moda rápida como Topshop y minoristas de alta gama como Nordstrom comenzaron a llenar sus estantes y sitios con diseños llamativos cada temporada navideña. Las tiendas vintage aprovecharon la tendencia aumentando sus existencias de muñecos de nieve peludos y jerseys de Santa Claus bailando. Incluso llegó hasta la alta costura. En 2007, Stella McCartney lanzó un suéter alpino con temática de oso polar. Le siguió Givenchy en 2010 y Dolce & Gabbana al año siguiente.

Un look festivo de la colección Otoño-Invierno 2008 de Stella McCartney. (Chris Moore/Catwalking/Getty Images)

2012 fue un punto de inflexión en la moda de los suéteres navideños. La organización benéfica británica Save the Children lanzó Christmas Jumper Day, un evento de recaudación de fondos que anima a las personas a ponerse sus suéteres más vergonzosos. El periódico británico The Telegraph describió el artículo como “el artículo imprescindible de esta temporada”, mientras que el New York Times informó sobre recorridos con temáticas de suéteres navideños, a la vez que se popularizaron recorridos por pubs y tiendas online especializadas en todo Estados Unidos. Al mismo tiempo, los tejidos comenzaron a mostrar más oropel, campanas y detalles extravagantes, alcanzando el pico kitsch.

Las celebridades, desde Taylor Swift hasta Kanye West, también adoptaron la tendencia. El presentador de un programa de entrevistas nocturno Jimmy Fallon incluso comenzó a presentar un segmento regular llamado "12 días de suéteres navideños", que se transmite hasta la fecha.

En todo caso, el auge de las redes sociales no ha hecho más que aumentar el estatus del suéter navideño. Hoy en día, competimos para mostrar nuestro amor por los suéteres navideños en Instagram, mientras que todos, desde el minorista Target hasta la cadena de comida rápida Red Lobster y más casas de moda ofrecen sus propias versiones de la prenda.

"Cuando asistí a mi primera fiesta de Ugly Sweater a principios de la década de 2000, nunca hubiera imaginado que la prenda despegaría así", dijo Miller. “Aunque es fácil ver por qué: cualquiera puede usar prendas de punto feas, desde mi hija en el concurso de suéteres navideños de su escuela hasta los oficinistas en su fiesta de fin de año. Son democráticos. Y son muy divertidos. La Navidad puede ser bastante estresante; usar algo ridículo puede ayudar a aliviar la presión”.

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(CNN Español) -- Es muy interesante que mientras más problemas hay en el mundo ¡más brillo aparece en la moda! ¡Y ya casi es una locura!

Como si la moda dijera: “No, no… no me dejen atrás, sigo siendo muy importante. aquí estoy yo plantando cara, y con más brillos y más llamativas transparencias que nunca!”.

Se acercan las fiestas de Navidad y Año Nuevo, y la moda para la noche sin duda va a ser muy importante para aquellos que lo celebrarán para olvidar un poco las tristezas del mundo. Y nada mejor que la imagen alegre de un conjunto de lentejuelas, que incluso Jill Biden, la primera dama de Estados Unidos, usó recientemente para una fiesta de Navidad de la Casa Blanca: ¡una falda plateada de lentejuelas con blusa de satén blanco!

Ya hace tiempo les comentamos que la falda plateada de lentejuelas estaba de última moda –y así ha seguido— y se ha puesto todavía más en boga. Los brillos plateados destacan en los atuendos de Salma Hayek, Beyoncé, Kim Kardashian, Margot Robbie, Taylor Swift, Kaia Gerber, Lizzo y la propia Kate, princesa de Gales. Y recientemente Amal Clooney llegó a una gran fiesta con un vestido de lentejuelas doradas que tenía hasta una pequeña cola ¡y parecía una sirena en medio de la noche!

En fin, estamos hablando sobre cómo la moda se adapta a las circunstancias que vivimos, y lo que antes eran solo exageradas ropas de brillo para bailarinas y coristas, ¡ahora es la adoración de los grandes diseñadores del mundo! Lo hemos visto en las colecciones de marcas como Oscar de la Renta, Ralph Lauren, Versace, Dolce Gabbana, Schiaparelli, Gucci, Balenciaga, Saint Laurent, Valentino, y hasta Chanel.

Y es muy interesante notar cómo hasta las mujeres más tímidas —y de estilo clásico— que dicen: “no, yo no uso lentejuelas”, o “yo no uso brilla-brilla”, o “no, no, yo no uso ese tipo de ropa”, como muchas amigas mías, ahora se compran ese tipo de ropa. Y no solo es un vestido, una blusa, o un traje largo, sino también zapatos, bolsos, adornos de cabeza, etc. Y en Londres, donde estuve recientemente, me dijo una empleada que “hasta la venta de tiaras es una locura”. Claro, tiaras falsas, pero llenas de brillo y diamantes “faux”, para poner un toque de fantasía al vestirnos. (¡a mí me encantaría llevar una!). Y todo esto sin dejar de lado a los hombres, que cada día más, especialmente en la noche y en el uso de tuxedos y blazers de telas brillosas, acentúan su imagen con toques de satén y lentejuelas.

Y creo que esa es la clave: ¡deseo de más fantasía! Lo que yo, como experta de moda, pienso es darle a la vida un toque atrevido y divertido. Llevar un look llamativo, con lentejuelas, cuentas doradas plateadas, o color cobre ¡es como ser parte de una sinfonía de brillo! Un cambio maravilloso y optimista. Y quizás esto no solo sea para las fiestas de final del 2023, sino que esta tendencia bella, entusiasta y simpática —que sin duda proyecta una imagen positiva e imaginativa— continúe hasta los principios del 2024… y más allá. ¿Por qué no?

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Las imágenes publicitarias de una línea de chaquetas, publicadas a principios de este mes en los canales oficiales de redes sociales de Zara, mostraban escombros, yeso rasgado y maniquíes envueltos en plástico. Una imagen mostraba a una modelo sosteniendo un maniquí envuelto en blanco, que según los usuarios de las redes sociales recordaba a un cadáver.

"La campaña... presenta una serie de imágenes de esculturas inacabadas en el estudio de un escultor y fue creada con el único propósito de mostrar prendas hechas a mano en un contexto artístico", dijo la empresa en un comunicado compartido con CNN el martes.

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"Desafortunadamente, algunos clientes se sintieron ofendidos por estas imágenes, que ahora han sido eliminadas, y vieron en ellas algo alejado de lo que se pretendía cuando fueron creadas", añadió la empresa. “Zara lamenta ese malentendido y reafirmamos nuestro profundo respeto hacia todos”.

La campaña fue concebida en julio y fotografiada en septiembre, añadió, antes del brutal ataque contra Israel por parte de combatientes de Hamas el 7 de octubre, que mató a unas 1.200 personas. Las Fuerzas de Defensa de Israel dicen que desde entonces han atacado más de 22.000 objetivos en Gaza. Al menos 18.205 personas han muerto y más de 49.000 han resultado heridas en esos ataques, según el Ministerio de Salud dirigido por Hamas.

En los últimos días, usuarios de Instagram, TikTok y X han pedido un boicot a Zara.

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La Autoridad de Normas de Publicidad de Gran Bretaña ha recibido 110 quejas sobre la campaña del minorista, dijo a CNN este martes un portavoz del organismo.

“Los denunciantes argumentan que las imágenes hacen referencia al actual conflicto entre Israel y Hamas y son ofensivas.

"Estamos revisando estas quejas (para enfatizar, actualmente no estamos investigando este anuncio) y, como tal, no podemos hacer más comentarios en este momento".

La fotografía de la modelo sosteniendo el maniquí envuelto había sido eliminada de las cuentas oficiales de Instagram y X de Zara el lunes por la mañana, pero otras imágenes de la campaña permanecieron visibles durante gran parte del día.

El martes por la mañana, todas las imágenes habían desaparecido del sitio web y de las cuentas de redes sociales de la empresa.

Esta no es la primera vez que Zara se enfrenta a llamados a boicotear el prolongado conflicto palestino-israelí. En 2021, su principal diseñadora femenina, Vanessa Perilman, envió mensajes incendiarios a la modelo palestina Qaher Harhash en Instagram.

“Tal vez si su gente tuviera educación, entonces no volarían los hospitales y escuelas que Israel ayudó a pagar en Gaza”, decía una captura de pantalla del mensaje de Perilman a Harhash.

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Más tarde, Harhash publicó más capturas de pantalla de mensajes de Perilman, en las que preguntaba por qué la modelo palestina había subido las capturas de pantalla a sus historias de Instagram y decía que había recibido amenazas contra sus hijos.

Perilman agregó que se sentía “terrible y “muy mal” en una serie de mensajes. “Esto no es lo que soy”, escribió. "Lo siento muchísimo", añadió. "Realmente espero que puedas perdonarme".

Un portavoz de Zara le dijo a CNN en ese momento: “Zara no acepta ninguna falta de respeto hacia ninguna cultura, religión, país, raza o creencia… Condenamos estos comentarios que no reflejan nuestros valores fundamentales de respeto mutuo, y lamentamos la ofensa que han causado”.

Oscar Holland y Jordan Valinsky contribuyeron a este artículo.

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Entre decoraciones, banquetes y entrega de regalos, las vacaciones de invierno nos brindan muchas razones para gastar dinero, lo que el cerebro humano encuentra gratificante. Sin embargo, por muy buena que sea la sensación inicial, los hábitos de gasto durante las vacaciones pueden tener algunas consecuencias negativas.

"Podemos racionalizarlo en este punto de la temporada, debido al hecho de que es Acción de Gracias, se acercan las rebajas y creo que mucha gente se deja llevar", dijo el Dr. Ashish Bhatt, director de contenido médico del Addiction Center. "Pero si esto continúa una y otra vez y finalmente causa problemas en su vida financieramente o en sus relaciones, entonces realmente imita una adicción".

Las compras pueden no ser una adicción diagnosticable en el Manual Diagnóstico y Estadístico de los Trastornos Mentales, o DSM-5 , que los profesionales de la salud utilizan para diagnosticar a los pacientes, pero es un comportamiento que puede seguir un ciclo adictivo, añadió.

A veces, la gente simplemente gasta más dinero del que debería. Otras veces, pueden comenzar a sentir una creciente ansiedad acerca de todas las cosas que deberían comprar, y se sienten muy bien cuando las obtienen, pero la euforia desaparece y necesitan hacerlo de nuevo, dijo Bhatt.

"Ahí es cuando probablemente estamos observando un patrón de comportamiento de compra negativo", dijo. Y a veces, incluso después de que terminan las vacaciones, es difícil romper ese ciclo una vez que ha comenzado.

Ya sea que sea adictivo o simplemente una sensación de no tener el control total de los gastos, las vacaciones son un buen momento para analizar su relación con las compras.

Por qué a nuestro cerebro le gusta ir de compras

No sorprende que comprar se sienta bien: alimenta los sistemas de recompensa de nuestro cerebro.

"El sistema de recompensa es un sistema que se construyó en especies anteriores a la nuestra, hace millones de años, para enseñarnos lo que necesitábamos para sobrevivir", dijo la Dra. Ann-Christine Duhaime, distinguida profesora de neurocirugía en la Facultad de Medicina de Harvard y Massachusetts. Hospital General de Boston. "Si algo es divertido... generalmente es una buena indicación de que es el sistema de recompensas en acción".

Comprar cosas le da al cerebro una dosis de la sustancia química dopamina, dijo Bhatt. A la dopamina a menudo se le llama el neurotransmisor que hace sentir bien.

Además de eso, a muchas personas se les paga mucho dinero para que comprar sea aún más gratificante, dijo Duhaime.

"Los minoristas saben muy bien cómo hacerlo divertido para usted y cómo atraer múltiples cosas que los humanos encuentran gratificantes", dijo.

Eso podría significar vincular la entrega de regalos a la conexión con comerciales sobre lo amados que se sentirán sus amigos y familiares si compra un determinado regalo o enfatizar la competencia ofreciendo ofertas por tiempo limitado que debe competir para conseguir, agregó Duhaime.

Fue beneficioso para la supervivencia de nuestros antepasados ​​obtener lo que necesitaban con el menor sacrificio posible, así como conectarse y encajar con otros en su comunidad, por lo que esos impulsos para comprar, dar regalos y encontrar ofertas son fuertes, dijo.

Compras por internet

Los sacrificios necesarios para comprar regalos y productos navideños disminuyen drásticamente cuando se accede a Internet, dijo Duhaime.

En lugar de subirse a su automóvil, conducir una distancia, encontrar lo que desea en una tienda, esperar en la fila de la caja y entregar su efectivo o tarjeta, en la era de las compras en línea, puede presionar un par de botones desde su sofá, ella añadió.

“Básicamente, cualquier cosa que pueda desear comprar, soñar con comprar o pensar en comprar está a nuestro alcance”, dijo Alexandra Cromer, consejera profesional autorizada con sede en Richmond, Virginia.

Y con funciones para guardar la información de su tarjeta de crédito en sitios web, pueden pasar apenas unos segundos entre el momento en que piensa en algo que desea comprar y el momento en que ya lo ha pagado, dijo Duhaime.

Cuanto menos tiempo lleve y menos barreras haya entre usted y una compra, menos tiempo habrá para pensar si realmente lo quiere o lo necesita, dijo.

Menos compras, más alegría navideña

Por mucho que queramos brindarles a nuestras familias las mejores vacaciones cada año, hacer más compras no siempre nos acerca a ese objetivo, dijo Duhaime.

“Las recompensas de comprar son a muy corto plazo. Y después de comprar y de haber abierto todos los regalos, a menudo hay una decepción. Y luego empiezas a sentirte culpable por el dinero que gastaste de más”, dijo.

Cuando imaginas una Navidad perfecta de Hanukkah para tus hijos, puedes pensar en nuevas decoraciones y regalos, incluso más grandes y mejores que los del año pasado, pero nuestros cerebros también están diseñados para encontrar recompensa en la familiaridad, dijo Duhaime.

“Lo que los niños realmente quieren es que todo sea igual todos los años”, dijo. “Existe una conexión con el pasado, con la tradición, con el significado más profundo de una festividad, con el simple hecho de estar juntos, que la gente encuentra extremadamente gratificante, y especialmente en tiempos de cambios rápidos como está sucediendo ahora en el mundo, donde la ciencia y la tecnología son fundamentales. simplemente cambiando tan rápido”.

Dos de los factores más importantes relacionados con la felicidad y la satisfacción con la vida a largo plazo son las relaciones y el sentido de propósito. En lugar de buscar el espíritu navideño comprando más cosas, Duhaime recomendó centrarse en regalos y actividades que puedan brindar a las personas una mayor conexión y un sentido de propósito.

Hacerlo puede estar relacionado con un recuerdo significativo, hacer una actividad juntos o encontrar algo que ayude a su hijo a desarrollar una habilidad o pasión.

Cómo reducir

Unas vacaciones más significativas y menos frenéticas de compras suenan bien, pero no siempre son tan fáciles de encontrar.

Empiece por reconocer que gran parte de la presión estacional que siente proviene de personas que intentan ganar dinero vendiéndole cosas, medidas no necesarias para unas mejores vacaciones, dijo Duhaime.

A continuación, Bhatt recomendó identificar los factores desencadenantes. Esto podría significar evitar los centros comerciales o las grandes tiendas, limitar las tarjetas de crédito o hablar con sus seres queridos sobre cómo tener cuidado al comprar, dijo.

Entonces, la mejor manera de cambiar un comportamiento no es decirse a uno mismo que debe detenerse, sino reemplazarlo con algo mejor, dijo Duhaime.

En lugar de ir de compras, tal vez revise su armario y haga un intercambio con amigos, sugirió. O dibuje nombres para que los miembros de la familia puedan concentrarse en conseguir un gran regalo para una persona en lugar de para todos.

Y si te encuentras con hábitos similares después de las vacaciones, Cromer recomienda un detox a principios de año. Podría ser un mes sin gastos en enero o un descanso más suave de las compras en el que te concentras en ahorrar dinero para una meta mayor, agregó.

Pero la adicción y las conductas adictivas son impulsadas por muchos factores, incluida la genética, el entorno y las experiencias, por lo que es posible que un trauma u otro problema de salud mental contribuya a la forma en que se compra, dijo Bhatt.

"Las terapias cognitivo-conductuales son algunas de las mejores formas de abordar esto", dijo. "Es muy importante que alguien que esté luchando con eso reciba la ayuda que se merece".

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En los 30 años transcurridos desde su creación, la marca quizás haya hecho más que cualquier otra para transformar una pieza de calzado en un objeto de arte: el diseño de sus tacones destinado a acentuar la curvatura del pie, el parpadeo de la suela roja casi un guiño travieso cuando el usuario se aleja.

Lucido por las coristas del cabaret Crazy Horse de París y en las pasarelas de las casas de moda de alta gama, Pamela Anderson, Lady Gaga y Blake Lively se encuentran entre las muchas celebridades fans de Louboutin.

La modelo Kate Moss, vista aquí en 2011, tiene un estilo de zapatos Louboutin que lleva su nombre, el "So Kate", que presenta una punta más afilada y un tacón "delgado".

"Mi guardarropa está repleto de Louboutins; el clásico tacón de aguja Pigalle negro en charol o cuero negro mate es mi zapato preferido", dijo la supermodelo Kate Moss a British Vogue en 2014. "Tengo tantos pares que Christian diseñó un estilo con un estilo más elegante". puntera y tacón fino como una uña, al que llamó 'So Kate'”.

"Loubis" también apareció en innumerables series de televisión y películas: Carrie Bradshaw usó un par que no combinaba mientras estaba de vacaciones en Los Ángeles durante un episodio de "Sex and the City", mientras que se diseñó un par personalizado para Miss Piggy en la película de 2011 " Los Muppets." Taylor Swift usó versiones con incrustaciones de cristales en su gira Eras y Beyoncé usó el zapato de suela roja en Coachella. La marca incluso recibió un reconocimiento de Cardi B en su sencillo “Bodak Yellow”, que encabezó las listas de éxitos.

“Yo llamo al Sr. Louboutin el mejor showman del calzado”, dijo a CNN Style la directora de estilo de Footwear News, Shannon Adducci. "Para los fanáticos, la suela roja equivale al colmo del glamour".

Viendo rojo

La historia del origen de las suelas rojas es parte del folclore de la moda: en 1993, dos años después de lanzar su negocio independiente, Louboutin diseñó una colección de zapatos inspirada en la litografía “Flores” de Andy Warhol. El prototipo regresó con un motivo floral sobre un tacón apilado de color rosa, pero el diseño no "resaltó" como Louboutin esperaba. Después de ver a su asistente pintándose las uñas, el diseñador tuvo un momento de “ajá” y tomó esmalte de uñas rojo para pintar la suela.

Miss Piggy con sus Louboutins en el set de "Late Night with Jimmy Fallon" en 2011.

"El color rojo es una representación del amor, la pasión y la vida", dijo Louboutin a CNN Style por correo electrónico. "Es fuerte, notable, poderoso y conocido por atraer buena fortuna".

La estética de Louboutin es a la vez decadente y atrevida: en parte María Antonieta y en parte mujer fatal. Hechos a mano en Italia, los zapatos de la marca se crean no solo en cuero sino también con cristales, plumas e incluso terciopelo tachonado con strass plateados (similares a los diamantes de imitación).

Pero no son para los débiles de corazón. Si bien pueden estar muy elaboradas, también tienen un precio elevado: cuestan desde alrededor de $ 350 por un par de chanclas de goma Louboutin hasta casi $ 4,000 por unas botas de cuero metálico hasta los muslos. Todos vienen con la suela roja.

"El color rojo es una representación del amor, la pasión y la vida", dijo Louboutin a CNN Style por correo electrónico. "Es fuerte, notable, poderoso y conocido por atraer buena fortuna".

La estética de Louboutin es a la vez decadente y atrevida: en parte María Antonieta y en parte mujer fatal. Hechos a mano en Italia, los zapatos de la marca se crean no solo en cuero sino también con cristales, plumas e incluso terciopelo tachonado con strass plateados (similares a los diamantes de imitación).

La actriz Zendaya con un par de Louboutins altísimos en los desfiles de Alta Costura de París en 2019. Los zapatos son los favoritos de las celebridades.

También son vertiginosos, con zapatos de tacón que alcanzan una altura de tacón de 120 mm (4,7 pulgadas) para ese estilo tan admirado pero notoriamente difícil de usar, el "So Kate". En las plataformas, los tacones se elevan aún más: el “Maria Frou Alta” mide 160 mm (6,5 pulgadas).

"Un buen zapato es un zapato que te hace sentir bien, verte bien, sentirte seguro, comprometido y feroz", dijo Louboutin a CNN. “Un buen zapato es aquel que te da alegría cuando lo piensas y cuando lo usas. Transforman tu lenguaje corporal y tu actitud. Te levantan física y emocionalmente. Así como la zapatilla de cristal (de Cenicienta) hace soñar a la gente, intento que mis zapatos creen el mismo efecto, que te permitan ser el personaje que sueñas ser”.

Taylor Swift ha hecho algunas botas Louboutin brillantes personalizadas para su gira Eras.

Beyoncé también eligió un par de botas Louboutin con flecos personalizadas para usar en el escenario durante su reciente gira Renaissance.

En una entrevista con British Vogue en 2012 , Louboutin dijo: “La gente dice que soy el rey de los zapatos dolorosos. No quiero crear zapatos dolorosos, pero no es mi trabajo crear algo cómodo. Intento que los tacones altos sean lo más cómodos posible, pero mi prioridad es el diseño, la belleza y la sensualidad”.

 Estilo con poder de permanencia

Sin embargo, Louboutin demostró ue juega un juego fuerte y está aquí para el largo plazo, incluso capeando la era global de la ropa de estar por casa y las pantuflas que fue la pandemia. A principios de este año, un portavoz de la marca le dijo a CNN que: "La popularidad de los tacones se mantuvo sólida durante y después del período de bloqueo", al tiempo que reconoció que "la pandemia generó un apetito por una amplia gama de estilos de tacones que reflejan el cambio en el estilo de vida". y tendencias (incluidas) plataformas, tacones bajos y en bloque”.

En los últimos años, la marca ha aumentado su oferta de zapatos planos y deportivos, con un toque Louboutin. Las zapatillas de deporte van desde elegantes tenis blancos con ribete y suela rojos, hasta llamativas suelas gruesas de cuero con detalles de tachuelas.

La suela roja es un auténtico elemento básico de la alfombra roja. Rihanna eligió un par para usar en la Met Gala con el tema "Camp" de 2019.

Pero los zapatos planos no fueron la única diversificación de una marca conocida por sus tacones. Además de bolsos, zapatos para niños y accesorios para mascotas, la casa ahora tiene una división de belleza que incluye esmaltes de uñas, lápiz labial y fragancias, todos haciendo referencia tanto a la suela roja como a la silueta del tacón fino como un lápiz característico de Louboutin. Con precios que van desde $60 por un lápiz labial, sigue siendo un precio de lujo, pero pone una parte de la magia de Louboutin un poco más a tu alcance.

En 2011, el calzado masculino también irrumpió en escena, llevando los zapatos de fondo rojo a un grupo demográfico completamente nuevo (pero todavía financieramente adinerado). Desde mocasines de piel de becerro con detalles de borlas o bordados trompe l'oeil hasta mocasines sin cordones de estilo veneciano cubiertos de tartán o púas, los diseños tuvieron tanto éxito que en 2012 Christian Louboutin abrió su primera tienda para hombres en París. La colección ahora incluye botines con estampado de leopardo y tacón de bloque de 70 mm, zapatillas deportivas con suela dentada adornadas con púas y zapatos de charol con cordones y tacones de strass.

"Él aportó glamour al calzado masculino y logró hacer una declaración y lucirse un poco", dijo Adducci.

El rey Carlos III habla con Christian Louboutin y la actriz Kristin Scott Thomas en una fiesta en el jardín en 2023 en Londres. Heathcliff O'Malley/WPA Pool/Getty Images

Ya sean de hombre o de mujer, son las suelas las que más claramente diferencian a Louboutins del resto. Entonces, cuando los zapatos comienzan a perder su tono distintivo en la parte inferior (lo que sucede con el uso), la marca puede intervenir. Louboutin permite a zapateros aprobados por la compañía restaurar los zapatos a su antiguo esplendor utilizando el tono característico de la casa, estrechamente custodiado y muy protegido. Pantone 18, también conocido como “rojo chino”.

Quizás, naturalmente, con algo tan exitoso, la marca luchó duro para protegerse de otras empresas que intentan beneficiarse de un toque de su magia roja. Las suelas se convirtieron en una parte tan integral del ADN de la marca que, en 2008, la casa de moda solicitó (y obtuvo) una marca registrada ante la Oficina de Patentes y Marcas de EE. UU. para sus suelas rojas. Desde esta marca, Louboutin participó en múltiples y complejos casos judiciales por infracción de marcas en todo el mundo, con marcas tan diversas como el minorista Zara y la asequible marca de zapatos holandesa Van Haren, hasta la lujosa casa de moda francesa YSL , con resultados mixtos.

Una cosa es segura: los fanáticos de Louboutin son leales a la marca, incluso, aparentemente, los famosos. “Una vez rechacé una campaña publicitaria bien remunerada para una importante marca de zapatos de lujo porque le tengo mucha lealtad (a Christian) como diseñador y como amigo”, dijo la reina del burlesque Dita Von Teese a The Hollywood Reporter en 2015. “Creo que Christian Es el mejor diseñador de zapatos del mundo”.

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A menudo se trata de ofertas de "moda rápida" (fast fashion) que provienen de minoristas electrónicos con sus interminables ofertas amables con el bolsillo o de grandes almacenes que ofrecen esa gabardina hasta la rodilla o esa franela oversize a precios de rebajas.

Pero aunque la moda barata pueda parecer la mejor opción, lo cierto es que el sector de la moda rápida produce prendas a una escala demasiado grande para la mayoría de los consumidores. Además, los materiales utilizados pueden durar tan solo entre siete y diez usos, según la plataforma de datos medioambientales sin ánimo de lucro Earth.org.

¿Por qué es tan popular la moda rápida?

La moda rápida es un modelo de negocios que se centra en la producción de prendas al por mayor, y lo más rápidamente posible, en respuesta a las tendencias del momento, según la Dra. Preeti Arya, profesora adjunta de desarrollo y marketing textil en el Fashion Institute of Technology de Nueva York. El término se popularizó por primera vez en un artículo de The New York Times en 1989 para describir la primera apertura de la tienda minorista Zara en Estados Unidos. Según el Times, el objetivo de la marca era que en solo 15 días un diseño pudiera estar disponible para el consumidor.

Por lo general, los diseños de moda rápida son dupes, un término que podría traducirse como imitaciones y que es muy popular en las redes sociales para referirse a las prendas inspiradas (y, en algunos casos, directamente copiadas) de lujosos looks de famosos y creadores de tendencias, o mostradas en pasarelas de diseñadores de Nueva York a París. El objetivo de marcas y fabricantes es poner estos diseños en manos de los consumidores mientras las prendas están todavía en la cima de su popularidad, y a precios muy asequibles.

Si bien las grandes marcas actuales incluyen a minoristas de gran escala con presencia en Internet, como Zara y H&M, la moda rápida ha permitido que cada vez más marcas y vendedores que operan solo por Internet tomen las riendas, como Shein, un minorista en línea de Singapur, así como Temu de China, Boohoo, ASOS y PrettyLittleThing del Reino Unido y Fashion Nova de Estados Unidos, entre otros.

Gracias a sus rapidísimos calendarios de producción —solo tres días desde el diseño hasta que la prenda está lista para la venta en el caso de Shein, según informa Vox—, los minoristas en línea pueden lanzar cientos (si no miles) de diseños en pequeños lotes y ajustar los ritmos de producción en función de la respuesta de los consumidores, lo que, según Shein, les permite reducir los residuos y el exceso de producción.

¿Cuál es el impacto de la moda rápida en el mundo?

La industria de la moda es responsable del 10% de las emisiones mundiales anuales de carbono, según las estadísticas de un informe de marzo de 2023 del Programa de las Naciones Unidas para el Medio Ambiente (PNUMA). El informe también constata que la cantidad de prendas producidas en la actualidad se ha duplicado desde el año 2000, y se calcula que los consumidores compran hoy un 60% más de ropa, pero solo la usan la mitad de tiempo.

Para mantener bajo el precio de producción, las prendas de moda rápida se fabrican a menudo con materiales como el poliéster —una fibra sintética y barata fabricada a partir del petróleo, un combustible fósil no renovable—, según un informe de la Changing Markets Foundation. El poliéster puede tardar aproximadamente 200 años en descomponerse, según un informe de 2016 de Greenpeace.

Una trabajadora confecciona prendas en una fábrica de ropa que suministra a Shein en Guangzhou, China, el 18 de julio de 2022

Y la industria de la moda rápida no solo depende de materiales baratos, sino también de mano de obra barata, con aproximadamente 75 millones de empleados en fábricas de todo el mundo, y solo el 2% de ellos con un salario digno, según la Universidad George Washington.

Las empresas de confección suelen recurrir a países como India, Bangladesh y Pakistán para la fabricación de sus productos. En las industrias de confección de estos países se paga a los trabajadores salarios más bajos, a veces en condiciones peligrosas y, en ocasiones se permite la explotación infantil, según Humanium, organización internacional dedicada a apoyar los derechos de la infancia.

En otras palabras, aunque los productos finales puedan ser baratos para los consumidores, tanto el medio ambiente como los trabajadores que los fabrican están pagando un alto coste, afirmó Beth Osnes, profesora de estudios medioambientales de la Universidad de Colorado y experta en el papel de la moda rápida en el cambio climático.

La moda rápida supone "diseños rápidos, fabricación rápida, comercialización rápida, venta rápida al por menor; no deja tiempo para considerar estas necesidades mayores, como las consideraciones éticas o los derechos de los trabajadores", afirmó Osnes. "El combustible fósil no solo impulsa la maquinaria que crea estas prendas, sino que es literalmente el material con el que se crean estos artículos de moda".

"Se produce a tal velocidad que no se cuida ni a la persona que lo ha hecho ni al medio ambiente", afirma Aja Barber, escritora y estilista cuyo trabajo trata de la sostenibilidad y la ética en la industria de la moda. "El planeta está en llamas, y la verdad es que la industria de la moda colabora en un porcentaje de ello".

¿Es la "moda sostenible" una alternativa viable?

La moda sostenible es un término utilizado para referirse a la ropa que se diseña y produce para ser más respetuosa con el medio ambiente, según Good on You, una fuente líder en clasificaciones de sostenibilidad de marcas de moda. Esto incluye ropa que utiliza fibras naturales, como algodón, cáñamo, lino, lana y seda, que son más duraderas, explicó Preeti Arya, del Fashion Institute of Technology.

En el informe 2023 del PNUMA, la organización enumera los cambios en los patrones de consumo, las inversiones en infraestructuras compartidas y las mejoras en las prácticas ambientales y sociales como prioridades que la industria de la moda puede adoptar para hacer más sostenibles sus modelos de negocio. Esto incluye informar a los consumidores de su impacto ambiental, por ejemplo, y dar prioridad a la reciclabilidad y a los materiales de origen local en los diseños.

Según la Dra. Preeti Arya, una opción asequible para participar en la moda sostenible es comprar ropa fabricada con un mayor porcentaje de fibras naturales como algodón, cáñamo, lino, lana y seda.

Aunque estos cambios pueden tardar en convertirse en práctica habitual, hay medidas que los consumidores pueden tomar para reducir su propia huella de carbono y tomar decisiones activas para comprar menos moda rápida.

Al elegir prendas con menos de un 20% de poliéster, los consumidores pueden ser más conscientes del medio ambiente con sus hábitos de compra; los artículos fabricados con fibras naturales pueden durar hasta tres generaciones, afirma Arya. (Comprar en tiendas de segunda mano suele ser otra buena forma de encontrar ropa de fibras naturales, añadió).

"Nadie te pide que no compres. Pero compra de forma responsable (...), intenta utilizar tu presupuesto para comprar un artículo de buena calidad", dijo Arya, en lugar de un exceso de básicos de moda rápida.

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En agosto, Billie Eilish revivió su característico peinado —todo negro brillante con un llamativo tinte de raíz—, esta vez en rojo cereza. Un mes después, Megan Fox lució un "velvet bob" escarlata, como lo llamó su estilista. Justo cuando las hojas empezaban a cambiar de color, también lo hacía el cabello de Dua Lipa. La estrella del pop estrenó en octubre un look rojo caoba —y para quien aún no esté seguro del tono de moda esta temporada— llegó a combinar su pelo con ropa y accesorios a juego en burdeos y granate.

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Incluso Kendall Jenner, mientras detallaba a la revista Vogue a principios de este mes los looks que ha tenido a lo largo de los años, dijo extrañar su cabellera cobriza de 2022 que acaparaba titulares. "Chicos, echo de menos mi pelo rojo", dijo Jenner, quien regresó al castaño. "No sé qué hacer con él. Volví demasiado pronto".

Megan Fox luce un corte recto rojo intenso. (Crédito: MediaPunch/Shutterstock)

En las pasarelas de Otoño-Invierno 2023, se han visto rubios cereza-coca y rubios fresa en Burberry, Rodarte, Gucci y Missoni, por nombrar algunos. En septiembre, aún más diseñadores se apuntaron a la moda, desde Versace y Diesel hasta Miu Miu y Louis Vuitton. La modelo pelirroja Rianne Van Rompaey participó en ocho de los desfiles más importantes de la temporada, entre ellos la apertura para The Row, Paco Rabanne y el cierre para Chanel.

Sin embargo, el atractivo del pelo rojo dista mucho de ser una tendencia de la nueva era. De hecho, tiene una historia sorprendentemente larga.

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Menos del 2% de la población mundial es pelirroja natural, aunque este color de pelo ha sido temido y fetichizado durante cientos de años. Durante el apogeo de los juicios de brujas en la Europa del siglo XV, ser pelirrojo se consideraba una marca del diablo, prueba suficiente a veces para ser asesinado. En el siglo XVII, el académico inglés Obadiah Walker escribió una implorante respuesta a la extendida cultura de "denigrar" a los hombres pelirrojos. "Cada hombre menosprecia a su semejante", dijo Walker. "Y esto se hace a menudo por motivos tan triviales... El poner en descrédito a las personas, simplemente por el color nativo del excremento de la cabeza".

Billie Eilish también es otra estrella cuyo pelo es sorprendentemente escarlata. (Crédito: RB/Bauer-Griffin/GC Images/Getty Images)

La historiadora del cabello Rachael Gibson señala que este tono siempre se ha considerado diferente. "Judas en la Biblia es representado como pelirrojo, y del mismo modo los antiguos galos y escoceses — gente que atacaba e invadía (Inglaterra) — tendían a ser pelirrojos", dijo en una entrevista telefónica. "Así que desde los primeros tiempos representaban a los invasores".

Sin embargo, para algunos, la singularidad del pelo rojo era una poderosa rareza. Durante su reinado en el siglo XVI, la reina Isabel I lucía unos rizos pelirrojos que eran una elección deliberada, más que un don natural. Según el autor de “Red: A Natural History of the Redhead”, Jacky Colliss Harvey, Isabel I llevó peluca durante la mayor parte de su vida y, aparentemente, podía elegir cualquier tono, pero optó por el castaño encendido y, al parecer, incluso tiñó el pelaje de sus caballos a juego. "Cuando Isabel I estaba en el trono, el pelo rojo estaba de moda", dice Gibson. "Hombres y mujeres de la corte se teñían el pelo de rojo para mostrar su lealtad".

La reina Isabel I, que gobernó Inglaterra desde 1558 hasta 1603, era conocida por su pelo caoba, que algunos sugieren que era una peluca especialmente seleccionada. (Crédito: Print Collector/Getty Images)

A lo largo de la historia, los mechones escarlata han estado de moda una y otra vez. A mediados y finales del siglo XIX, artistas prerrafaelitas como Gabriel Rossetti pintaban casi exclusivamente a bellezas etéreas pelirrojas, mientras que en 1923 un periodista de moda señalaba que este color de pelo había arrasado en París. "El pelo se tiñe de rojo cuando no es de ese color por naturaleza", decía el centenario artículo de moda de los archivos de The Guardian. "Ser de color natural, en lo que a París se refiere, es no ser visto en absoluto".

De nuevo en 1988, The New York Times anunciaba que el rojo era "el cautivador color de pelo del momento", escribía Linda Wells. "Por muy de moda que estén ahora, las pelirrojas nunca serán comunes".

Gabriel Rossetti pintaba regularmente mujeres pelirrojas, como muestra aquí su imaginaria femme fatale "Lady Lilith" (1867). (Crédito: Heritage Images/Getty Images)

Actualmente, sentirse visto sigue siendo la principal motivación de este color de pelo. "La gente que quiere probar el pelirrojo por primera vez quiere hacer algo excitante", explica Jenna Parry, estilista de famosos, a CNN Style en un correo electrónico. Parry creó el tono "pimentón ahumado" de Kendall Jenner el año pasado, y también está detrás de las transformaciones pelirrojas de Emily Ratajkowski y Maude Apatow. "Quieren destilar confianza y destacar entre la multitud".

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Para Nicole Keenen, estilista radicada en Chicago, también hay una ventaja económica para sus clientes: "Definitivamente tiene una accesibilidad que el rubio no tiene", dijo en una entrevista telefónica. "Especialmente para los cabellos más melánicos, el rubio es muy caro".

Los nuevos mechones granate de Dua Lipa coinciden con el lanzamiento de un nuevo tema. (Crédito: MEGA/GC Images/GettyImages)

En lo que respecta a Dua Lipa y Megan Fox, ¿es una coincidencia que su drástico cambio de peinado haya coincidido con sus nuevos proyectos (la primera colección de poesía de Fox, "Pretty Boys Are Poisonous: Poems" salió a la venta el 7 de noviembre, y "Houdini", el último single de Lipa, el 9 de noviembre). "Es algo tan visual que podemos escanear (el color del pelo) en un segundo. Y el rojo tiene ese atractivo duradero de ser llamativo", dice Gibson. "Es un buen momento para cambiar de color de pelo cuando has sacado un álbum".

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El nombramiento de Renne como nuevo director creativo de Moschino se anunció el 16 de octubre. Renne había comenzado a trabajar en la casa de moda de lujo el 1 de noviembre y falleció nueve días después, el 10 de noviembre.

"No hay palabras para describir el dolor que estamos experimentando en este dramático momento", dice el comunicado emitido por Massimo Ferretti, presidente de Aeffe SpA. "Davide se unió a nosotros hace solo unos días, cuando una repentina enfermedad nos lo arrebató demasiado pronto. Todavía no podemos creer lo que ha pasado".

Estaba previsto que la primera colección de Moschino bajo la dirección de Renne debutara en la Moda de Milán en febrero de 2024. Renne había sido anteriormente director de moda femenina de Gucci, y fue elegido para sustituir a Jeremy Scott, que había dirigido la marca durante la última década.

"Lo que la moda —especialmente la moda italiana, y la casa Moschino sobre todo— puede lograr con su enorme poder debe lograrse con un sentido de juego, de alegría", dijo Renne en un comunicado en el momento de su nombramiento. "Gracias, Sr. Ferretti, por darme las llaves de su sala de juegos. Estoy impaciente por empezar".

Ferretti elogió el espíritu magnético y creativo de Renne en el comunicado de prensa que alertaba a los medios de su muerte. "Aunque estuvo muy poco tiempo con nosotros, Davide supo hacerse querer y respetar de inmediato. Hoy tenemos la responsabilidad de continuar lo que su imaginación y creatividad habían visualizado. Nuestro más sentido pésame a su familia y amigos".

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"Lamento haber atrapado mariposas que podían volar libremente por el cielo", dijo Jun Takahashi en una carta a PETA, que compartió con CNN este martes.

Los vestidos "terrario" de Undercover, que contenían flores y mariposas vivas, fueron un momento de belleza etérea durante el desfile Primavera-Verano 2024 de la marca en la Semana de la Moda de París en septiembre, pero también despertaron preocupación entre los activistas de los derechos de los animales por el bienestar de los insectos.

PETA escribió a Takahashi en octubre para informarle que las mariposas utilizadas para exhibiciones públicas son "normalmente arrancadas de la naturaleza o criadas en cautividad en granjas", y que muchas son aplastadas o mueren mientras son enviadas "como carga" en sobres y cajas pequeñas.

El grupo citaba a la North American Butterfly Association, afirmando que "muchos organizadores de bodas evitan ahora las mariposas en las bodas porque (a menudo) llegan muertas, o medio muertas".

En su respuesta, fechada el 17 de octubre, Takahashi dijo que quería que las mariposas de su espectáculo estuvieran seguras y sanas. Escribió que su equipo las encargó a un criador "ético" y les dio una nutrición adecuada y un amplio espacio para respirar y volar, al tiempo que las mantenía a la temperatura correcta.

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Los vestidos "terrarios" de otro mundo, llenos de flores y mariposas, formaron parte del broche final del desfile de Undercover en septiembre. (Crédito: Victor VIRGILE/Gamma-Rapho/Getty Images)

Pero el diseñador añadió que, aunque su marca se esforzó por crear el "entorno más cómodo posible" para las criaturas, sabía que había sido un error. "Me sentí culpable, pero decidí poner mariposas en el vestido para mi propia creación", escribió.

Takahashi dijo que liberó a los insectos en un parque inmediatamente después del desfile, aunque la carta de PETA señaló que las mariposas criadas en cautividad "luchan por encontrar fuentes de alimento, y rara vez sobreviven" en la naturaleza, y también pueden "propagar enfermedades a las poblaciones locales de insectos".

Un portavoz de PETA dijo a CNN este martes que un representante de la organización se reunió con Takahashi en persona para agradecerle su carta, y tuvieron una "discusión constructiva".

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En su carta, el diseñador dijo que desarrolló por primera vez una afinidad por las mariposas en el funeral de su abuela hace dos décadas. "Fui a un río cercano y una mariposa blanca pasó volando y no se separó de mí", contó. "Esta experiencia me hizo sentir muy feliz, pensando que mi abuela se acercaba a mí". Desde entonces, añadió Takahashi, tuvo otras experiencias igualmente evocadoras con los insectos.

"Espero que aprecien nuestra buena voluntad y, por favor, no duden en informarnos más sobre este tema, ya que queremos aprender a comportarnos mejor", le aclaró el diseñador a PETA, añadiendo: "Rezo para que las mariposas vuelvan a mi lado".

Los grandes almacenes neoyorquinos Barneys dejaron de presentar insectos en sus expositores después de enfrentarse a quejas similares de PETA por su uso de mariposas monarca vivas en 2018.

La organización de derechos de los animales también tiene campañas dirigidas a lo que llama "crueldad sistémica" en los comercios de cuero, mohair, lana, cachemira, plumón y pieles.

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Halloween, nuestra celebración anual del miedo, ha sido durante mucho tiempo un escaparate de disfraces de fantasmas y dientes de vampiro. Este año, sin embargo, los disfraces más populares podrían ser un poco diferentes.

Barbie, Spiderman y Wednesday Addams (de "The Addams Family") son algunos de los motivos de disfraces más buscados en EE.UU. este año, según Frightgeist de Google Trends, que analiza las ideas de disfraces más buscadas en todo el país.

Si todavía no has encontrado una idea para disfrazarte, no te preocupes. CNN te ofrece cinco motivos de disfraces de Halloween originales y muy populares, que seguramente no pasarán desapercibidos.

Barbie

Por supuesto, después de que la película "Barbie" hiciera historia con una recaudación de US$ 1.000 millones en taquilla, está casi garantizado que la muñeca aparezca en tu fiesta local de Halloween o tu evento de "truco o trato". La muñeca favorita de Mattel es el disfraz de Halloween más buscado del año, lo que nos lleva a preguntarnos: ¿cómo puedes disfrazarte de Barbie sin hermanarte involuntariamente con el resto de asistentes?

Nosotros tenemos la respuesta. En lugar de centrarte en la Barbie genérica (piensa en el vestido rosa), prueba a mezclarlo todo. La Barbie rara de Kate McKinnon, con su pelo alborotado y su atuendo colorido, es actual pero no exagerada. También hay un sinfín de Kens para elegir, como Ryan Gosling con un chaleco de cuero con flecos o Ncuti Gatwa con una colorida ropa deportiva. Si lo tuyo es la Barbie estereotípica, prueba a sacar un modelo de una escena concreta, como el conjunto rosa neón de Margot Robbie para patinar sobre ruedas o su traje de baño vintage en blanco y negro.

Para aquellos que realmente quieran hacer referencia a un momento importante, disfrazarse de algo relacionado con la película "Barbie" también sería una divertida forma de jugar con las expectativas, como disfrazarse de la directora Greta Gerwig en la gira "Renaissance" de Beyoncé ("Barbie", que fue producida por Warner Bros. Pictures, comparte empresa matriz Warner Bros. Discovery con CNN).

Oppenheimer

Sombrero, pipa, corbata, contacto visual intenso y boom: ya tienes disfraz. Crédito: Melinda Sue Gordon/Universal Pictures

Tras el éxito del verano de "Barbenheimer", no podemos dejar de mencionar a "Oppenheimer" (aunque esta opción no es tendencia en el Frightgeist de Google).

Aunque disfrazarse del hombre que creó la bomba atómica puede ser terrorífico por sí solo -y bastante sencillo, con solo un traje de chaqueta, corbata y sombrero-, también nos gustaría ofrecer "Barbenheimer" en sí, una mezcla de Barbie y Oppenheimer.

Tú decides cómo representarlo. ¿Tal vez un traje rosa con un sombrero del mismo color? ¿O un traje clásico de Barbie combinado con una mirada melancólica y una pipa? Las opciones son infinitas.

Spiderman

Puede que sea difícil que te salgan telarañas de las manos, pero Spiderman sería un disfraz perfecto. Crédito: Sony Pictures Animation

Al igual que la película de "Barbie", el éxito de "Spider-Man: Across the Spider-Verse" presenta un auténtico buffet de opciones.

El clásico superhéroe es el tercer disfraz de Halloween más buscado este año (cayendo desde su puesto número 2 del año pasado), lo que significa que seguramente habrá algún doble en tu fiesta. Inspirarse en la película, que revisita el multiverso de Spidey, puede ayudar.

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Aunque Miles Morales y Gwen Stacy son personajes clásicos a imitar, disfrazarse del Spider-Punk de la película será un éxito seguro, y tú estarás increíblemente genial. Papá Peter Parker también es una opción estupenda y de poco esfuerzo: su escena más memorable lo muestra en bata rosa con un bebé amarrado al pecho, fácilmente recreable con un muñeco bebé. Además, estarás cómodo toda la noche.

Wednesday Addams

Jenna Ortega como la reinvención de Netflix de Wednesday Addams. Crédito: Cortesía de Netflix

Netflix estrenó su serie "Wednesday", un spin-off de "The Addams Family", el pasado mes de noviembre, cuando Halloween ya había pasado, robándole así a la gótica favorita de todos su momento brillante como disfraz top de Halloween para 2022.

Este año, Wednesday Addams se lo merece. Es el sexto disfraz de Halloween más buscado en 2023 y, aunque todo el mundo ya haya olvidado sus icónicas trenzas gemelas y su mirada furiosa, tú puedes rendirle homenaje fácilmente.

Oso

Jeremy Allen White en "The Bear" es el modelo a seguir. Añádele unas orejas de oso. Crédito: Chuck Hodes/FX

Un oso, el que sea, completa el top 20 de los disfraces de Halloween más buscados. La gracia de este disfraz reside en su flexibilidad.

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Puedes disfrazarte de la protectora mamá oso 128 Grazer, la ganadora del concurso Fat Bear Week de este año. O puedes probar a disfrazarte de oso solar malayo, una especie de oso pequeño tan parecido a los humanos que algunos pensaron que eran personas disfrazadas de oso (la teoría cobró tanta fuerza que un zoo chino tuvo que emitir un comunicado afirmando que sus osos eran realmente osos. Nada de bromas anticipadas de Halloween).

O puedes seguir el camino de la cultura pop y disfrazarte de un personaje de "The Bear", la serie de FX sobre un restaurante de Chicago, cuya segunda temporada se emitió en verano.

Con un delantal y orejas de oso, incluso podrías ser un oso en "The Bear". Es Halloween: no hay reglas.

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(CNN Español) -- Hace un par de años supe que el mundo había cambiado muy seriamente cuando mi amiga María —que vivía en total actividad y de aventura en aventura, sin bajarse de un avión— me dijo: “¡Estoy feliz de pasarme este fin de semana descansando en mi casa! ¡Qué maravilla no tener nada que hacer y acostarme a ver TV y después dormir horas y horas!”

¿Feliz de estar en casa? ¿Ver TV? ¿Disfrutar horas y horas durmiendo? Pues así mismo me confesó cuando le pregunté sobre su cambio de vida. “Es que mi ‘bucket list’ ha cambiado. Ya he hecho más o menos todo lo que he querido… Y lo que más deseo es mucho más sencillo, menos estresante ¡más en paz y tranquilidad! El mundo está muy revuelto”.

Yo siempre he disfrutado de momentos serenos y tranquilos, pero muchos amigos me han confiado que en los últimos años —y con la realidad de nuevas y sangrientas guerras y conflictos de violencia— han cambiado el foco de la vida. Que ahora —y especialmente en este mundo lleno de contradicciones— están viviendo el día a día con mayor conciencia de la realidad que nos rodea, y menos deseos de momentos vertiginosos y demasiado ambiciosos. En una palabra: sus nuevos planes y metas están basadas en una vida tranquila, más apegada a la familia y con la mayor paz y armonía posible. ¡Nuestro espíritu lo necesita! Y tiene todo el sentido del mundo.

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Aunque siguen llevando una vida social muy activa, mi amiga Marta y su esposo John han “cambiado algunos hábitos” y, sin hacerlo radicalmente, me dijeron que vivían “con mejor calidad de vida, más al tanto de lo que pasa en el mundo” y muy concentrados en cuidarse. “Y nos alimentamos mejor, tomamos nuestro vino más ordenadamente” —para todos era obvio que ambos disfrutaban ampliamente todos los días— “¡y caminamos 20 o 30 minutos después de la cena! Y nos sentimos regios y rejuvenecidos”.

Cuidando de no quedarme boquiabierta de la sorpresa, pues estos dos sibaritas no se movían para nada, les pregunté por sus planes para fin de año, y me aseguraron que estarían con la familia y pasarían más tiempo con buenos amigos y la gente que los quiere. ¡Otra sorpresa! Y así podría contarles de muchos casos de amigos y familiares. Nuestras vidas se han renovado por el efecto de la pandemia y la realidad política y social del mundo. Y para muchos ha generado una excelente transformación y un momento de reflexión. ¿Y es ético disfrutar de la vida mientras hay tantas tragedias a nuestro alrededor? Pues sí, porque no somos santos y tratar de vivir felices es muy normal. Pero también, se debe ser consciente de lo que sucede. Y personalmente me parece que es de rigor ser generosos y buenos ciudadanos del mundo.

Las consecuencias de la pandemia han calado hondo en la vida de la mayoría de nosotros —y quizás ha llegado la hora de hacer cambios positivos en nuestras vidas (¡algunos incluso muy pequeños!)— y comenzar a ser más felices.

¿Cambiaron las prioridades?

Disfrutar al máximo de la familia. La serenidad de las buenas conversaciones. La música.  El cine. La belleza. La naturaleza. El deporte… Y disfrutar el leer y releer. Y si te ilusiona volver a viajar, es el momento para llevar adelante un sueño que sea muy especial.  ¡Un supersueño!  Para mí —hace unos años— fue alquilar un apartamento en París y cuando lo hice (aunque solo fueron 4 semanas) cumplí un sueño maravilloso que quería lograr desde muy jovencita. ¡Me sentí como una parisina 100% comprando mi “baguette” en las mañanas en la panadería de mi barrio y saludando a mis nuevos vecinos!

Y te propongo establecer nuevas prioridades y propósitos, realizar tus verdaderos deseos y sueños (los que no tienen que ser mil sueños, uno o dos que sea posible realizar). Crea tu nueva “bucket list” —lista de cosas que quieres hacer a lo largo de tu vida— y te aseguro que será mucho más posible lograrlas.

También es muy positivo desarrollar una mayor empatía hacia los demás y abandonar —aunque sea poco a poco— la tendencia que todos tenemos a prejuzgar y criticar, sin verdadero conocimiento de causa. ¡Esto es tan importante para nuestra propia armonía!

¿Algunos cambios positivos?

Basta de excusas para mejorar tu vida. Ese es un cambio que beneficia muchísimo. Cambiar de hábitos es cambiar acciones diarias para beneficiar tu salud y tu vida. Algunos son más difíciles —como dejar de fumar, de beber en exceso, o dejarte llevar por personas nocivas— pero son claves para una vida mejor.

Mente sana en cuerpo sano. Fabuloso cambio que no necesita explicación. Buena nutrición, chequeo médico, y caminar y caminar.  Cero excesos.  Y no tienes que convertirte en atleta, sino mover tu cuerpo y quererte mucho, mucho… ¡Este cambio es una verdadera delicia!

Personalmente, creo que reorganizar es importantísimo —al estilo de la fabulosa experta Marie Kondo—. Esto nos trae armonía, paz y tranquilidad. Es muy positivo replantear y reorganizar tu vida y tus planes, tus rutinas, tu casa, tus armarios, tu vestuario, tus prioridades. Este cambio —físico y espiritual— ordena el día a día. Y crea nuevos propósitos. ¡Y cambiará tus más profundas ilusiones, tus sueños y el orden de tu “bucket list”!  Puedes hacerlo  —a cualquier edad— y te aseguro que no es tan difícil.

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(CNN) -- La transformación radical de Victoria's Secret ha terminado.

La cadena de lencería estadounidense ha pasado los últimos dos años revisando su imagen hipersexualizada en un intento por recuperar la relevancia cultural y reconquistar a los consumidores jóvenes que preferían marcas más a la moda como Savage X Fenty y Parade.

Hubo algunos éxitos, como una campaña para lanzar la "nueva" Victoria's Secret con la jugadora de fútbol Megan Rapinoe, la modelo transgénero Valentina Sampaio y otras modelos portavoces, pero las críticas favorables de los internautas nunca se tradujeron en ventas: la marca prevé unos ingresos de US$ 6.200 millones este año fiscal, un 5% menos que el año anterior y muy por debajo de los US$ 7.500 millones.

Paloma Elsesser para la campaña 'The Icon' de Victoria's Secret. Crédito: Carlijn Jacobs/Cortesía Victoria's Secret

Las campañas más recientes contaron con modelos como Hailey Bieber y Emily Ratajkowski, que habrían encajado a la perfección con Heidi Klum y Adriana Lima en el desfile de 2007, así como con nuevas embajadoras como las modelos de tallas grandes Paloma Elsesser y Ali Tate-Cutler.

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"Victoria's Secret: The Tour '23", un intento de revivir el formato de pasarela que se lanzó el mes pasado, se situó en algún punto intermedio entre la personificación de la lujuria masculina del apogeo de la marca en la década de 2000 y la utopía inclusiva promovida por sus muchos disruptores.

Pero en una presentación a los inversores en Nueva York la semana pasada, quedó claro qué versión de la marca ven los ejecutivos de Victoria's Secret como su futuro.

La campeona de tenis Naomi Osaka se asoció con la marca a principios de 2023 en una gama de lencería y ropa de dormir. Crédito: Cortesía de Victoria's Secret

"La sensualidad puede ser inclusiva. Lo sexy puede celebrar las diversas experiencias de nuestros clientes y en eso nos centramos", afirma Greg Unis, presidente de marca de Victoria's Secret y Pink, la submarca de la empresa dirigida a los consumidores más jóvenes.

¿El objetivo principal? Mejorar la rentabilidad y volver a superar los US$ 7.000 millones de ventas anuales. Eso significa invertir en nuevas categorías, como ropa deportiva y de baño, actualizar sus casi 1.400 tiendas Victoria's Secret y Pink y abrir 400 nuevos establecimientos fuera de Norteamérica. También se reducirán los costos y, a juzgar por los mensajes de la presentación a los inversores, se correrán menos riesgos en lo que respecta a la imagen de la marca.

"A pesar de los esfuerzos de todos, no ha sido suficiente", declaró Martin Waters, CEO.

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Ropa nueva, tiendas nuevas

Waters habló de un sector minorista en crisis y de un consumidor que opta por alternativas más baratas, a medida que la inflación sigue apretando el bolsillo.

Para recuperar a esa clienta, Victoria's Secret está ofreciendo a sus compradores productos que van más allá de los sostenes, ropa interior y pijamas.

Esto significa volver a los trajes de baño y la ropa deportiva, dos categorías que el minorista abandonó en los últimos años. En un momento dado, la ropa deportiva representaba un negocio de US$ 500 millones para la empresa, según Unis, con una cuota del 16% del mercado de sujetadores deportivos. En la actualidad, este segmento es mucho más pequeño y solo representa el 4%.

Naomi Campbell también protagoniza una reciente campaña para Victoria's Secret. Crédito: Cortesía de Victoria's Secret

Además, la marca tiene la intención de aumentar otras ofertas de prendas de vestir como ropa de estar en casa, suéteres, vestidos y tops corsé, piezas que son adyacentes a su fuerte en ropa de dormir y lencería, dijo Unis. En Pink, Victoria's Secret se centrará en mejorar el surtido de chaquetas de lana, pantalones y conjuntos deportivos, y otras prendas informales.

Quizá el cambio más drástico con respecto a la Victoria's Secret del pasado sea su nueva imagen en las tiendas físicas. La marca comenzó a renovar sus tiendas en 2021, eliminando el aire oscuro y austero de las tiendas que pudo haber estado de moda en el 2000, pero que ya no tiene eco entre los compradores de hoy.

La "tienda del futuro" del minorista tendrá una iluminación brillante pero cálida, una decoración suave, una entrada más amplia y un ambiente acogedor en general. Incluso los accesorios son más pequeños y redondeados, pintados en un tono rosa suave para evocar la intimidad con el consumidor, dijo Albert Gilkey, vicepresidente sénior de diseño y construcción de tiendas de la empresa.

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El elefante en la habitación

Victoria's Secret inició su renovación moderna en parte debido a la competencia de los recién llegados digitales, marcas como ThirdLove y Parade, que atraen a los consumidores con un marketing inclusivo y un lenguaje progresista.

La amenaza de su disrupción, sin embargo, ha disminuido en gran medida en los últimos meses, a medida que la crisis de la venta directa al consumidor sigue desarrollándose y los costos del marketing digital se han vuelto insostenibles para las marcas que solo tienen presencia en el comercio electrónico. Parade se vendió recientemente a Ariela & Associates International, una empresa de licencias de sostenes que fabrica productos para Fruit of the Loom.

Adriana Lima se convirtió en uno de los rostros de Victoria's Secret en 1999 y sigue apareciendo en muchas de sus campañas. Crédito: Carlijn Jacobs/Cortesía de Victoria's Secret

Pero la marca Savage X Fenty de Rihanna sigue siendo una fuerza que no se debe descartar, y Aerie supone una dura competencia para Pink entre las consumidoras más jóvenes. Un competidor potencialmente aún más formidable también está ganando terreno: Skims, la marca de ropa moldeadora cofundada por Kim Kardashian, obtuvo financiación en julio con una valoración de US$ 4.000 millones. La marca prevé alcanzar los US$ 750 millones en ventas este año, muy por debajo de los más de US$ 6.000 millones de Victoria's Secret, pero muy por delante de muchos otros aspirantes. Una OPI daría a Skims los recursos para abrir tiendas rápidamente y enfrentarse directamente a Victoria's Secret.

Unis no se inmutó. El modo en que Victoria's Secret se adentre en el mundo de la ropa será conservador, dijo, y seguirá un enfoque de prueba y aprendizaje.

A pesar de todos sus problemas en los últimos años, Victoria's Secret sigue siendo el mayor minorista de ropa interior de Norteamérica, con cerca del 20% de la cuota de mercado, según sus propios análisis.

"No nos hemos diferenciado lo suficiente en este difícil mercado. Pero nuestra ambición de ser el principal minorista de moda íntima del mundo no ha cambiado", dijo Waters.

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(CNN Español) -- La moda —la sigamos o no— es un fenómeno cultural —y de enorme influencia económica— en constante evolución, que refleja las tendencias de una sociedad en un momento dado. Y es muy curioso observarla.

En los últimos años, hemos sido testigos de un aumento por la moda rara, extravagante, con diseños superaudaces, colores llamativos y piezas que desafían las normas. Sin embargo, en medio de esta extravagancia, también (aunque poco a poco) hemos visto un resurgimiento de la moda más clásica, nada alocada y que perdura de una temporada a otra.

La moda extravagante ha ganado popularidad en los últimos años gracias a diseñadores muy innovadores, que han desafiado los límites tradicionales. Prendas con cortes asimétricos, mezclas de colores sorprendentes y materiales inusuales se han convertido en el sello de esta tendencia. Celebridades, influencers y amantes de la moda han adoptado estos estilos, ¡lo que ha llevado a una revolución en la industria!

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Quizás una de las razones detrás de esto es la búsqueda de individualidad y expresión personal. En un mundo cada vez más diverso, la moda extravagante permite a las personas destacar sus diferencias. Las redes sociales desempeñan un papel muy importante en la difusión de estas tendencias, ya que en ellas las personas comparten sus atuendos, incluso los más locos, y se convierten en influencers de la moda, que inspiran a otros a experimentar con su estilo.

Sin embargo, a medida que la moda extravagante se ha apoderado de las pasarelas y las redes sociales (para mi gusto con mucha exageración), también ha surgido una nostalgia por la moda clásica. ¡Y por el llamado “lujo callado”, del que he escrito antes!

Los acaba de presentar para la colección primavera verano 2024 la marca Saint Laurent en París con diseños clásicos, pero elegantes, que traen un momento de armonía con sus creaciones icónicas (como el Safari look) ¡para hacernos olvidar miles de diseños locos y extravagantes!  Y, curiosamente, estos modelos clásicos —pero de gran calidad y un sutil giro moderno— son los de más popularidad y ventas, creados para un estilo de vida sereno, en contraposición a un mundo muy complicado y poco safe.

(Crédito: cortesía Yves Saint Laurent)

Las prendas y estilos que evocan épocas pasadas, como los trajes de corte impecable de la década de 1950 (de Dior o Balenciaga) o los vestidos elegantes de los años 60 de Yves Saint Laurent, han comenzado a recuperar su lugar en el mundo de la moda. Y esta vuelta a lo clásico puede entenderse como una reacción “al exceso de esas cosas feísimas y extravagantes que no son moda”, tal como me comentó recientemente mi amiga, la icónica diseñadora Carolina Herrera. ¡Es lógico!

La moda clásica tiene sus raíces en la elegancia, la buena calidad y la simplicidad. Se caracteriza por prendas que no pasan de moda fácilmente. Los trajes a la medida, las camisas blancas impecables y los vestidos negros sencillos (el LBD o “little black dress”) son ejemplos clásicos que han resistido el paso del tiempo. Esta moda busca la sofisticación y la durabilidad, en contraste con la gran fugacidad de las tendencias extravagantes.

La elección entre la moda extravagante y la clásica a menudo refleja la personalidad y el estado de ánimo de una persona. Algunos días podemos optar por expresarnos a través de atuendos extravagantes que llaman la atención y reflejan nuestra creatividad. Otros días preferimos la comodidad y la elegancia de la moda clásica, que nos hace sentir seguros y sofisticados. Pero es cuestión de personalidades.

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Muchos diseñadores (como hizo Karl Lagerfeld en Chanel) a veces han fusionado ambos estilos, que combinan lo extravagante con lo clásico. Son audaces igual que conservadores. Esto muestra cómo la moda es como un canvas, un lienzo en blanco que permite mucha experimentación y gran creatividad.

Resumiendo: en la moda existe constante evolución y abarca gran cantidad de estilos y tendencias. La moda extravagante ha capturado la imaginación de muchas personas que buscan expresar su individualidad, mientras que la moda clásica ha experimentado un resurgimiento en busca de una imagen con sutil elegancia y durabilidad. La elección entre ambas tendencias depende de la personalidad y el estado de ánimo de cada individuo, y la moda contemporánea ofrece la libertad de explorar ambos mundos de manera creativa.  Al fin y al cabo la moda es una forma poderosa de expresión personal, que nos permite comunicar quiénes somos y cómo nos sentimos en un momento dado.

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Durante más de 20 años, el fenómeno cultural anual vio quién es quién en el mundo de las supermodelos luciendo lencería exagerada y alas de ángel pavoneándose por una pasarela ante actuaciones de artistas como Justin Timberlake, Lady Gaga, Jay-Z y Kanye West, ahora ha sido reemplazado por un largometraje documental llamado “The Tour '23”, que se estrenó este martes en Prime Video.

El documental llega tras un paréntesis de cinco años en el desfile de moda, aparentemente debido a la caída en picado de la audiencia y a innumerables polémicas, desde los comentarios de un exejecutivo sobre las modelos trans, pasando por las crecientes críticas a la estrecha visión de la marca sobre el atractivo sexual, hasta un explosivo documental que detalla los vínculos históricos de la empresa con Jeffrey Epstein, el millonario acusado de operar una vasta red de tráfico sexual de menores, que se suicidó en prisión en 2019.

Entonces, ¿qué se puede esperar de “The Tour”? El documental no es un desfile único, al estilo Savage X Fenty de Rihanna, sino que destaca cuatro colecciones de diseñadores y artistas independientes con sede en Lagos, Bogotá, Londres y Tokio. Cada presentación tiene lugar en una espaciosa villa de Barcelona, donde la presentadora Gigi Hadid guía a los espectadores entre los segmentos. Estrellas de VS como Naomi Campbell y Adriana Lima se pavonean en conjuntos junto a un diverso elenco de modelos como Adut Akech, Winnie Harlow, Quannah Chasinghorse, Paloma Elsesser, Hailey Bieber y Lila Moss, por nombrar algunas.

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Naomi Campbell con un cuello halter dorado del artista Bubu Ogisi, radicado en Lagos. (Crédito: Carlijn Jacobs/Cortesía de Victoria's Secret)

Antes de las exhibiciones se proyectarán cortometrajes que presentarán a las 20 mujeres creativas —incluidas las diseñadoras y cineastas— que forman "VS20". Entre ellas están Piscis Canizales, bailarina y activista colombiana que se hizo viral por hacer voguing frente a policías fuertemente armados en una protesta en 2021, y KOM_I, cantante japonesa que formó parte del grupo de culto de J-Pop electrónico Wednesday Campanella.

"The Tour" pretende ser "la máxima expresión de la transformación de la marca Victoria's Secret", según un comunicado del director creativo de la empresa, Raúl Martínez. Una de las diseñadoras, Bubu Ogisi, que vive en Lagos, mezcla la inspiración divina de las mitologías yoruba e igbo, y otra, Jen-Fang Shueh, de la marca tokiota Jenny Fax, explora la realidad corpórea de la edad madura. (Las colecciones no se venderán en Victoria's Secret, aunque algunos productos inspirados en "The Tour" estarán disponibles en Internet).

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Iris Law con un vestido moldeado del cuerpo de la diseñadora con sede en Tokio Jen-Fang Shueh, cuya colección habla del envejecimiento y la feminidad. (Crédito: Carlijn Jacobs/Cortesía de Victoria's Secret)

Corrección de rumbo en curso

Además de su nueva película, Victoria's Secret está promocionando nuevas iniciativas de financiación para mujeres artistas y empresarias. La marca también parece estar respondiendo a las críticas de que su desfile de moda ha sido, a lo largo de los años, culturalmente insensible —por ejemplo, poniendo a Karlie Kloss un tocado nativo americano en 2012— y ha reforzado ideales corporales imposibles.

Una diseñadora, Michaela Stark, acentúa las curvas de barrigas y michelines en sus conjuntos de lencería en lugar de disimularlas. Stark cuenta en "The Tour" que aceptó colaborar en la película para hacer frente a la dismorfia corporal que sintió al ver los pasados desfiles de Victoria's Secret.

"En el instituto... era algo importante. Pero también era esa cultura que lo rodeaba, de no querer comer después de verlo", dice en el documental, justo antes de poner a modelos de tallas grandes en looks de pasarela de archivo de Victoria's Secret.

La diseñadora londinense Supriya Lele se inspiró en la antigua escultura india y un toque de moda punk. (Crédito: Cortesía de Victoria's Secret)

Pero, sin que sea culpa de los talentosos artistas que reunió Victoria's Secret, “The Tour” parece inconexo. En lugar de un evento con E mayúscula, como el desfile de moda original, sus cortometrajes solo ofrecen momentos rápidos, pasarelas tenues y una narración que no se detiene en ningún tema el tiempo suficiente para penetrar su superficie.

A la producción ciertamente no le falta el poder de las estrellas, con interludios de Doja Cat y la cantante afrocolombiana Goyo, intercalados con viñetas variadas: fragmentos de entrevistas, videos musicales, imágenes de activismo de danza, detrás de escena, creación y diseño, audio poético de escritores y artes escénicas poco convencionales.

La película no explica claramente por qué se reunió a este grupo concreto de artistas como VS20 —más allá de que "The Tour" sirva de plataforma para historias femeninas únicas, como dijo un portavoz a CNN—, ni tampoco está claro qué tienen que ver con los corsés deslumbrantes y los conjuntos de dos piezas de cuero de la colección de Victoria's Secret que se muestran confusamente como intermedio entre las otras presentaciones.

Está claro que "The Tour" pretende rehacer y restablecer la identidad de VS, pero ¿qué es eso exactamente? Mientras la empresa jubilaba a sus "ángeles", presentaba a sus nuevas embajadoras "VS Collective", como Priyanka Chopra Jonas y Megan Rapinoe, y volvía a reunir a rostros famosos como Campbell y Lima para campañas llamativas, la dirección de su lencería ha sido, sin duda, una ocurrencia tardía poco memorable.

Puede que la "nueva" Victoria's Secret esté explorando ideas más sanas e inclusivas en torno a la feminidad y la sensualidad, pero aún está por ver si la marca se ha encontrado realmente a sí misma a través de iniciativas de búsqueda del alma como "The Tour".

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(CNN Español) –– La etiqueta es un conjunto de reglas de comportamiento. Y el vestir adecuadamente ––para cada tiempo o lugar–– es una de ellas.

Y estamos hablando de esto porque hace unos días el senador Chuck Schumer, del estado de Nueva York y líder de la mayoría demócrata en el Senado de Estados Unidos, decidió establecer una regla de vestir más relajada para sus integrantes. Un código de etiqueta en el que los senadores pueden ir vestidos menos formales y más relax. Y aunque no existía ninguna regla escrita desde que se instituyó el Congreso siglos atrás–– siempre se observaba un comportamiento más formal en el vestir de los senadores, usando chaqueta y corbata.

Y ahora, desde hace un tiempo, esa informalidad excesiva ya estaba ocurriendo, porque el senador demócrata John Fetterman, de Pensilvania, un hombre muy alto y corpulento, destaca con sus atuendos superinformales. Antes de ser elegido, Fetterman había sufrido una embolia ––y estuvo varios meses sin asistir al Senado debido a un tratamiento contra la depresión. Y cuando empezó a ir llevaba hoodies, chándals, shorts y era una figura disonante en medio de los senadores con saco y corbata, y mucho más formales. ¡Y de esto se ha comentado mucho en la televisión y en la prensa!

Y pronto otros senadores, cuando regresaban al Senado de sus respectivos estados, comenzaron a hacerlo, también mucho más informales. Y los legisladores republicanos comenzaron a criticar esto de una forma tan intensa que ya se ha convertido casi en una batalla política.

Sin embargo, hay que notar que muchas reglas de etiqueta ¡son reglas que muchos consideran obsoletas y anticuadas y están siendo rotas desde hace mucho tiempo!

Son ejemplos de exceso de informalidad que veo cada vez que voy a un teatro de Broadway, o a la ópera, al ballet y hasta restaurantes muy lindos y con gran atmósfera. ¡Y me sorprende porque la gente no se viste apropiadamente! Y, por ejemplo, en una función de ópera hay gente vestida con chándal y zapatillas de deporte, ¡como si estuviera lista para correr un maratón! ¡Y ocurre que estar vestida con un lindo conjunto y lucir elegante, más de una vez me ha hecho sentir fuera de lugar!

Estas reglas de comportamiento son voluntarias, cierto, y por supuesto que existe la libertad de hacer lo que uno quiera. Pero yo creo que se está llevando todo a un exceso de relax y es ahí cuando el refrán “de lo sublime a lo ridículo no hay más que un paso” entra en acción… ¡porque ese paso hay que vigilarlo! Y hay que considerar que todo en la vida tiene su tiempo y su lugar.

También hay que notar que, aunque hay reglas de etiqueta y de protocolo absolutamente obsoletas, ridículas y tan antiguas que dan risa, como las que observamos en muchos detalles de la coronación del rey Carlos III en el Reino Unido, al mismo tiempo debemos notar que está ocurriendo una ruptura casi total con la etiqueta más clásica en nuestro estilo de vida.

Esto me hace recordar que los tiempos cambian y muchas veces evolucionan para mejor. Recuerdo en los años 70 aquí en Nueva York, cuando todavía era mal visto que las mujeres usaran pantalones, y en restaurantes famosos como el 21 y La Cote Basque no permitían la entrada a mujeres que llevaran pantalones. ¡Había que ir con vestidos! Y le ocurrió una vez a la famosa socialite Nan Kempner, que llegó a La Cote Basque con un precioso tuxedo acabado de diseñar por Yves Saint Laurent y le dijeron que no podía entrar en pantalones, a lo que ella ––era una mujer muy atrevida, la conocí mucho-–– procedió inmediatamente a quitárselos y dejarse la chaqueta larga ¡como una fuera un vestido minifalda! Y cosas parecidas, me contó una vez nuestra amiga en común Carolina Herrera, le ocurrieron a Jackie Kennedy, ¡a quien le encantaba usar pantalones! Hoy día esos dos famosos restaurantes tan estrictos han cerrado, ¡pues eran tan difíciles y tan esnob que con el paso de los años dejaron de existir!

La etiqueta tiene sus más y sus menos, y hay cosas que son exageradas, pero yo creo que, en general, le trae a la vida una disciplina de comportamiento y una belleza visual muy agradable. La gente bien vestida, las personas educadas y con buenas maneras al comer en una mesa, son cosas muy lindas que le enseñan a uno desde pequeño en la casa, y que cuando crecemos nos damos cuenta son muy agradables. ¡Y no hay nada malo con ser bien educados!

Ah, pero no hay duda de que, en el siglo XXI, desafortunadamente, muchas reglas de comportamiento han caído en desgracia. Y nuevas generaciones (igual que otras más viejas) han decidido no seguirlas y hasta burlarse de ellas. Y este es un tema que trae siempre controversias, pero es un asunto interesante del que podemos hablar y compartir con la familia y los amigos ¿Hasta qué punto debe- o no debe- desaparecer esa etiqueta clásica y hasta qué punto debemos traerla de nuevo a nuestras vidas?

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(CNN Español) -- Las mujeres --y también muchos hombres-- vivimos enamoradas de los zapatos. Es una realidad. Nos fascinan, nos encantan y nos atraen por igual los tacones, las sandalias y las botas. Y, desde que el mundo es mundo y a través de la historia, los humanos tenemos una absoluta fascinación por el calzado.

Y si van a algún museo que tenga un departamento de historia del vestido, verán que existen zapatos del siglo XVI, XVII, XVIII y XIX, con diseños de lo más simpáticos, muy fantasiosos, con tacones --y telas y hebillas de brillos-- que usaban tanto hombres como mujeres. Y aunque lucen bastante duros e incómodos, aquellos personajes se sacrificaban por estar a la moda, y con ellos caminaban los largos pasillos de esos grandes palacios y castillos. Por ejemplo, el rey Luis XIV de Francia era un gran “fan” de los zapatos de tacón, igual que la reina María Antonieta, quien tenía infinidad de pares en bellos colores pastel.

• OPINIÓN | En la moda: ¿logos sí o logos no? ¿Es una tendencia o una caprichosa controversia?

(Crédito: Mari Rodríguez Ichaso)

Y después de estar leyendo y viendo las muchas fotos del fabuloso libro “Cult Heels: Exceptional talent in shoe design” (“Culto a los Tacones: Talentos Excepcionales en el Diseño de Zapatos”), de tamaño estilo “coffee table book”, imprescindible para los amantes del calzado de lujo y su historia, escrito por la conocida periodista de moda peruana Ursula Carranza, me doy cuenta de los enormes talentos --de origen hispano-- que han contribuido (¡y siguen contribuyendo!) a esta parte vital de la industria de la moda. Y leo que además de los famosos diseñadores hispanos que se destacan --como el español Manolo Blahnik, el colombiano Edgardo Osorio de la marca Aquazzura, y el puertorriqueño Edmundo Castillo, diseñador de Stuart Weitzman-- existen una serie de diseñadores talentosísimos en América Latina que les están haciendo seria competencia

Creadores muy exitosos, como por ejemplo Adriana Epelboim-Levy, diseñadora de Alepel de Venezuela (cuyas zapatillas llevan famosas como Camila Cabello y Ariel Winter); Andrea Gómez, de Venezuela (que tiene unos modelos muy codiciados); Flor de María Rivera, de la marca Flor de María de Perú (favorita de muchas celebridades como Kylie Jenner, Megan Fox y Jenna Ortega); Jessica Butrich de Perú (zapatos súper imaginativos, divertidos y de óptima calidad); Laura Cepeda, de la marca L. Cepeda de Colombia (inspirada en la cultura y colores del Caribe); y la muy sofisticada Adriana Abascal, diseñadora de Maison Skorpios de México, radicada en París.

(Crédito: Mari Rodríguez Ichaso)

Estos zapatos --sin duda-- nos hacen sentir mucho más atractivos, más altos, más delgados y con más “presencia”. ¡Existe casi una cosa mágica en llevar unos zapatos que nos hagan sentir bien! En una época recuerden que eran bastante aburridos, en color café, negro, beige o blanco, pero hoy en día vienen en todos los colores del arcoíris y de todas las formas y estilos posibles. Piensen en las suelas rojas de Louboutin, los diseños locos de Ferragamo, los zapatones de Versace, los de YSL, de Fendi. ¡Todo un mundo muy excitante!

También --y esto es importante-- es que en el diseño de zapatos ha habido un continuo “volver hacia atrás”. Y ahora estamos usando zapatos como esas grandes plataformas de tacones de los años 70 que les llamaban zapatacones, al igual que sandalias y zapatos de vinilo transparentes que existieron en los años 50, ¡y están de nuevo de moda! Por eso es muy difícil que la gente tire o regale sus zapatos, porque cada día se usan más los que se calzaban hace tiempo

(Crédito: Mari Rodríguez Ichaso)

Lo mismo pasa con las botas. Cuando salieron las que llegan a los muslos, de la marca Stuart Weitzman --cuyo diseñador es el puertorriqueño Edmundo Castillo--, todas las modelos del mundo las usaban. Y ahora esas botas de nuevo están de moda. Y en la gira mundial de Beyoncé, ha sido de nuevo la marca Stuart Weitzman (de la mano de Castillo) quien diseñó las fabulosas botas que usa la cantante en el show. Podían ser las mismas de hace 30 años, pero ahora vienen en colores vibrantes y lentejuelas.

Resumiendo: vivimos fascinados con los zapatos, especialmente con aquellos zapatos de fantasía que nos hacen lucir estupendamente y llenas de confianza. ¡Como protagonistas de grandes aventuras!

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Sin embargo, estos tenis Apple "ultrararos" se subastan en Sotheby's por US$ 50.000, más de lo que vale cualquier producto de la compañía actualmente.

• Subastan un iPhone de primera generación del año 2007: se espera que alcance los US$ 50.000

Con la manzana arcoíris del logo de Apple en la lengüeta y a un costado, los tenis blancos se confeccionaron especialmente para los empleados de la compañía como un obsequio único en una Conferencia Nacional de Ventas a mediados de la década de 1990.

"Como nunca llegó al público en general, este par de tenis en específico es uno de los más misteriosos que existen", dijo Sotheby's en su catálogo.

Aunque la producción de tenis es algo inusual para Apple, en 1986 la marca lanzó una gama de ropa y accesorios denominada "La colección Apple", que incluía tazas, paraguas, bolsos, llaveros e incluso un velero, todos adornados con el logo arcoíris, según un catálogo publicado ese año. El año anterior, 22.000 personas compraron camisetas de Apple a la empresa.

Las zapatillas vienen con cordones rojos en la caja. (Cortesía de Sotheby's)

Estos se conocían como "productos de marca blanca", fabricados por una empresa de terceros como Lamy, Honda o Braun, pero vendidos por Apple con su propia marca y logotipo.

Los tenis de talla 10,5 están nuevos, vienen en su caja e incluyen con un par de cordones rojos, dijo Sotherby's, aunque muestran algunos signos de envejecimiento, como amarillamiento alrededor de las entresuelas y pegamento, así como marcas leves en las puntas.

• La primera computadora de Apple a subasta

Los tenis no son el primer producto antiguo de Apple que se ha vendido por una suma asombrosa en los últimos meses.

Un iPhone de primera edición de 2007 se vendió por más de US$ 190.000 en una subasta el mes pasado, superando con creces las estimaciones, mientras que un par de viejas sandalias Birkenstock, propiedad del difunto cofundador de Apple, Steve Jobs, se vendieron en US$ 200.000 en una subasta en noviembre de 2022.

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(CNN Español) -- ¡Existe una verdadera locura por la “moda en rosa” inspirada por la película Barbie! Y me imagino que ya debes haberte enterado, porque nunca he visto un mercadeo internacional de tal intensidad, y que probablemente traiga grandes frutos económicos.

Ha sido una especie de "resurrección" de la muñequita Barbie —creada el 9 de Marzo de 1959— cuando ya estaba un poco "pasada de moda", sus ventas habían decaído entre 2014 y 2016, y otras muñecas más famosas parecían haber tomado su lugar. Después de la creación de esta película —dirigida por Greta Gerwig—, Barbie de pronto "reina" de nuevo entre las niñas, las “teenagers” y hasta las mujeres adultas. ¡Y es un verdadero fenómeno comercial, cultural y social!

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El film está basado en un guión en que Barbie de pronto pasa por una crisis de vida y se cuestiona su mundo y su existencia (suena un poco mas “profundo” que el mundo al que Barbie siempre nos acostumbró). La película y su sensacional “marketing” sin duda marcan el verano del 2023.

Y además de la cuantiosa nueva mercancía de Barbie lanzada por Mattel, muchas otros portales de ventas —como Etsy y Amazon— igual que marcas famosas en todo el mundo como Gap, Zara, H&M, los famosos "sneakers" Superga, maquillaje NYX, accesorios de Barbie Kitsch  y hasta snacks y comidas como los donuts Krispy Kreme, los helados Coldstone, los yogures Pinkberry, etc., venden objetos y productos inspirados en Barbie. ¡No puedo darles ni una lista, pues sería interminable, de los negocios y marcas inspiradas por Barbie y cómo de pronto el color rosado domina en la moda!

La actriz australiana Margot Robbie durante un evento de promoción de la película "Barbie" en Seúl, Corea del Sur. (Crédito: JUNG YEON-JE/AFP via Getty Images)

Los personajes de Barbie y su “boyfriend” Ken —interpretados en la película por la bella Margot Robbie y un rubio platinado Ryan Gosling— están viajando por todo el mundo promocionando esta divertida película. Un film que no es precisamente de animación, pero contiene todos los elementos de diseño, colores y espacios que recrean el mundo semiartificial de Barbie. ¡Visualmente muy interesante!

¿Algo curioso? Que mi propia nieta de 11 años fue a una premiere de la película, ¡y ella y diez amiguitas fueron antes a un estudio de belleza a ponerse pestañas postizas y así parecerse más a Barbie! Y, por supuesto, ¡fueron al cine vestidas de rosa! ¡Esto es increíble porque a mi nieta ya no le interesaba Barbie y ahora está loca con todo el evento! ¿Se dan cuenta del efecto de un buen mercadeo?

Yo me pregunto si esta locura de la moda estilo Barbie —y la moda en rosa— va a permanecer. ¿Sí o no? El mundo de la moda, y de nuestro estilo de vida, ya lleva mas de un año "enamorado" del color rosa, ha reforzado con esto su presencia en la moda. Y personalmente estoy fascinada con este fenómeno del "Barbiecore". Y lo bien que lo han hecho, pues traerá muchos millones de millones a sus dueños y distribuidores y también de paso a infinidad de marcas de moda,  y a la economia mundial en general.

Y todo por el fenómeno creado por una muñequita que mide apenas 29 centímetros o 11,5 pulgadas, ¡y ya tiene 64 años!

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Es una reputación forjada en gran parte gracias a Carol Spencer, una estudiosa de bellas artes que ahora tiene 90 años y que respondió a un anuncio de empleo en un periódico en 1963 para convertirse en diseñadora de moda de Barbie, cargo que ocupó durante 36 años hasta 1999, lo que la convierte en el estilista con más años de servicio de la figura.

“Cuando me uní a la compañía, trabajé con Ruth Handler (la inventora de Barbie) que todavía estaba en Mattel. Tan pronto como comencé, realmente me enamoré de esta pequeña muñeca llamada y se convirtió en mi pasión”, dijo Spencer en una entrevista telefónica desde la convención de Barbie de 2023 en Orlando.

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Carol Spencer diseñó ropa para Barbie desde 1963 hasta 1999. (Crédito: Cortesía de Carol Spencer)

Pero convertirse en diseñadora de moda en California estuvo muy lejos de los primeros años de vida de Spencer. Nacida en 1932 en Minneapolis, Spencer dijo que rechazaba los estereotipos femeninos comunes de la época. "Me gradué de la escuela secundaria en 1950 y en ese momento había básicamente cinco trabajos para mujeres. Podrías ser maestra, enfermera, secretaria, oficinista o esposa y madre", dijo a Business Insider en 2019.

En cambio, Spencer se matriculó en la Facultad de Arte y Diseño de Minneapolis para estudiar bellas artes con diseño de moda y, después de graduarse con una licenciatura en artes en 1955, viajó a Nueva York para una pasantía de "edición invitada" en Mademoiselle Magazine (junto a Joan Didion), antes de mudarse a Milwaukee para trabajar en diseño de moda.

Siete años después, consiguió el trabajo en Mattel y se mudó por todo el país para cumplir lo que cree que era su destino.

Es una carrera celebrada en su libro recientemente reeditado, “Dressing Barbie” (Harper Books), en el que Spencer reflexiona sobre algunos logros de su carrera como modista en miniatura.

Los atuendos de Barbie "replican la historia" del momento

La Barbie 'Black Magic' fue lanzada en 1965. (Crédito: cortesía de Carol Spencer)

“Cuando miras hacia atrás, las muñecas Barbie replican la historia y muestran lo que estaba sucediendo en ese momento, por lo que la década de 1960 fue una de mis décadas favoritas para trabajar con Barbie. Estaban pasando tantas cosas. La moda estaba cambiando desde el 'período modisto', donde la alta moda comenzó en Europa y se extendió por todo el mundo, a un gran movimiento cultural juvenil, el advenimiento de la moda 'mod' y los maravillosos diseños de Mary Quant. Había nuevos músicos maravillosos: Elvis Presley y The Beatles, por ejemplo. Fue muy divertido trabajar en el estilo cambiante de Barbie además de eso”, dijo Spencer.

Spencer dice, sin embargo, que Barbie nunca se posicionaría como una vanguardia en este nuevo movimiento juvenil.

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“La ropa y el estilo de Barbie tienen que ser comprensibles para un niño. Así que siempre esperábamos que las modas se establecieran antes de crear piezas para Barbie. También tenía que ser saludable (siempre teníamos que ponerle ropa interior a la Barbie, por ejemplo), pero también hacerlo un juguete divertido”, dijo.

Cuando Barbie salió por primera vez en marzo de 1959, fue presentada como una modelo adolescente; una alternativa brillante a las muñecas de papel de vestir y desvestir que los niños recortaban y jugaban en ese momento. Si bien los estrechos estándares de belleza de Barbie han causado consternación en la actualidad, Spencer dice que la intención de Handler siempre fue que la muñeca se moviera con los tiempos.

“El plan de Ruth Handler era que la muñeca fuera lo más realista posible y evolucionara a medida que evoluciona la sociedad. Ella fue diseñada para ser interpretada y jugada de muchas maneras diferentes”, dijo.

Carol Spencer Ella dijo que diseñar para la muñeca es "su pasión". (Crédito: Fotografía de Scott Miles)

A medida que cambiaban los tiempos, el proceso de diseño también comenzó a cambiar, dijo Spencer. Mientras que los diseñadores de hoy trabajan en computadoras, Spencer y el equipo de diseño trabajaron en modas en modelos 3D de muñecas en lugar de dibujos ("los dibujos a menudo no se relacionan con el aspecto de algo en una caja o paquete", dijo Spencer).

“El equipo hizo todo a mano; desde hacer patrones, cortarlos, hasta coser las prendas en miniatura y luego hacíamos ajustes hasta que se veía bien en Barbie y en la caja. La escala de Barbie es aproximadamente 1/6 de la escala de una persona real y todo lo necesario para verse bien”.

Si bien Spencer es el miembro más antiguo del equipo de diseño de Barbie, señala que desde mediados de los 70 hasta principios de los 90 hubo tres diseñadores para la muñeca. “Yo era del Medio Oeste y más o menos la diseñadora más conservadora. También estaban Kitty Black Perkins, que era negra y del sureste y Janet Goldblum de Nueva York. La empresa quería diseñadores de una variedad de orígenes y cada uno de nosotros tenía diferentes fortalezas”, dijo.

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Spencer es la única diseñadora que tiene su nombre impreso en una muñeca Barbie. (Crédito: Cortesía de Carol Spencer)

Aunque en el momento de esta entrevista Spencer no había visto la película y aún no sabía si alguno de sus diseños exactos aparecerá, dijo que las escenas que había visto se mantienen fieles al espíritu de los diseños. “La ropa ha utilizado el sabor de muchos de nuestros diseños, pero aún no he visto ninguna réplica directa”, dijo Spencer.

“Hay mucho vichy rosa y blanco, por ejemplo, que es un patrón de tela que usamos unas cinco o seis veces a lo largo de los años, pero la diseñadora de la película (Jacqueline Durran) ha actualizado los estilos, como hacen todos los diseñadores. También ha tenido que hacer que la apariencia funcione en los actores que necesitan moverse y mantener la apariencia del vestuario”, dijo Spencer, quién admite haber reproducido los trajes en miniatura de Barbie en tamaño adulto para sí misma solo dos veces, incluida una camisa bordada estilo occidental que usó con jeans azules, un sombrero de 10 galones y botas de vaquero.

Además de un catálogo anterior de cientos de muñecas, la colección personal de Barbies de Spencer en un momento totalizó más de 500 muñecas en su casa en Los Ángeles, incluidas 400 en su comedor solamente. Si bien le gusta bromear diciendo que nunca estás solo en su casa, la diseñadora está en el proceso de encontrar "hogares amorosos" para su extensa colección junto con su Barbie Magical Mansion equipada con muebles en miniatura recolectados de sus viajes alrededor del mundo.

Pero hay algunas muñecas que siempre permanecerán con ella, incluida una muy querida pelirroja Barbie Benefit Ball de 1992, vestida con un elegante vestido dorado y verde azulado metálico y una muñeca Golden Jubilee Barbie de 1996, con el nombre de Carol Spencer en la parte de atrás. “Ella es una de mis favoritas. La amo. Soy la única diseñadora que tiene su nombre impreso en una muñeca Barbie y realmente significa mucho”, dijo.

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(CNN Español) -- Desde hace varios meses existe una nueva tendencia de moda que realmente me deja muy sorprendida. Y no sé si es en realidad una “tendencia” o un puro capricho del mundo de la moda, los fabricantes y algunos medios.

Se trata de promover lo que llaman “quiet luxury” --o “lujo callado”--, que consiste en rechazar los símbolos de estatus --y las marcas con logos e iniciales-- en nuestra ropa, accesorios, etc., y lanzar agresivamente una campaña en pro de la moda de óptima calidad, ¡pero carente de logos!

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Esto del “lujo callado” o “stealth luxury” (lujo cauteloso o discreto) es tan sorprendente, que las grandes compañías que fabrican famosos bolsos, ropa, gafas de sol y mil objetos con logos e iniciales, están tratando de no hablar del tema e ignorarlo todo. Y esto a pesar de que no es un simple rumor, sino un continuo goteo de artículos que aparecen en medios de comunicación como CNN, el Wall Street Journal, The Atlantic, el New York Times, Vogue, entre otros. Muchos han comentado este tema, y al traerlo a la palestra han contribuido a difundir esta nueva tendencia tan radical y contraria a lo que el mercado del lujo ha promovido por muchos años. ¿No les parece curioso?

(Crédito: Mari Rodríguez Ichaso)

La tendencia está basada en que si verdaderamente tienes dinero, eres una persona pudiente y tienes a la vez muy buen gusto, ¡por nada del mundo llevarías una pieza de ropa, un bolso, o algo con un logo, lo que es señal de querer hacer alarde de una fortuna exagerada!

¡Y esto me parece absurdo en un momento en que la moda es más lujosa y más cara que nunca y los logos y las iniciales abundan! ¿Cómo es posible que esto esté ocurriendo? ¿Por qué las compañías de moda perderían millones y millones de dólares si de pronto desaparecen las iniciales y los logos de la moda? ¿Y cómo es posible que medios de comunicación, que dependen de la publicidad del mundo del lujo, estén comentando esto como una realidad?

En materia de joyería los famosos aretes redondos pequeños que usaba Jackie Kennedy --sin iniciales de ningún tipo-- son unos de los de mayor venta en el mundo. Tanto los originales de oro con perlas, o copias de fantasía muy bonitas, no tienen un solo logo, y se venden porque Jackie los usaba siempre y la gente los reconoce de sus fotos.

(Crédito: Mari Rodríguez Ichaso)

Personalmente no me gusta llevar exceso de logos, y cuando se usan varios al mismo tiempo, me parece de muy mal gusto. Pero usar un bolso, unas gafas, o incluso conducir un carro de alta gama (que tiene su logo bien puesto en el capó) no es mal gusto. Es algo que hacemos porque nos gusta. Si yo tengo un bolso Louis Vuitton o Gucci que me encanta, no me importa que tenga sus iniciales, porque lo he comprado porque me gusta tal como es y estoy orgullosa de tenerlo.

Al mismo tiempo es absurdo que yo llevara al mismo tiempo un bolso de Vuitton, un cinturón de Hermès, unos zapatos de Gucci, unas gafas de Chanel, una pulsera de Tiffany… ¡eso sí lo encuentro muy exagerado y de poco gusto!

Se supone que todo esto ha surgido de la famosa serie televisiva “Succession”, en que los billonarios personajes no usan ni un solo logo. Y tanto el personaje de Shiv, la chica --como los hombres—nunca, nunca llevan una sola inicial. Ella lleva ropa de fantásticas marcas como Loro Piana o Brunello Cucchinelli, pero nada demuestra qué marca es. O sea, todo es discreción, y lo que se ha llamado un “lujo cauteloso”, que demuestra el dinero que tenemos y lo poderosos que somos, tan solo con llevar objetos de óptima calidad. A este “stealth luxury” se le agrega que, de toda la vida, han existido marcas que no han tenido iniciales, como era el caso de los maravillosos bolsos de Bottega Veneta, que reconocíamos por el tejido de cuero entrelazado, y sin iniciales.

(Crédito: Mari Rodríguez Ichaso)

He comentado esto con amigas, con expertas de moda y otras periodistas, y existe una gran controversia. Algunas me dicen que les parece muy bien que desaparezcan los logos y las iniciales, y otras me dicen: “Ay no, pero ¿por qué? Eso es algo muy personal y hay marcas que hacen cosas preciosas aunque tengan iniciales”.

Esto quizá sea el comienzo tan solo de una nueva tendencia de moda que --si sigue-- estoy segura va a dar mucho que hablar. Y aquí me incorporo a esta discusión general: logos sí o logos no. Personalmente yo diría “logos sí”, pero no todos juntos.

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"¡Lo logré!", escribió Kollé en una alegre publicación de Instagram después de su victoria en el Teatro AFAS, en Leusden. "Hice que mi comunidad se sintiera orgullosa y mostré que se puede alcanzar", agregó en holandés con un emoji de la bandera azul claro, rosa claro y rayas blancas que representa a las personas trans.

A lo largo de la competencia, que pasó de cientos de participantes a 10 finalistas en abril pasado, Kollé utilizó la plataforma para promover una visión más inclusiva en el mundo de los concursos y alentar a otros a sentirse inspirados.

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"Miss Universo nos pidió que nos describiéramos en una palabra", compartió Kollé en un video publicado en su página de Instagram el mes pasado. "La palabra que elegí es 'victoria', porque cuando era niño conquisté todas las cosas que se cruzaron en mi camino, y mírenme ahora, parada aquí como una mujer trans fuerte, empoderada y segura".

"Nunca olvides que podemos lograrlo juntos, no estás solo en este planeta. ¡Nunca dejes de soñar con ser la mejor y más segura versión de TÍ MISMO!", escribió en el mensaje que acompañaba el clip. "Nunca dejes que nadie te diga lo que te conviene, porque lo único que importa es que te conviertas en la mejor versión de ti mismo".

La Miss Universo 2022 R'Bonney Gabriel se unió a Rikkie Kollé en el escenario para celebrar su victoria.

Kollé, de 22 años y oriunda de Breda, recibió la corona en el escenario de la ganadora del año pasado, Ona Moody. La actual Miss Universo, R'Bonney Gabriel, también le entregó su banda.

Si Kollé gana Miss Universo sería la primera mujer trans en llevarse el título. El concurso permite participantes trans desde 2012, y en 2018, Ángela Ponce de España se convirtió en la primera concursante del certamen, pero no llegó a la final.

El próximo mes, la activista Daniela Arroyo González también buscará hacer historia como la primera mujer trans en ganar Miss Universo Puerto Rico, y también avanzará a Miss Universo si es coronada. Este año, 90 mujeres de todo el mundo competirán en el certamen de 2023, según el sitio web.

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Y Shakira, quien fue vista en primera fila en el desfile de alta costura de Viktor & Rolf en la semana de la moda de París este miércoles, claramente siente lo mismo. Su elegante bata blanca, de la colección Otoño-Invierno 2008 de la marca, estaba dominada por la palabra "No", estampada en su pecho con letras tridimensionales.

La cantante colombiana combinó el atuendo con sandalias de plataforma doradas y un mini bolso de mano a juego de la marca italiana Aquazzura. En las fotos tomadas en el evento, incluida una que Shakira publicó en las redes sociales junto a Camila Cabello, ella mueve el dedo, como indicando "No".

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Camila Cabello y Shakira sentadas en primera fila en el desfile de alta costura Otoño-Invierno 2023 de Viktor & Rolf. (Crédito: Pierre Suu/Getty Images)

“'Sí' está sobrevalorado”, dijo Shakira cuando se le preguntó sobre su mirada deslumbrante, “me identifico con el 'No', es una palabra muy poderosa”.

Usar la ropa para comunicar tu mundo interior no es nada nuevo. Las camisetas con eslóganes descarados, como la blusa 'Nepo Baby' que usó Hailey Bieber a principios de este año después de enfrentar críticas por su camino a la fama, se han utilizado durante mucho tiempo como un portavoz de celebridades. Incluso políticos, presidentes y miembros de la monarquía difunden información a través de su vestuario.

Sin embargo, a veces llevar el corazón en la manga, o cosido en el pecho, puede ser contraproducente. En 2018, Melania Trump provocó críticas generalizadas cuando eligió usar una chaqueta caqui de Zara que decía “Realmente no me importa. ¿Y a ti?", con letras pintadas de blanco para recorrer un refugio para niños migrantes en la frontera entre Estados Unidos y México en junio de 2018.

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El mensaje sartorial de Shakira fue todo menos sutil. (Crédito: Arnold Jerocki/Getty Images)

Si bien la chaqueta de Shakira carecía de la sutileza de la vestimenta suave, ha habido cierto debate en línea sobre a qué se refiere exactamente su "No". Algunos medios se han apresurado a interpretar el comunicado de moda como un mensaje público personalizado a suexpareja, el futbolista Gerard Piqué (la pareja terminó el año pasado su relación de 12 años).

En realidad, Viktor & Rolf se han inspirado durante mucho tiempo en la cultura de Internet y la jerga de los memes, en particular la palabra "No". Para la colección de alta costura de la marca en 2019, se bordaron vestidos de tul espumoso de color caramelo con frases virales irónicas de Internet como "Lo siento, llegué tarde, no quería venir".

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El vestido viral "No" en el ruwnay de alta costura Primavera-Verano 2019 de Viktor & Rolf. (Crédito: WWD/Penske Media/Getty Images)

Las palabras fueron extraídas de Instagram y seleccionadas por su banalidad, que contrastaba con siluetas románticas, dijo el cofundador Rolf Snoeren a WWD. Un vestido cónico envolvente presentaba "No" en letras tan grandes que ocupaban la mitad del vestido.

La moda se trata tanto de sentir como de con qué está hecho. Y a veces, el sentimiento es simplemente "No".

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Furby, el fenómeno de los juguetes de la década de 1990 que enfrentó a niños y padres en bandos opuestos cuando llegó a las tiendas y se convirtió rápidamente en una manía, está de vuelta.

Hasbro, el fabricante de Furby, anunció este jueves la reintroducción de esta bola de pelo con ojos de insecto y que habla sin sentido. La última versión del juguete animatrónico salió a la venta en Amazon este jueves y llegará a las tiendas de todo el país el 15 de julio, después de casi 10 años de ausencia.

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El nuevo Furby, que cuesta US$ 70 y está disponible en morado y coral, es muy parecido al original, pero algo más tierno. Es interactivo y responde a los abrazos, las palmaditas en la cabeza y las cosquillas. También puedes simular que le das de comer una pizza diminuta.

El nuevo Furby de Hasbro salió a la venta en Amazon este jueves. La última versión del clásico juguete de los 90 llegará a las tiendas el 15 de julio. Crédito: Hasbro

Sigue siendo ruidoso, habla incoherencias y baila. El juguete tiene cinco modos activados por voz, más de 600 frases, chistes y canciones y luces y sonidos incorporados.

Hasbro dice que el regreso de Furby marca el aniversario del icónico juguete.

"Para el 25 aniversario de la marca, queríamos despertar el mismo entusiasmo en esta nueva generación aprovechando el poder nostálgico de Furby y ofreciendo a la generación Alpha todo lo que anhelan", dijo Kristin McKay, vicepresidenta y directora general de Hasbro (moda y preescolar), en un comunicado. La generación Alpha comprende a cualquier persona nacida desde 2010 hasta ahora.

El nuevo Furby. Crédito: Hasbro

Hasbro presentó a Furby por primera vez en 1998.

El Furby original, para horror de los padres y de sus seguidores más jóvenes, no tenía interruptor de apagado, lo que ponía a niños y mayores completamente a su merced, de día o de noche, cuando se "despertaba" aleatoriamente de un letargo silencioso y empezaba a hablar. (La única forma de silenciarlo por completo era quitarle las pilas).

No es de extrañar, pues, que el peludo juguete acabara siendo arrojado sin piedad al fondo de los armarios. Aun así, Hasbro dijo que vendió más de 40 millones de juguetes Furby en todo el mundo en los tres primeros años desde su lanzamiento.

En 2016, Hasbro lanzó Furby Connect, una versión del juguete que incorporaba Bluetooth para actualizar contenidos a través de una aplicación y un botón de apagado.

El último regreso de Furby no es del todo sorprendente, dijo Jim Silver, experto en la industria del juguete y CEO de Toys, Tots, Pets & More, un sitio web de revisión de la industria.

"Furby salió al mercado hace 25 años. Los niños que jugaban con él tenían entre seis y ocho años y ahora rondan la treintena. Son el grupo demográfico perfecto para los padres con hijos pequeños que recuerden Furby y quieran presentárselo a sus hijos", afirma Silver.

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Además, Silver afirma que el resurgimiento de los juguetes clásicos forma parte de una tendencia continua del sector, ya que otros fabricantes de juguetes se esfuerzan por apelar a la nostalgia de los millennials con hijos pequeños.

"Hay un dicho en la industria de los juguetes que dice que lo viejo vuelve a ser nuevo", afirmó. Transformers, las Tortugas Ninja y Barney son algunos de los clásicos que los jugueteros están trayendo de vuelta.

Está por verse si Furby desatará la misma manía que en 1998. "Replicar una moda es difícil", afirma Silver.

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(CNN Español) -- Los estamos viendo en todas partes y son sin duda “los" pantalones del verano. Se trata de los muy diferentes pantalones palazzo, cuya historia en la moda es tan fascinante como sus colores y diseños. Déjenme contarles.

En hindi le llaman patanda y son parte de ciertos estilos de ropa que llevan hombres y mujeres en la India. Y en Italia --donde se lanzaron con el nombre palazzo-- son una pieza de ropa glamorosa, de gran impacto y siempre llamativa. Y su forma --con un tope estrecho y una base ancha, de corte holgado-- ¡es parecida a los grandes y cómodos palacios! Y con la cintura marcada --y las piernas anchas y cómodas-- son frescos e ideales para el verano. Y a muchas personas que los saben llevar les favorecen mucho.

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(Crédito: STAN HONDA/AFP via Getty Images)

Ahora, ¡ojo! Y esto es MUY importante: si va a comprarse unos lindos palazzo sea muy consciente de su proporción. Carolina Herrera siempre me ha insistido en que debemos llevar ropa “proporcionada a nuestra estatura, nuestro peso y nuestra silueta”. Y con los palazzo, también cuida tener una buena postura. ¡Todo esto es la clave para lucir bien y no estar “ahogados por cortes equivocados y metros y metros de tela”! Busque modelos de palazzo de un largo correcto (para que no vaya a barrer los pisos) y un ancho moderado, para no lucir exagerada o incómoda. ¡Y lo mismo aplica a los hombres que quieran lucirlos!

¿Dónde se originaron?

La historia de la moda explica que los palazzo se inspiraron en la moda asiática de años atrás, cuando en la China antigua, y otros países asiáticos, a la nobleza de la época le gustaba usar pantalones anchos de seda. ¡Solo hace falta recordar los pantalones de Yul Brynner en el bello film "The King and I"!

(Crédito: Cortesía Lakin Ogubanwo)

Después, la muy vanguardista Coco Chanel los lanzó en los años 20 y aquello fue un escándalo que sorprendió a todos. Y poco después vimos actrices muy modernas --como Katharine Hepburn en los años 30-- que los llevaban. Décadas más tarde, en los 60 y 70 hicieron furor en Italia, con diseños fabulosos de Pucci, Galitzine y Missoni. ¡Y es increíble como las bellas vidrieras de Milán y Florencia los exhiben ahora en 2023!

Curiosamente, cuando en los años 60 y 70 muchos restaurantes de lujo no permitían entrar a mujeres usando pantalones (como le ocurrió en La Cote Basque de Nueva York a Jacqueline Kennedy), los palazzo fueron rescatados del olvido y de pronto solucionaban ese problema. Al ser tan anchos y fluidos parecían faldas o vestidos largos, y así eludían las absurdas reglas de vestir.

(Crédito: Cortesía Lara Khoury)

Y a fines de los 60 y 70 la revolución de la moda londinense de Carnaby Street trajo más cambios aún, con los famosos “bell bottoms” acampanados para hombres y mujeres, que se han vuelto a usar hoy en día.

Balmain ya relanzó palazzos en 2016, igual que Versace, ¡y hasta el famoso y muy clásico Giorgio Armani ha creado en 2023 sus icónicos “power suits” --o trajes poderosos-- con pantalones divinos, anchos, fluidos y muy elegantes, inspirados en los palazzo del ayer!

Siempre se los decimos. La moda va y viene, pero nunca desaparece.

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La exorbitante tasación se debe en parte a la rareza del Patek Philippe Reference 96 Quantieme Lune, uno de los ocho únicos que se conocen. Pero según la casa de subastas Phillips, que se encarga de la venta, la estimación de siete cifras también se debe a la extraordinaria historia del reloj, de 86 años, que fue llevado a Siberia durante los cinco años de encarcelamiento del exgobernante en la URSS.

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El reloj de platino de 1,2 pulgadas de diámetro tiene una esfera con números arábigos, agujas de oro rosa y una función de "fase lunar" que muestra la visibilidad de la Luna desde la Tierra en un momento dado. Algunos de sus mecanismos internos datan de 1929, aunque el modelo no fue vendido por Patek Philippe, relojero suizo conocido por instalar complicados movimientos en cajas delgadas, sino hasta 1937.

Se desconoce cómo adquirió Puyi el reloj, aunque los registros indican que se vendió inicialmente a través de una tienda de lujo de París. Phillips añadió que los documentos históricos demuestran que el antiguo emperador se lo llevó a un campo de prisioneros soviético en Jabarovsk. Más tarde, se lo regaló a Georgy Permyakov, que hablaba mandarín con fluidez y le sirvió de tutor y traductor al ruso durante su detención.

Puyi fotografiado en la ciudad de Changchun el 22 de marzo de 1932, tras su toma de posesión como jefe Ejecutivo del recién creado estado de Manchukuo, controlado por Japón. Crédito: AP

Puyi, en cuya vida se basó la galardonada película de 1987, "The Last Emperor", ascendió al trono siendo apenas un niño, en 1908. Se vio obligado a abdicar menos de cuatro años después, cuando una revuelta republicana derrocó a la dinastía Qing, aunque se le permitió seguir viviendo en el palacio imperial de Beijing (y fue restituido brevemente como emperador en 1917).

En 1924, huyó de Beijing y formó una alianza con Japón, que más tarde lo instaló como emperador de su Estado títere, Manchukuo, en la región de Manchuria, al noreste de China. Tras la derrota de Japón en la Segunda Guerra Mundial, Puyi fue capturado por las fuerzas soviéticas y retenido como prisionero de guerra. Según Phillips, entregó el reloj a Permyakov en 1950, justo antes de que el antiguo emperador regresara a China para ser juzgado por crímenes de guerra.

Según un comunicado de prensa, Phillips pasó tres años investigando la historia del objeto y confirmando su procedencia, un proceso que Thomas Perazzi, jefe de relojes para Asia de la casa de subastas, describió en un comunicado como un "proyecto de investigación sin precedentes con un equipo mundial de especialistas en relojes, historiadores, periodistas y científicos".

En su catálogo, Phillips cita al sobrino de Puyi, Yuyan (que estuvo encarcelado junto a él), que recuerda en sus memorias que su tío llevaba el reloj "a diario" mientras estuvo en Manchukuo. El catálogo también dice que Puyi había regalado previamente el reloj a su sobrino, pero que más tarde lo pidió de vuelta para dárselo a Permyakov.

El reloj tiene una esfera con números arábigos, agujas de oro rosa y una función de "fase lunar" que muestra el ciclo lunar. Crédito: Jess Hoffman

Casi una década después de regresar a China, Puyi fue indultado y vivió como civil en Beijing hasta su muerte, en 1967. Permyakov, por su parte, conservó el reloj hasta su muerte, en 2005, tras lo cual pasó a manos de sus herederos antes de ser consignado a Phillips por su actual propietario, en 2019. El reloj ha estado en exhibición en Nueva York, Singapur, Londres y Taipéi, y viajará a Ginebra antes de regresar a Hong Kong, donde saldrá a la venta en la nueva sede de Phillips en Asia, el 23 de mayo.

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El reloj se ofrece junto a otras posesiones de Puyi. Entre ellas se encuentran 15 acuarelas, atribuidas al cuñado de Puyi, Gobulo Runqi, y un abanico de papel rojo también regalado a Permyakov, con un poema inscrito por el antiguo emperador.

Uno de los cuadernos manuscritos de Puyi, que según Phillips "ofrece una visión nunca vista de [su] mente", también se venderá junto con su copia de "Las Analectas", de Confucio, y se espera que ambos objetos alcancen un total de más de US$ 25.000.

A esta venta seguirá una subasta de relojes de dos días de duración en Phillips, en la que se venderán unos 240 relojes. Entre las piezas históricas más destacadas figura un Omega Speedmaster Apollo XI 1969, de edición limitada, que en su día se regaló al astronauta de la NASA Charles "Pete" Conrad Jr., la tercera persona en poner un pie en la Luna.

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¿Buscaba realmente Diana vengarse cuando lució un vestido de cóctel negro sin hombros en 1994? ¿Mostró sutilmente la difunta reina Isabel II su apoyo a la Unión Europea convenientemente con un sombrero azul y amarillo? ¿Pretendía la confesión de Harry de que compraba en TK Maxx (el equivalente británico a TJ Maxx) hacerle más accesible a las masas?

Pero un miembro de la familia real ha conseguido hasta ahora mantener un perfil sartorial bajo, incluso cuando su distintivo estilo personal ha experimentado un cambio significativo. Camila, la esposa del rey Carlos, que el 6 de mayo se convertirá en la 29ª reina consorte coronada en la abadía londinense de Westminster, ha perfeccionado su imagen pública recurriendo en parte al poder blando de la moda.

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La evolución del estilo de Camila es una historia de dos mitades: desde prendas informales como abrigos, suéteres de punto y faldas veraniegas de lino hasta estilos más regios en terciopelo, ante y satén: antes de los compromisos reales y después, aunque siempre le ha gustado la moda. (Desplázate hacia abajo para verla en primera fila en el desfile de Chloé en la Semana de la Moda de París, 5 años antes de casarse con Carlos).

Crédito: PA Images/Alamy Stock Photo

En el hipódromo de Ludlow en 1980, la primera ocasión en que la princesa Diana y Carlos fueron vistos juntos en público, Camila y Diana iban a juego con botas de cuero hasta la rodilla y ropa de abrigo estructurada.

Crédito: PA Images/Alamy Stock Photo

Incluso en 1984, las marcas del estilo personal de Camila ya eran visibles. En la foto con su primer marido Andrew, su hijo Tom y su hija Laura, el collar de perlas de tres vueltas de Camilla, la chaqueta estructurada y la boina descentrada son piezas que ha vuelto a llevar una y otra vez.

Crédito: Shutterstock

En los terrenos de su casa de campo en Wiltshire, suroeste de Inglaterra en 1992, la reina consorte se veía acogedora y cómoda en suéteres de punto de colores vibrantes.

Crédito: Mathieu Polak/Sygma/Getty Images

Durante las décadas de 1980 y 1990, los trajes de falda a juego, completados con potentes hombreras, fueron un pilar en el guardarropa de Camila. En 1992, mientras asistía a un partido de polo en Smith's Lawn en Windsor, Camila optó por una combinación de gris y fucsia.

Crédito: Trinity Mirror/Mirrorpix/Alamy Stock Photo

Lejos de sus recientes estilos reales, Camila pudo ser vista una vez con un uniforme típico de la década de 1990 fuera de servicio: chaqueta negra y pantalones de mezclilla de cintura alta.

Crédito: Trinity Mirror/Mirrorpix/Alamy Stock Photo

Del mismo modo, durante el verano de 1993, el estilo personal de Camila era muy parecido. Como esta camiseta blanca de tirantes y maxifalda de lino. Aquí, fotografiada al aire libre con su primer marido, Andrew.

Crédito: Martin Keene/PA Images/Getty Images

Para el funeral de su madre, el 6 de junio de 1994, Camila lució un elegante traje de falda negro con detalles dorados, camisa azul marino y boina negra.

Crédito: Shutterstock

En una fiesta en el Ritz de Londres en 1995, Camila lució una de sus joyas favoritas: un collar de perlas de tres hilos completado por una piedra aguamarina central, combinado con un vestido de cóctel negro sin hombros.

Crédito: Simon Stevens/Gamma-Rapho/Getty Images

Mucho antes de que se esperara que Camila apoyara públicamente las exportaciones creativas británicas, se la vio animando a Stella McCartney durante su desfile de otoño-invierno 2000 para Chloé en la Semana de la Moda de París. Sobre sus rodillas llevaba un bolso cruzado Chloé Epi de cuero negro, con una correa de cadena dorada y cierre.

Crédito: Reuters

En una gala de moda benéfica organizada por Vogue para Macmillan Cancer Relief en 2001 en Waddesdon Manor, Buckinghamshire, Camila llegó con un atrevido vestido de jacquard con un elegante estampado de acuarela.

Crédito: Tim Graham Photo Library/Getty Images

En 2003, mientras asistía a otro evento de moda (esta vez, el concierto "Fashion Rocks" del Prince's Trust en el Royal Albert Hall), Camila fue fotografiada con la leyenda de la industria Dontella Versace. Llevaba de nuevo su fiel collar de serpentina de diamantes.

Crédito: Stephen Hird/Reuters

En su boda con Carlos de Inglaterra en 2005, Camila lució dos conjuntos. El primero era un abrigo blanco de seda y un vestido de gasa de Robinson Valentine rematado con un sombrero de plumas y encaje de Philip Treacy.

Crédito: Tim Graham/Corbis/Getty Images

El segundo estilo para la bendición de la pareja consistió en un vestido de seda azul bebé, también de Robinson Valentine, y un segundo sombrero de Philip Treacy con plumas con baño de oro. Los detalles dorados del abrigo de Camilla estaban bordados a mano.

Crédito: Chris Jackson/Getty Images

El terciopelo se convirtió rápidamente en una de las telas favoritas de Camila, que aparece aquí con un vestido azul marino sin hombros que lució en una gala en el Museo de Arte Moderno de Nueva York en 2005. Su gargantilla de aguamarina y perlas es otro básico.

Crédito: Mark Cuthbert/UK Press/Getty Images

En este estilo de 2006, Camila tiende un puente entre sus dos identidades con una chaqueta informal de tartán (combinada con un vestido verde bosque a juego) y un collar de uno de sus estilos favoritos.

Crédito: David Fisher/Shutterstock

Camila opta por otro vestido de noche de terciopelo en 2008 para asistir al estreno de "The Other Boleyn Girl" Royal Film Premiere en Londres.

Crédito: Chris Jackson/Getty Images

Camila ha recurrido incluso a diseñadores más alternativos. En el estreno de "Alice in Wonderland" (2010) en Londres, optó por un escultural vestido iridiscente de Vivienne Westwood.

Crédito: Chris Jackson/WPA-Pool/Getty Images

En los Tribunales Reales de Justicia en 2010, Camila conoció a la diseñadora británica Lulu Guinness. Guinness diseñó el bolso Jane de satén negro que Camila llevó esa noche. Llevaba un sello de primera clase bordado en lentejuelas de colores.

Crédito: Chris Jackson/WPA-Pool/Getty Images

En el Art Worker's Guild de 2015 en Londres, Camila optó por un elegante abrigo de tartán acabado con cuello y bolsillos de terciopelo aplastado.

Crédito: John Phillips/Getty Images

Las telas pesadas y lujosas están en una rotación casi constante en el guardarropa de Camila, demostrado aquí en la ceremonia de entrega del Premio Man Booker en 2016, con esta blusa de gamuza con paneles en granate.

Crédito: Peter Nicholls/Pool/Reuters

Vestida con un abrigo azul hielo de Bruce Oldfield y un sombrero sin ala a juego, el atuendo de Camila (llevado a la ceremonia oficial de puesta en servicio de un nuevo portaaviones en Portsmouth) acaparó titulares por su aspecto elegante.

Crédito: Eamonn M. McCormack/Getty Images

En los últimos años, Camila ha encontrado su ritmo con elegantes trajes de chaqueta en tonos oscuros con pequeños giros de diseño, como este look de cuello mandarín que lució en 2022.

Crédito: Samir Hussein/WireImage/Getty Images

Durante una visita al castillo de Colchester en marzo de 2023, Camila lució un elegante abrigo blanco. Su compromiso con la comodidad está siempre presente, sin embargo, demostrado aquí con su sombrero de ala ancha, con borde de piel.

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En la edición de este año, había aún más expectativa por la cantante originaria de Barbados, ya que en 2022 faltó a la Met Gala y su regreso generó gran expectativa en la audiencia.

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Finalmente, el tan ansiado retorno ocurrió. Rihanna llegó a la Met Gala 2023 como suele hacerlo: vestida de forma espectacular y apareciendo en la alfombra con un elegante retraso (otra veces ha sido de las últimas en llegar, pero ahora sí fue la última en presentarse en la gala).

La cantante usó un vestido blanco de Valentino con un sobretodo que rinde tributo a la icónica flor de Chanel. Por supuesto, su embarazo fue protagonista del espectacular look. Entre los accesorios se encontraban collares y zarcillos de perlas, unos guantes sin dedos blancos y unos lentes de sol blancos adornados con gigantescas pestañas.

(Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

(Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

A$AP Rocky y Rihanna en la Met Gala 2023. (Crédito: Mike Coppola/Getty Images)

A continuación, recordamos otros de los "outfits" de Rihanna en las ediciones pasadas de la Met Gala.

Rihanna en la Met Gala a través de los años

Met Gala 2021

La cantante Rihanna y A$AP Rocky también aparecieron en el último momento de la Met Gala 2021 y también se le consideró un regreso, pues en 2020 la gala fue pospuesta por la pandemia de covid-19.

Ambos cerraron la alfombra roja con un par de looks atrevidos: Rihanna lució un voluminoso vestido de alta costura de Balenciaga, complementado con un gorro y un accesorio de diamantes en la frente; A$AP Rocky, por su parte, lució una colorida creación acolchada de ERL.

La temática de ese año fue "In America: A Lexicon of Fashion".

Rihanna y A$AP Rocky en la Met Gala 2021. (Crédito: Arturo Holmes/MG21/Getty Images)

Rihanna en la Met Gala 2021. (Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

Met Gala 2018

En esta edición de la gala, la cantante fue una de las coanfitrionas de la noche junto con Amal Clooney, Donatella Versace, Stephen y Christine Schwarzman, y Anna Wintour (quien es editora en jefe de la revista Vogue y organizadora del evento).

El tema de 2018 fue "Heavenly Bodies: Fashion and the Catholic Imagination".

Rihanna lució una mitra —que es una indumentaria que usa el papa— y una capa diseñada por Margiela.

Rihanna en la Met Gala 2018. (Crédito: HECTOR RETAMAL/AFP vía Getty Images)

Rihanna en la Met Gala 2018. (Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

Met Gala 2017

La Met Gala de 2017 tuvo como temática "Rei Kawakubo: Art of the In-Between".

De acuerdo con Vogue, Rihanna utilizó un vestido floral de confección arquitectónica de Comme des Garçons para honrar a Rei Kawakubo.

Rihanna en la Met Gala 2017. (Crédito: Mike Coppola/Getty Images para People.com)

Rihanna en la Met Gala 2017. (Crédito: ANGELA WEISS/AFP vía Getty Images)

Rihanna en la Met Gala 2015

Ese año, la cantante utilizó un vestido de alta costura de la diseñadora china Guo Pei, para celebrar la temática de 2015 "China: Through the Looking Glass".

Es uno de los looks más icónicos que han pisado la alfombra roja de cualquier edición de la Met Gala.

La capa de color amarillo ribeteada en piel era tan grande que necesitó de tres personas para ayudar a transportarla.

Esa pieza fue minuciosamente bordada con motivos tradicionales chinos y requirió más de 50.000 horas para crearla a mano.

Rihanna en la Met Gala 2015. (Crédito: TIMOTHY A. CLARY/AFP vía Getty Images)

Rihanna en la Met Gala 2015. (Crédito: Neilson Barnard/Getty Images)

Met Gala 2014

En la gala de 2014 con temática "Charles James: Beyond Fashion", Rihanna utilizó un vestido blanco de dos piezas diseñado, según Vogue, por Stella McCartney.

Rihanna en la Met Gala 2014. (Crédito: Neilson Barnard/Getty Images)

Rihanna en la Met Gala 2014. (Crédito: John Lamparski/Getty Images)

Met Gala 2012

La gala de este año tuvo como tema "Schiaparelli and Prada: Impossible Conversations" y Rihanna vistió con un atuendo del diseñador Tom Ford.

El vestido era de piel y tenía la espalda descubierta, de acuerdo con Vogue.

Rihanna en la Met Gala 2012. (Crédito: Larry Busacca/Getty Images)

Rihanna en la Met Gala 2012. (Crédito: Larry Busacca/Getty Images)

Met Gala 2011

En la gala de 2011 con la temática "Alexander McQueen: Savage Beauty", Rihanna optó por un vestido de encaje color negro diseñado por Stella McCartney, según Vogue.

Rihanna en la Met Gala 2011. (Crédito: Stephen Lovekin/Getty Images)

Rihanna en la Met Gala 2011. (Crédito: Larry Busacca/Getty Images)

Met Gala 2009

La Met Gala 2009 tuvo como temática "The Model as Muse: Celebrating Fashion".

Rihanna utilizó ese año un traje y moño de Dolce & Gabbana.

Rihanna en la Met Gala 2009. (Crédito: Evan Agostini/AP)

Met Gala 2007

Fue la primera gala en la que participó la cantante Rihanna, de acuerdo con Vanity Fair.

Este año, "Poiret: King of Fashion" fue la temática de la Met Gala, en la que Rihanna usó un vestido blanco de Georges Chakra con aplicaciones de piedras y guantes de red, menciona Vogue.

Rihanna en la Met Gala 2007. (Crédito: Evan Agostini/Getty Images)

Rihanna en la Met Gala 2007. (Crédito: Evan Agostini/Getty Images)

Con información de Marysabel Huston-Crespo y Scottie Andrew, de CNN.

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Mira también: Met Gala 2023 en fotos: los “outfits” más atrevidos, las celebridades que asistieron y el tributo a Karl Lagerfeld

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La razón es sencilla: llena el evento con histrionismo y atuendos que dan mucho de qué hablar en las redes sociales. Estos son algunos de los más memorables.

Met Gala 2023: el año en el que Jared Leto fue un gato

Para la muestra un botón: durante la Met Gala de 2023 Leto llegó a la alfombra vestido completamente de gato. Sí, de gato.

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La peculiar elección se inspiró en Choupette, la famosa y querida gata del diseñador alemán Karl Lagerfeld, a quien se le rindió tributo en el evento de 2023.

(Crédito: Mike Coppola/Getty Images)

El atuendo generó reacciones variadas, desde el desconcierto de la cantante Lizzo hasta la carcajada de la actriz Anne Hathaway.

(Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

(Crédito: Mike Coppola/Getty Images)

Met Gala 2022: ¿quién es el verdadero Jared Leto?

Tan infames han sido los extravagantes atuendos de Leto que en la Met Gala de 2022 a la celebridad sueca Fredrik Robertsson lo confundieron con el actor cuando caminó la alfombra roja con un diseño de Iris Van Herpen.

Fredrik Robertsson durante la Met Gala 2022. (Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

Las redes sociales enloquecieron al darse cuenta que no era precisamente Leto. Por supuesto, el actor y cantante no pasó desapercibido a pesar de la confusión.

Leto caminó la alfombra roja junto al diseñador italiano Alessandro Michele, quien hasta en ese entonces era el director creativo de Gucci, marca que suele vestir al actor y cantante con frecuencia.

Lo que causó curiosidad fue la elección de Leto y Michele: ambos aparecieron con atuendos idénticos y dando un aire a las escalofriantes gemelas de la cinta de terror "The Shining".

De izquierda a derecha: el diseñador Alessandro Michele y Jared Leto. (Crédito: ANGELA WEISS/AFP via Getty Images)

De izquierda a derecha: el diseñador Alessandro Michele y Jared Leto. (Crédito: ANGELA WEISS/AFP via Getty Images)

El año que "perdió" la cabeza

En 2019, Jared Leto volvió a acaparar titulares de prensa por otra aparición escalofriante. No fue por su vestimenta sino por su accesorio: una cabeza, específicamente la suya, en sus manos.

Leto dijo a Liza Koshy en la transmisión de la alfombra roja de Vogue, que tanto el atuendo como la cabeza fueron diseñados por Gucci.

"Es algo bizarro", dijo Leto. El actor explicó que Alessandro Michele estuvo detrás de la idea de este atuendo. Ese año, la temática era "Camp: Notes on Fashion", lo que significa ser extravagante, salirse fuera del molde.

El look de Jared Leto en la Met Gala 2019. (Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

(Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

(Crédito: Neilson Barnard/Getty Images)

Met Gala 2018, cuando se inspiró en Jesucristo

La Met Gala de 2018 estuvo inspirada en el catolicismo. La temática central se denominó "Heavenly Bodies: Fashion and the Catholic Imagination", por lo que tomar referencias bíblicas era lo esperado en la alfombra roja.

Jared Leto, volviendo a robarse la atención de todos, personificó una de las figuras más reconocidas en la historia del catolicismo: Jesucristo.

Leto asistió a la alfombra roja con la cantante Lana del Rey y el entonces diseñador de Gucci, Alessandro Michele. Todos vistieron de esa casa italiana.

De izquierda a derecha: el diseñador Alessandro Michele, la cantante Lana del Rey y Jared Leto. (Crédito: Jason Kempin/Getty Images)

En la alfombra roja, Leto le dijo a Vogue que Michele era "el genio detrás" de su vestuario. "¿Quién mejor puede estar detrás de la temática de esta noche que un diseñador italiano que es católico devoto?", dijo Leto en una entrevista con la publicación.

Jared Leto en la Met Gala de 2018. (Crédito: Jason Kempin/Getty Images)

Su primera Met Gala

El debut de Jared Leto en la Met Gala fue en 2016, año en el que la temática principal era "Manus x Machina: Fashion in an Age of Technology".

Este fue el año en el que quizás el actor se vistió de una forma más conservadora. Lució un frac monocromático de Gucci, junto con un bastón y un broche de Cartier.

Jared Leto en su primera Met Gala. (Crédito: Mike Coppola/Getty Images for People.com)

(Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images)

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Como todos los años, el primer lunes de mayo (que en esta oportunidad coincide con el primer día del mes), celebridades y otras personalidades del mundo del entretenimiento asistieron a la gala en beneficio del Instituto de Vestuario del Met.

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Este año, la exhibición de primavera de 2023 del Instituto de Vestuario se centra en la vida y carrera del diseñador alemán Karl Lagerfeld, conocido ampliamente en el mundo de la moda por revivir la casa de modas parisina Chanel.

Dicha exposición contará con unas 200 piezas de Lagerfeld que estarán disponibles para al público entre el 5 de mayo al 16 de julio. La primera puntada en la celebración de la vida del diseñador es precisamente la Met Gala.

Muchas perlas, atuendos monocromáticos, brillantes, rosas y hasta gatos llenaron la alfombra “roja” del evento. Una particularidad de este año es que el color de la alfombra cambió a crema con dos líneas, una azul y otra roja.

Entre las sorpresas de la noche estuvieron los anuncios de embarazo de la tenista Serena Williams y la supermodelo Karlie Kloss.

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El código de vestimenta de 2023 es "In honor of Karl". ¿Cómo interpretaron los invitados esta temática? Estos fueron los "outfits" que desfilaron en la alfombra más esperada del año en el mundo de la moda.

Los anfitriones del Met Gala 2023

Además de Anna Wintour, editora en jefe de la revista Vogue y organizadora del evento, los copresidentes de la gala fueron las actrices Michaela Coel y Penélope Cruz, la leyenda del tenis Roger Federer y la cantante Dua Lipa. Estos fueron sus atuendos:

Michaela Coel vistió un Schiaparelli con 130.000 cristales y 3.800 horas de trabajo, según dijo la actriz a Vogue en la transmisión de la alfombra “roja” del evento.

Según Coel, el tributo a Lagerfeld está presente en detalles como las perlas que decoran su vestido.

(Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

Penélope Cruz deslumbró con un look monocromático, como le gustaba vestir al diseñador alemán.

El atuendo –que podría asemejar un vestido de boda– es un Chanel couture de 1988. El vestido cuenta con un escote palabra de honor (sin tirantes o strapless en inglés), del cual se desprende la capucha con la que cubrió parte de su cabeza.

El vestido está cubierto con brillantes y perlas.

(Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

Para su segunda Met Gala, Dua Lipa usó un vestido vintage de Chanel que Claudia Schiffer modeló en 1992.

La cantante dijo a Vogue que este vestido ha estado en su “mood board” durante un tiempo y que, al momento de enterarse que estaría como coanfitriona del evento, pidió usar precisamente la pieza.

(Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

La leyenda del tenis Roger Federer personificó el look clásico a la Lagerfeld a la perfección: un conjunto monocromático, con camisa de vestir blanca y gafas de sol negras.

(Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

Los hispanos que asistieron a la Met Gala

Bad Bunny también dijo presente y... ¡de qué manera! El cantante lució un traje blanco, de la cabeza a los pies. El detalle particular es la cola de flores.

(Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

(Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

Bad Bunny sorprendió con una espalda descubierta adornada con una cadena de la que guindaba una letra J.

Todo el outfit es del diseñador francés Jacquemus.

(Crédito: Mike Coppola/Getty Images)

La cantante brasileña Anitta lució espectacular con un diseño de Marc Jacobs, según dijo a través de su cuenta de Instagram.

(Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

(Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

La actriz mexicana Salma Hayek Pinault asistió a la Met Gala con un vestido de Gucci decorado con perlas que caen sobre sus brazos.

(Crédito: Mike Coppola/Getty Images)

El cantante colombiano Maluma también optó por un color que solía usar Karl Lagerfeld, el gris, además de lentes de sol.

Maluma indicó en sus stories de Instagram que Hugo Boss lo vistió.

(Crédito:Jamie McCarthy/Getty Images)

El actor del momento de Hollywood, Pedro Pascal, rompió con el mar blanco de la alfombra con este conjunto rojo y negro. Lo particular es que fue uno de los pocos que posó ante las cámaras vistiendo unas bermudas.

(Crédito: Theo Wargo/Getty Images for Karl Lagerfeld)

El actor español Manu Ríos es otro que entendió la temática: lució un traje monocromático y guantes sin dedos negros, como los que solía usar Karl Lagerfeld.

(Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

El regreso de Rihanna a la Met Gala

Elegantemente tarde, así fue la aparición de Rihanna, una de las asistentes más recordadas y mencionadas de la alfombra roja de la Met Gala. Este año regresó al evento y generó impacto.

Sí, se hizo esperar (fue la última en llegar), pero RiRi no defraudó. La cantante asistió junto a su pareja, el rapero A$AP Rocky. Por supuesto, su embarazo fue protagonista del espectacular look que lució en el evento.

La cantante usó un vestido blanco de Valentino con un sobretodo que rinde tributo a la icónica flor de Chanel. Entre los accesorios se encontraban collares y zarcillos de perlas, unos guantes sin dedos blancos y unos lentes de sol blancos adornados con gigantescas pestañas.

(Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

(Crédito: Theo Wargo/Getty Images for Karl Lagerfeld)

(Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

A$AP Rocky y Rihanna en la Met Gala 2023. (Crédito: Mike Coppola/Getty Images)

(Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

Choupette: protagonista de la alfombra

¡Oh, Choupette! La famosa y muy querida gata de Karl Lagerfeld, que fue inspiración para varios diseños de su propia marca, también fue musa para la cantante Doja Cat.

En su primera Met Gala, Doja decidió, más que llevar un gato o algo alusivo, "convertirse" en gata. Si alguien podía hacerlo es precisamente ella.

La cantante llevó un vestido Oscar de la Renta y las prótesis en su rostro, que completan el look felino, fueron realizadas por su amiga Melina, dijo Doja Cat a Vogue.

(Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

Otro que se tomó muy en serio a Choupette como musa fue el cantante y actor Jared Leto quien fue vestido, literalmente, como un gato.

(Crédito: Mike Coppola/Getty Images)

(Crédito: Mike Coppola/Getty Images)

• Jared Leto y la Met Gala a través de los años

Leto desfiló con otro atuendo negro con una capa del mismo color, decorada con brillantes en los hombros.

(Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

El rapero Lil Nas X también se inspiró en la gata de Lagerfeld para este espectacular y muy brillante look felino.

El rapero Lil Nas X. (Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

En el rostro, el cantante lució perlas –favoritas de Lagerfeld– que completaban los bigotes de gato y la mirada felina.

(Crédito: ANGELA WEISS/AFP via Getty Images)

Un tributo a Lagerfeld a través de accesorios

Quizás sea extraño ver una bicicleta en la alfombra "roja" de la Met Gala, pero para los conocedores de Karl Lagerfeld, la elección de accesorio no está tan fuera de lugar. Justamente, Lagerfeld usó la bicicleta como inspiración en varios de sus diseños.

Esto explica la elección del cantante David Byrne para el evento:

(Crédito: ANGELA WEISS/AFP via Getty Images)

Lagerfeld también era fotógrafo y su pasión era tal que captó con su lente varias campañas de Chanel. Es por ello que la rapera estadounidense Ice Spice usó una cámara de fotos vintage como accesorio.

(Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

Los lentes negros no faltaron: además de Usher y Roger Federer, los diseñadores Tom Ford y Michael Kors, así como la actriz Jessica Chastain, caminaron la alfombra con sus gafas de sol.

(Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

(Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

(Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

Las caudas más impactantes del Met Gala 2023

¿Qué sería de la Met Gala sin un vestido con una cola kilométrica que cubra la escalera del Museo Metropolitano? Este año, la que nos regaló esa imagen fue la cantante Rita Ora.

Un aspecto interesante es que de las uñas de Ora se desprenden cadenas.

(Crédito: Mike Coppola/Getty Images)

Quizás la cola más impactante fue la que desfiló el actor Jeremy Pope: tenía el perfil de Karl Lagerfeld dibujado en la misma.

Jeremy Pope. (Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

La actriz Lily Collins rindió tributo a Lagerfeld con el nombre del diseñador, Karl, escrito en la cola de su vestido.

Lily Collins. (Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

La actriz Glen Close también llevó una espectacular cola.

La actriz Glenn Close y el diseñador Erdem Moralıoğlu. (Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

La cantante Ava Max usó un vestido blanco, decorado con perlas y brillantes y una sutil cola.

La cantante Ava Max. (Crédito: Theo Wargo/Getty Images for Karl Lagerfeld)

Otros atuendos destacados de la Met Gala

La actriz Anne Hathaway lució un vestido Versace blanco, realizado con una tela usada por Chanel, el tweed. Su estilista realizó una rosa en su cabello, otro detalle con el que rinde tributo a Lagerfeld.

(Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

El actor, director y guionista Taika Waititi deslumbró en la alfombra con looks monocromáticos, rosas, cadenas y perlas... muy Karl.

(Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

Usher fue otro que entendió a la perfección la asignación de la noche. La diseñadora Bianca Saunders, que asistió al evento junto al cantante, curó su atuendo que contó con un traje negro, una camisa de vestir blanca, guantes de cuero negro y lentes de sol negros. Usher también vistió un broche con brillantes y perlas en el cuello.

(Crédito: Theo Wargo/Getty Images for Karl Lagerfeld)

Nicole Kidman fue otra de las que recurrió a un Chanel vintage. Precisamente el que usó hace 20 años para el comercial de Chanel No. 5.

El cantante Keith Urban y su eposa la actriz Nicole Kidman. (Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

La actriz Gabrielle Union y su esposo, el basquetbolista, Dwyane Wade. (Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

La modelo Naomi Campbell. (Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

El actor Pierce Brosnan y su esposa, la periodista Keely Shaye Smith. (Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

El actor Hugh Jackman y su esposa Deborra-Lee Furness. (Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

Gisele Bündchen. (Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

Rami Malek. (Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

Amanda Seyfried. (Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

Ashley Graham. (Crédito: Theo Wargo/Getty Images for Karl Lagerfeld)

Kerry Washington. (Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

La modelo Anok Yai. (Crédito: ANGELA WEISS/AFP via Getty Images)

Kim Petras. (Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

La actriz Emily Blunt.(Crédito: Mike Coppola/Getty Images)

Lizzo. (Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

La actriz Florence Pugh. (Crédito: Mike Coppola/Getty Images)

Serena Williams. (Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

La actriz Jenna Ortega. (Crédito: Mike Coppola/Getty Images)

Kendall Jenner. (Crédito: Dimitrios Kambouris/Getty Images for The Met Museum/Vogue)

Kylie Jenner. (Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

Kim Kardashian. (Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

Cardi B. (Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

Billie Eilish. (Crédito: Theo Wargo/Getty Images for Karl Lagerfeld)

Cara Delevingne. (Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

Janelle Monáe. (Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

Gigi Hadid. (Crédito: Jamie McCarthy/Getty Images)

Yung Miami y Sean ‘Diddy‘ Combs. (Crédito: Theo Wargo/Getty Images for Karl Lagerfeld)

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Este lunes 1 de mayo se llevará a cabo el popular evento —la transmisión de la alfombra roja comenzará a las 6:30 p.m. hora de Miami— y los invitados deberán ceñirse a la temática “In honor of Karl”.

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La Met Gala de esta noche será un tributo para el fallecido diseñador de modas de origen alemán, quien trabajó para diversas casas, entre ellas Chanel, a la que llevó a lo más alto de la industria.

Mientras esperamos los atuendos inspirados en el diseñador para la gala de este lunes, te presentamos algunos detalles de la vida de Lagerfeld para que lo conozcas mejor.

¿Quién era Karl Lagerfeld?

Lagerfeld nació en Hamburgo, Alemania, en 1933, y falleció en París, Francia, en 2019.

Comenzó a forjar su carrera cuando ganó un concurso de diseño de ropa de mujer en 1954. Esa misma década, empezó en París trabajando con Pierre Balmain y unos años más tarde se mudó a la casa de Patou (House of Patou).

Tuvo trabajos como freelancer para Chloé y fue contratado por la casa de moda italiana Fendi en 1967 como director consultor, responsable de modernizar las líneas de pieles de la casa italiana.

El alemán alcanzó la fama global a través de Chanel, a donde llegó en 1983 para tomar las riendas de esta casa de moda francesa.

El diseñador fue director creativo de Chanel desde 1983 hasta su muerte en febrero de 2019, así como de Fendi desde finales de la década de 1960.

El Fashion Institute of Design & Merchandasing Museum (FIDM) en Los Ángeles indica que Lagerfeld revivió a la marca tras la muerte de su fundadora, Coco Chanel, en 1971.

“Su mezcla particular de impertinencia, fantasía y conciencia cultural fue la respuesta perfecta para revivir la venerada casa”, dice el FIDM en su página web.

Fue también Lagerfeld el que logró que Chanel se convirtiera en un nombre cotidiano entre los jóvenes amantes de la moda.

Rara vez se vio a Karl Lagerfeld sin sus gafas oscuras, una cola de caballo plateada y guantes sin dedos, lo que le valió la reputación de ser el hombre más reconocido de la moda.

(Crédito: PATRICK KOVARIK/AFP vía Getty Images)

Así le reconocieron cuando falleció

Estas fueron algunas de las palabras que le dedicaron a Lagerfeld tras su fallecimiento en febrero de 2019:

• El jefe de LVMH, propietario de la casa rival Louis Vuitton, dijo que el mundo de la moda había "perdido una gran inspiración". "Hemos perdido un genio creativo que ayudó a hacer de París la capital mundial de la moda, y de Fendi una de las casas italianas más innovadoras. Le debemos mucho: su gusto y talento fueron los más excepcionales que he conocido", dijo Bernard Arnault, presidente y director ejecutivo de LVMH, en un comunicado. "La muerte de este querido amigo me entristece profundamente a mí, a mi esposa y a mis hijos. Lo amamos y lo admiramos profundamente", añadió.
• Donatella Versace lo llamó un genio que "tocó las vidas de tantos", especialmente de su fallecido hermano Gianni Versace.
• El editor en jefe de British Vogue, Edward Enninful, llamó a Lagerfeld "uno de los mejores diseñadores de la historia de la moda". "Él ha ejercido una influencia increíble sobre la industria de la moda en las últimas seis décadas", dijo Enninful en un comunicado.
• "Karl fue un genio y siempre fue tan amable y generoso conmigo tanto personal como profesionalmente", escribió Victoria Beckham.

Con información de Marysabel Huston-Crespo, Jacqui Palumbo y Tara John, de CNN.

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El acto, celebrado en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, coincide con la inauguración de una retrospectiva de la obra de Lagerfeld en el Costume Institute del museo. El diseñador alemán fue conocido sobre todo por llevar la dirección creativa de Chanel durante más de tres décadas y de Fendi durante medio siglo, pero también dejó su impronta en Chloé, Patou y Balmain a lo largo de su carrera, además de dirigir su propia marca homónima.

Aunque las fotos de la alfombra roja de la Met Gala son accesibles al instante, la documentación de la fastuosa gala ha cambiado en los últimos años, ya que los fotógrafos se han limitado en gran medida a captar las entradas de los asistentes, muy posados; las imágenes que salen de la zona de prensa, estrechamente controlada, son pulidas y repetitivas. Para ver a los famosos relajados (por ejemplo, a Bella Hadid y Marc Jacobs reunidos en el baño para fumar) hay que recurrir a las fotos de después de la fiesta o a sus perfiles de Instagram.

Las imágenes de las galas de antaño atraen por su factor nostálgico y su estilo retro, pero también revelan un ambiente más relajado.

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La fotógrafa Rose Hartman pudo percibir la estrecha amistad entre Lynda Carter y Blaine Trump mientras compartían unas risas. (Crédito: Rose Hartman/Getty Images)

La fotógrafa Rose Hartman, que fotografió la gala durante décadas hasta principios de la década de 2000, recordó por teléfono una época en la que había más libertad para moverse y relacionarse con los asistentes. En 1986, fotografió a la actriz Lynda Carter y a Blaine Trump riendo a carcajadas.

"Estaban tan contentas hablando entre ellas en lugar de posando", dijo Hartman a CNN en 2020. "Siempre que puedo intento captar a personas que están comprometidas entre sí".

El fotógrafo Ron Galella, quien ha fotografiado la gala desde 1967, tenía un sistema preparado para captar las mejores instantáneas, desde las llegadas al guardarropa hasta la planta del museo y la cena. "Era fácil fotografiar el interior", escribió por correo electrónico en 2020. "Una tarjeta de prensa de Nueva York era todo lo que necesitabas para entrar". (Cuando los pases de prensa acabaron siendo limitados, hubo años en los que se coló por la entrada de empleados).

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Cher fuma un cigarrillo durante la Met Gala de 1974. (Crédito: Ron Galella/Getty Images)

A lo largo de las décadas, desde su primera edición en 1948, la gala ha pasado de ser una ostentosa fiesta celebrada en locales como el Rainbow Room de Manhattan a convertirse en un espectáculo de moda. La alta sociedad y los artistas han cedido el protagonismo a las celebridades de primera fila, que son noticia por su forma de interpretar o despreciar el tema de la noche.

El tema se basa en la nueva exposición del Costume Institute, como la de este año, "Karl Lagerfeld: A Line of Beauty". Otros temas se inclinaron más hacia lo conceptual, desde "Camp: Notes on Fashion" de 2019 y "Heavenly Bodies: Fashion and the Catholic Imagination" de 2018. Pero también se ha honrado a diseñadores individuales en años anteriores, incluyendo a Rei Kawakubo en 2017, y Alexander McQueen, el año después de su muerte, en 2011.

Ron Galella captó este momento de Iman, Paloma Picasso y Raphael López Sánchez en la Met Gala de 1983, que rindió homenaje a la obra de Yves St. Laurent. (Crédito: Ron Galella/Getty Images)

El viraje en la lista de invitados y el ambiente se debió en gran medida a un cambio generacional de visión. En los años 70, Diana Vreeland, editora de Vogue, convirtió la gala en la velada inaugural de las grandes exposiciones del Instituto e invitó a la crème de la crème del mundo de la moda y la sociedad neoyorquina. Su sucesora, Anna Wintour, ha favorecido a músicos, actores y figuras del espectáculo de alto nivel, utilizando las entradas de cinco cifras del evento para recaudar millones de dólares cada año.

En 1999, el primer año de Wintour como presidenta del evento, Hartman tomó una fotografía de la redactora jefe de Vogue entrando con el antiguo redactor jefe André Leon Talley, fallecido en 2022. La imagen de ambos es alegre, con los dos editores resplandecientes en sus trajes y en movimiento.

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Las supermodelos Kate Moss y Christy Turlington hacen el tonto en la Met Gala de 1995. (Crédito: Ron Galella/Getty Images)

"Me encanta el hecho de que caminen en lugar de estar de pie", afirma Hartman. "Me encanta el gesto de sus movimientos".

El vasto archivo de imágenes de la Met Gala de Galella, que publicó en un libro en 2019, también muestra los gestos entrañables entre las celebridades cuando no anticipan el flash de una cámara. En 1983, fotografió a la supermodelo Iman y a la diseñadora Paloma Picasso riendo mientras el marido de Picasso se agachaba para abrazar por la cintura a la escultural Iman. En 1995, captó a Christy Turlington burlándose aparentemente de Kate Moss, deslizando un dedo por la espalda peligrosamente escotada del vestido blanco de Moss.

Galella cree que es un sentimiento universal querer ver a la élite del espectáculo y la moda bajar la guardia. "Los vemos en las películas, los vemos como superestrellas. Pero yo quiero verlos como seres humanos", declaró anteriormente a Forbes. "¿Cómo de guapos son cuando no están actuando?".

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El Museo de Arte Metropolitano de Nueva York, mejor conocido como el Met Museum, recibirá el primer lunes de mayo –como es costumbre– a ricos y famosos a su gala anual.

Este año la fecha coincide con el inicio de mes: el 1 de mayo disfrutaremos de una de las alfombras rojas más pintorescas del año.

Esto es lo que podemos esperar del evento.

La temática: un tributo al legado de Karl Lagerfeld

Para la Met Gala 2023, los invitados deberían ceñirse a la temática de la noche: “In honor of Karl”, o un tributo al diseñador alemán, quien estuvo detrás de casas de moda como Chanel.

La revista Vogue dijo en su página web que los invitados podrían optar por usar alguna pieza diseñada por Lagerfeld, vestir piezas modernas de Chanel o Fendi, o –si tienes un gato a tu disposición– llevarlo al evento y emular al diseñador con tu vestimenta.

Lagerfeld era conocido por sus trajes monocromáticos (usualmente negros o grises con una camisa de vestir blanca), sus lentes de sol negros, los guantes de cuero negro y broches o cadenas como parte de sus accesorios.

(Crédito: PATRICK KOVARIK/AFP via Getty Images)

Asistentes a la Met Gala 2023

Uno de los pasatiempos favoritos de la prensa –y espectadores– es tratar de adivinar quién está en la codiciada lista de invitados de Anna Wintour, editora en jefe de Vogue y organizadora del evento.

La lista en sí es secreta, pero existe por supuesto la acostumbrada especulación sobre quiénes serán los asistentes. La prensa incluye casi todos los años a las Kardashians entre los esperados a subir los escalones del Met.

Lo que sí sabemos es quiénes son los copresidentes –o anfitriones– de la gala: las actrices Michaela Coel y Penélope Cruz, la leyenda del tenis Roger Federer y la cantante Dua Lipa.

Entre los asistentes habituales del evento se encuentra el actor y cantante Jared Leto, quien además encarnará a Karl Lagerfeld en una cinta biográfica sobre el diseñador, la cual también producirá. Es posible que este año también forme parte de la alfombra roja.

¿Se puede ver desde internet?

El mejor lugar para disfrutar de la Met Gala es a través de las redes sociales de la revista Vogue. Como organizadores del evento tendrán una mirada exclusiva a la gala así como las entrevistas con las personalidades que asistan al evento.

La alfombra roja también se transmitirá en vivo a través de a página de Vogue a partir de las 6:30 p.m. hora de Miami.

Instagram también será parte de la alfombra roja. La red social colaborará junto a la muy famosa cuenta @sainthoax, en la que se verá en tiempo real los pormenores de la gala.

¿Quién fue Karl Lagerfeld?

Nació en Hamburgo, Alemania, e inició su carrera en la moda tras ganar un concurso de diseño en 1954.

El director creativo y diseñador se paseó por algunas de las marcas de alta costura parisinas más conocidas como Chloé, Balmain y Patou. Pero fueron en dos casas de moda, una francesa y otra italiana en donde hizo huella: Chanel y Fendi.

Según la Enciclopedia Británica, Lagerfeld fue el responsable de modernizar la colección de piel de Fendi al ser el pionero en usar pieles de conejo, ardilla y topo en alta costura.

El alemán alcanzó la fama global a través de Chanel, a donde llegó en 1983. El Fashion Institute of Design & Merchandasing Museum (FIDM) en Los Ángeles indica que Lagerfeld revivió a la marca tras la muerte de su fundadora, Coco Chanel, en 1971.

“Su mezcla particular de impertinencia, fantasía y conciencia cultural fue la respuesta perfecta para revivir la venerada casa”, dijo el FIDM en su página web.

Fue también Lagerfeld el que logró que Chanel se convirtiera en un nombre cotidiano entre los jóvenes amantes de la moda.

Muchos fueron los momentos destacados de Lagerfeld en su carrera, pero Latinoamérica vivió uno muy especial.

En 2016, el diseñador llevó la pasarela de Chanel a La Habana, Cuba. El espectáculo causó impacto y encabezó titulares a nivel global por el contraste de la alta moda y las edificaciones que rodean el céntrico Paseo del Prado en La Habana. Celebridades como el actor Vin Diesel y la supermodelo Gisele Bündchen estuvieron presentes en el evento.

Además de trabajar con estas casas de alta costura, el diseñador también creó su propia marca: Lagerfeld.

El 19 de febrero de 2019 se conoció la noticia que Karl Lagerfeld había fallecido a los 85 años. Fue confirmada por una vocera de prensa de Chanel.

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(CNN Español) -- Mi primer encuentro con una minifalda fue durante mi primera visita a Londres. Eran los comienzos de los años setenta, y ya en los sesenta la diseñadora Mary Quant había revolucionado la moda internacional con aquella faldita corta –¡supercorta!– bautizada como “mini”, y que había escandalizado a medio mundo.

Yo había llegado a Londres y era mi primer viaje a esa ciudad, y al instante me volví loca cuando en Carnaby Street visité aquellas tiendas psicodélicas, vi aquellas vidrieras maravillosas y las calles llenas de gente joven vestida media loca, al estilo de The Beatles, de la famosa modelo Twiggy, delgada como un palito y con enormes pestañas postizas, y cientos de minifaldas con mil colorines. ¡Aquello fue el shock más excitante y fabuloso de mi vida! Nunca lo olvidaré.

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Y ahora, con la reciente muerte de la creadora de la minifalda, Mary Quant –a los 93 años– volví a revivir aquellos días y me di cuenta de que aquella influencia y muchas innovaciones creadas por ella siguen vivas y coleando, hasta el día de hoy.

La autora en Londres a comienzos de la década de 1970. (Crédito: Mari Rodríguez Ichaso)

Y aunque el diseñador André Courreges siempre dijo que él había creado ese look, a Quant se le considera la “madre de la minifalda”. Y la propia reina Isabel la honró por sus logros hace años, haciéndola dame –o dama– del Imperio británico. Se reconoció que tuvo una influencia tan grande en la moda y que todo lo que creó ¡no ha dejado de ser tendencia! Y su silueta corta, amplia, cómoda y moderna, típica del Swinging London de aquellos años, siguió marcando moda. Y esos diseños que lanzó, y que le valieron críticas horribles al comienzo, incluyendo algunas que llamaban la minifalda immoral, siguieron evolucionando a través de las décadas de manos de otros creadores, hasta que en el siglo XXI vemos esas tendencias, incluso aumentadas.

Por eso, siempre se ha dicho que más que diseñar una moda, Mary Quant –con sus irreverencias– creó una revolución sexual en el mundo. Revolución total, con vestidos deconstructed diferentes, y estilos tan provocativos, tan nuevos y tan rompedores, que no se fueron nunca del mundo de la moda.

Recuerdo haber regresado de aquel viaje a Londres con un vestido minifalda color malva, sin entalle alguno y que parecía volar, ¡y un sombrero de ala ancha y unas botas altas de charol blanco! Cuando llegué a mi casa, mi mamá (yo era muy joven y soltera y vivía con mis padres) me dijo: “Pero… ¿de qué estás disfrazada? ¿Qué es eso que llevas? El vestido es tan corto que parece que le falta tela”. Yo, sin embargo, me sentía feliz y la persona más fashionable del universo.

La modelo británica Twiggy el 19 de mayo de 1966 en Reino Unido. (Crédito: Terry Disney/Express/Hulton Archive/Getty Images)

Y, poco a poco, me fijé que yo estaba un poco retrasada en mi conocimiento de la moda, porque aquí, en las calles de Nueva York, ya había mucha gente vestida así. ¡La minifalda había llegado en los sesenta, había triunfado y se había quedado! ¡Y la creatividad de Mary Quant, quien dijo que “llevar una mini era una forma de rebeldía”, no tenía frenos!

Unos pocos años más tarde, en los setenta, surgió la moda midi como competencia –y una especie de contraste– a la mini. Y aquellos vestidos largos que llegaban al tobillo y se usaban con botas altas, también los compré, pero la midi (más abrigada en invierno, sin lugar a dudas) no duró mucho tiempo, porque la juvenil y divertida mini ya había reclamado su puesto para la eternidad de la moda.

Hoy, queremos rendir homenaje a Mary Quant, la pionera creadora, que nos hizo sentir libres, movernos con facilidad, y lo hizo no solo con las minifaldas, sino con suéteres, con vestidos acampanados muy cortitos, que eran todo movimiento, el uso de pantimedias o tights de colores vibrantes ¡y toneladas de máscara o Rimmel en las pestañas! Y en aquella nueva forma de vestir –que los hombres también adoptaron con nuevas piezas, chalecos y grandes pantalones acampanados de mil colores– todo era libertad… ¡Pura libertad! Y por eso, hasta el día de hoy, su influencia en la moda ha quedado para siempre. ¡Bravo y muchas gracias, Mary Quant!

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Entre otras cosas, Margot Robbie, en el papel protagonista, y el Ken de Ryan Gosling lucen atuendos rosa chicle a juego mientras viajan en un descapotable hacia el mundo real. Robbie muestra su estilo vacacional más chic (la boina, el vestido entallado y la trenza de lado son una mezcla de "Emily en París" y Barbiecore), mientras que Gosling aprovecha la fama de su esposa con una chaqueta con el logotipo de la "B".

"¿Trajiste los patines?”, pregunta Barbie. "Literalmente, no voy a ninguna parte sin ellos", responde Ken, mostrando un par de patines amarillos que se vieron en unas fotos filtradas el año pasado.

La película (distribuida por Warner Bros. Pictures, propiedad de la empresa matriz de CNN) llegará a los cines en julio, y el nuevo tráiler deja entrever la dedicación de Gerwig a la construcción del mundo y el estilo de Barbie, ya desde el primer plano en el que los pies de Barbie se salen de los zapatos pero conservan su característico arco alto.

Barbie se enfrenta a las limitaciones estructurales de su mundo y de su cuerpo de plástico. Crédito: De Warner Bros. Pictures

"Sacar el pie del tacón y que siga teniendo la forma del pie de Barbie... ESO ES CINE", tuiteó Luxx Noir London, exconcursante de "RuPaul's Drag Race".

Lo que se sabe de “Barbie Land”

El tráiler de esta semana iba acompañado de una serie de carteles que lanzaban a los espectadores a la caza de pistas sobre las muñecas que cobrarán vida. Los fans más incondicionales de la franquicia reconocerán a los nuevos personajes, como Allan (Michael Cera), que parece ser el "colega" de Ken de la década de 1960, y Midge (Emerald Fennell), que parece estar inspirada en una muñeca embarazada del mismo nombre que fue retirada de WalMart en 2002 debido a las quejas de los clientes.

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A ellas se unen Issa Rae como Barbie presidencial, Dua Lipa como Barbie sirena y Kate McKinnon, que tiene el estilo de cabello, maquillaje y ojos intensos de una muñeca que ha visto demasiado.

Mientras tanto, el vestuario de la película ha despertado las expectativas desde el pasado mes de junio, cuando las fotos del rodaje de Robbie y Gosling, que fueron vistos con trajes de vaquera y vaquero y conjuntos de patinaje en colores neón, con rodilleras y viseras, hicieron arder el Internet.

El verano pasado, las imágenes del rodaje de Margot Robbie y Ryan Gosling patinando en Venice, Los Ángeles, se hicieron virales. (Foto: MEGA/GC Images/GC Images/Getty Images)

"Parece que nos estamos riendo y divirtiendo, pero nos estamos muriendo por dentro, muriendo", dijo Robbie a Jimmy Fallon después de que las imágenes se hicieran virales. "Yo estaba como: 'Este es el momento más humillante de mi vida'".

Los detalles de la trama permanecen bajo alto secreto, pero Robbie ha dicho que "Barbie" no se parecerá en nada a lo que esperan los espectadores.

"Nos gustan las cosas que se sienten un poco a la izquierda del centro", dijo a The Hollywood Reporter en 2020.

"Algo como Barbie, donde la propiedad intelectual, el nombre en sí, la gente inmediatamente tiene una idea de: 'Oh, Margot está interpretando a Barbie, sé lo que es', pero nuestro objetivo es ser como: 'Sea lo que sea que estés pensando, vamos a darte algo totalmente diferente, lo que no sabías que querías'".

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Whang-Od, también conocida como Maria Oggay, lleva perfeccionando el arte del tatuaje a mano desde que era una adolescente, bajo la tutela de su padre.

Reside en la aldea montañosa de Buscalan, a unas 15 horas al norte de Manila, en la provincia de Kalinga, y está considerada la mambabatok —o tatuadora tradicional de Kalinga— más antigua del país.

En el pasado, los tatuajes hechos a mano que Whang-Od crea con una vara de bambú, una espina de pomelo, agua y carbón eran para los guerreros indígenas butbut.

Ahora, gran parte de su clientela está formada por visitantes internacionales que buscan sus característicos diseños geométricos.

Apo Whang-Od es la protagonista de la portada de Vogue Filipinas de abril.

"Considerada como la última mambabatok de su generación, ha impreso los símbolos de la tribu Kalinga —que significan fuerza, valentía y belleza— en la piel de miles de personas que han peregrinado hasta Buscalan", decía Vogue Filipinas en un post en las redes sociales.

Este arte sólo puede transmitirse a los parientes consanguíneos, y Whang Od lleva varios años formando a sus sobrinas nietas Elyang Wigan y Grace Palicas.

"(Mis amigos que hacían tatuajes) han fallecido todos", dijo Whang Od a CNN Travel en el 2017.

"Soy la única que queda viva que sigue haciendo tatuajes. Pero no tengo miedo de que la tradición termine porque (estoy entrenando) a las próximos maestros del tatuaje."

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"La tradición continuará mientras la gente siga viniendo a hacerse tatuajes", añadió.

"Mientras pueda ver bien, seguiré tatuando. Dejaré de hacerlo cuando se me nuble la vista".

La redactora en jefa de Vogue Filipinas, Bea Valdés, dijo que el personal de la publicación decidió por unanimidad que Whang-Od debía aparecer en la portada. "Nos pareció que representaba nuestros ideales de lo que es bello en nuestra cultura filipina".

"Creemos que el concepto de belleza debe evolucionar e incluir rostros y formas diversos e inclusivos. Esperamos hablar de la belleza de la humanidad", añadió Valdés.

Antes de la aparición de Whang-Od en Vogue Filipinas, el récord de la modelo de mayor edad en aparecer en la portada de Vogue lo ostentaba la actriz Judi Dench, que apareció en la portada de British Vogue en 2020, a la edad de 85 años.

Kate Springer ha contribuido con el reportaje.

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Parecía alejarse drásticamente de las vestimentas típicas que se suelen llevarse en la casa papal: togas, estolas y tocados altos puntiagudos llamados mitra. El atuendo suscitó un torrente de preguntas irónicas en Internet: ¿tiene el papa un nuevo estilista? ¿Ha tenido siempre un estilista? ¿Se inspiró en los bailarines del espectáculo de Rihanna del Superbowl?

Pero, sobre todo, los usuarios de las redes sociales exclamaron que no podían creer que la imagen fuera real. Y no lo era. Desde entonces, Twitter ha adjuntado una nota contextual a pie de página a varios de los tuits con mejores resultados en la que aclara que se trata de una imagen generada por inteligencia artificial (IA) y creada con la herramienta de software Midjourney. Un trabajador de la construcción de 31 años, de Chicago, se adjudicó la autoría de la imagen viral.

La imagen generada por inteligencia artificial se creó con la herramienta Midjourney. Crédito: De Midjourney

Las herramientas de creación de imágenes con inteligencia artificial son cada vez más sofisticadas. La tecnología, que genera imágenes a partir de textos de los usuarios, se ha utilizado para diseñar desfiles de moda inclusivos, crear novelas gráficas completas e incluso ayudar a imaginar nuevas formas de arquitectura. Pero a medida que la IA se desarrolla y las imágenes "deep fake" generadas por computadora se vuelven más convincentes, muchos se preocupan por las implicaciones éticas, incluida la eliminación de la agencia de los sujetos (colocar a las personas en escenarios fabricados que pueden ser difamatorios o maliciosos, por ejemplo) y si la tecnología de machine learning hará algún día que las noticias falsas sean indiscernibles.

La semana pasada, las fotos generadas por IA de Donald Trump siendo detenido se extendieron como la pólvora después de que el expresidente escribiera en las redes sociales que esperaba ser acusado en relación con una investigación sobre la financiación de su campaña en Nueva York. (Trump, que mantiene su inocencia, aún no ha sido acusado de ningún cargo).

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La inteligencia artificial y el futuro de la moda

Si vestirse es una forma importante de autoexpresión, entonces un atuendo generado por la IA no solo podría disminuir el poder y los mensajes inherentes a la ropa, sino también la autonomía de una persona. En el papado, cada prenda tiene un significado religioso.

El color de las vestiduras del papa se selecciona especialmente para que coincida con celebraciones concretas: el rojo solo puede llevarse en ocasiones específicas, como el Domingo de Ramos, el Viernes Santo y Pentecostés, porque representa la sangre de Jesucristo, mientras que el rosa solo se puede utilizar dos veces al año.

Por ello, las imágenes falsas del papa vistiendo determinadas prendas fuera de estos contextos, o en innumerables otros, podrían causar ofensa, alarma o incluso desconfianza en la comunidad católica.

El papa Francisco saluda a los fieles durante la conferencia Veritas Gaudium en Nápoles. Crédito: Marco Cantile/LightRocket/Getty Images

Alterar digitalmente la vestimenta de alguien también podría tener un daño duradero para su reputación. Una foto trucada de 2005 en la que aparecía Paris Hilton en un club nocturno con una incendiaria camiseta sin mangas en la que se leía "Deja de ser pobre" se convirtió en una de las imágenes más reconocibles de la cultura pop de principios de la década de 2000. Aumentó la percepción pública de Hilton como una heredera con la cabeza en las nubes. Ella se refirió públicamente a la imagen falsa en 2021, insistiendo en que la gente no debería "creer todo lo que lee". (El chaleco, que pertenecía a una colección de moda diseñada por la hermana de Hilton, Nicky, en realidad decía "Deja de estar desesperada").

Durante una conferencia en el Vaticano este lunes, el papa Francisco abordó el surgimiento de la tecnología de IA e instó a los científicos a considerar su impacto humano (aunque no se refirió específicamente al furor sobre su propia apariencia falsificada). "Estoy convencido de que el desarrollo de la inteligencia artificial y el machine learning tienen el potencial de contribuir de manera positiva al futuro de la humanidad", dijo Francisco, antes de añadir: "Estoy seguro de que este potencial solo se hará realidad si existe un compromiso constante y coherente por parte de quienes desarrollan estas tecnologías para actuar de forma ética y responsable".

"Por tanto, los animo a que, en sus deliberaciones, hagan de la dignidad intrínseca de todo hombre y mujer el criterio clave para evaluar las tecnologías emergentes", dijo Francisco. "Éstas resultarán éticamente sanas en la medida en que contribuyan a respetar esa dignidad y a incrementar su expresión en todos los niveles de la vida humana".

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(CNN Español) -- Quiero comentarles un tema muy del momento: el profundo interés de las personas por lucir lo mejor posible. Y cuando digo “profundo”, ¡digo “profundísimo” deseo de optimizar su apariencia física y su imagen! Y este deseo muestra que hemos aprendido a querernos, a aceptarnos, a desear mejorarnos, ¡y es un paso fabuloso y muy positivo en nuestros diversos estilos de vida!

Y solo nos basta con chequear los antes y los después de la superfamosa cirujana plástica –y cosmética– neoyorquina Lara Devgan (un fenómeno en Instagram) para ver infinidad de hombres que mejoran su rostro, eliminando la papada, arrugas, bolsas bajo los ojos, etc. Y como Devgan usa muchos métodos que no precisan cirugía, sus clientes quedan encantados, “optimizando” sutilmente su imagen.

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Y lo mismo ocurre con mujeres de todas las edades que quieren mejorar su look. Y que ya no se esconden ni niegan que se han hecho retoques, si así lo desean. Y esto es precisamente lo mejor de todo. No hay que esconder lo que hacemos por nuestra imagen. ¡Perfecta naturalidad!

Lo mismo ocurre con los cuidados del cutis. Igual que hombres y mujeres se hacen manicuras y pedicuras (muy importantes para ambos) –y se dan masajes– hay infinidad de productos unisex, o especiales para hombres, de tratamiento para la piel. Y nadie critica a nadie, ¡pues eso es cosa del pasado!

Por ejemplo: hace años comencé a usar un bronceador fabuloso de Guerlain –el Terracota– que, al ser mate y no tener brillo alguno, era fabricado especialmente para hombres. Y hasta el día de hoy la famosa marca ofrece el mismo bronceador –Terracotta Men 01 Ultra Naturel– igual que tratamientos ideales para la piel de los hombres, como el carísimo Abeille Royale de la miel de las abejas reales. Neutrogena tiene una línea realmente excelente para hombres, igual que Dior Homme, Clarins, Clinique, Shiseido, Chanel, Kiehl’s y otras marcas, incluyendo maquillajes. Lo mismo para el pelo, y los cool salones unisex neoyorquinos Bumble and Bumble tienen productos superpopulares como su Grooming Unisex Crème.

¿Bestsellers? Autobronceadores –o self tanners-- muy populares entre todos. ¡Aunque cuidado con aplicarlos mal y lucir de miedo!

¿Una anécdota sobre esto? La vez que entrevisté hace años a un guapísimo actor (yo estaba muy emocionada) y llegó irreconocible, convertido en una zanahoria rojísima y con el pelo teñido casi del mismo color. ¡Ojalá yo no haya puesto una cara de sorpresa y horror!

Esto nos lleva a comentar la importancia de optimizar nuestra imagen con cuidadosa moderación. Y esto incluye la ropa, el estilo de lo que llevamos y los accesorios. YSL y Dior mostraron recientemente una línea masculina con faldas y estilos no binarios, con aire femenino y sensual. Y otros looks más tradicionales, pero con un aire más relax. Y unos colores brillantes. Y unos cinturones (muy importante accesorio para los jóvenes) y zapatos fabulosos. Y no solo los ultrachic mocasines de Gucci (¡me encanta ver hombres con estos mocasines sin medias y con camisas rosadas de Polo!), sino todo tipo de zapatillas deportivas y nuevos zapatos de cordones con una moderada plataforma. Libertad total.

Resumiendo: la moda y la belleza van mano a mano con nuestro diverso estilo de vida. Hay para todos los gustos y necesidades. Y todos lo aceptamos con una sonrisa y tolerancia. Y escogemos lo que deseamos.

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Esto no es sorprendente. Durante mucho tiempo se esperaba que los asistentes masculinos cumplieran con un código de vestimenta de etiqueta, y la mayoría parecía feliz de hacerlo así. Incluso las estrellas conocidas por su extravagacia elegían esmoquin en este evento tan formal.

Sin embargo, ha habido algunas excepciones gloriosas.

Con un toque de color, una suave ruptura de reglas y un poco de ayuda de los músicos (la alfombra roja de los Grammy demuestra que la industria de la música está mucho menos preocupada por las formalidades que su contraparte de la pantalla grande), algunos de los hombres más atrevidos de Hollywood han roto el molde. Y con la etiqueta de vestuario cada vez más relajada en los últimos años, cada ceremonia parece registrar más excepciones a la ortodoxia de la moda masculina que la anterior.

Aquí hay 13 de los mejores looks masculinos de la historia de la alfombra roja de los Oscar:

Pantalones cortos de camuflaje de Pharrell Williams

(Dan MacMedan/Getty Images)

La mayoría de los hombres tienen demasiado miedo de usar pantalones cortos en la oficina, y mucho menos en la alfombra roja más glamorosa de Hollywood. Pero Pharrell Williams no es como la mayoría de los hombres.

El músico, y ahora director creativo de Louis Vuitton, rompió las convenciones con una chaqueta y pantalones cortos con estampado de camuflaje. Al llegar con su esposa Helen Lasichanh, completó el look con un par de Doctor Martins, un collar de diamantes con su propio nombre y un par de calcetines tan impecables como su camisa.

Podríamos haber incluido igualmente los shorts de Lanvin que usó en el mismo evento cinco años antes. Pero 2019 fue el año en que las rodillas expuestas de Pharrell llegaron al enrarecido escenario de los Oscar para presentar el premio a la Mejor Película de Animación.

El vestido de esmoquin de Billy Porter

(Neilson Barnard/Getty Images)

¿Chaqueta de terciopelo? Chequeado. ¿Camisa de esmoquin blanca? Chequeado. De la cintura para arriba, Billy Porter era la viva imagen de la formalidad de la etiqueta, sus puños con volados y su corbata de moño exagerada eran los únicos toques de extravagancia. Sin embargo, de la cintura para abajo, su vestido diseñado por Christian Siriano fue una de las declaraciones de moda más radicales jamás realizadas en los Oscar.

Esto no quiere decir que la moda masculina de género fluido fuera especialmente notable en 2019 (no busque más allá de la Met Gala de ese año). Pero este fue el momento que realmente destrozó el binario de género en la alfombra roja más estricta de Hollywood.

Adornos de piel de Isaac Hayes

(Michael Ochs Archives/Getty Images)

Los adornos de piel, los pantalones acampanados y los colores pastel de la moda masculina de principios de los 70 rara vez llegaron a las alfombras rojas de los Oscar de la época. Issaac Hayes fue una de las bienvenidas excepciones.

Al subir al escenario para recoger el premio a la Mejor Canción Original por su tema de "Shaft", Hayes lució un traje azul marino con ribetes azul bebé, camisa de volantes y corbata haciendo juego.

Su interpretación de la canción ganadora fue otra historia: Se deshizo del traje para actuar sin camisa (y envuelto en cadenas de oro).

El corte clásico de Michael Caine

Bob Riha Jr/Getty Images

Sería negligente no incluir al menos un traje de etiqueta convencional en esta lista. Y pocas estrellas lo han usado tan naturalmente como Michael Caine. El ejemplo es de 1984, año en que fue nominado a mejor actor por su papel en "Educando a Rita" (aquella noche también entregó dos premios), aunque podríamos haber elegido casi cualquier aparición suya en los Oscar.

Como siempre, el corte entallado, un gran moño mariposa y las gafas de marcos anchos ejemplifican por qué Caine ha sido durante mucho tiempo un icono del estilo británico.

Los sombreros de Spike Lee y de Mahershala Ali

(Jeff Kravitz/FilmMagic/Getty Images)

Los sombreros son una rara avis en la alfombra roja de los Oscar. Y, sin embargo, 2019 nos dio dos de los mejores ejemplos a la vez, ya que el director Spike Lee y el actor Mahershala Ali posaron juntos con sus premios por "BlacKkKlansman" y "Green Book", respectivamente.

Ali, que llevaba una camisa de cuello mandarín bajo su chaqueta negra, dio un giro formal al gorro con un diseño de fieltro de la sombrerera Gigi Burris. Lee, por su parte, combinó su traje morado de Ozwald Boateng con una gorra de capitán a juego y un collar con el símbolo del cantante Prince, a quien parecía rendir homenaje.

Hablando de Prince...

Prince de púrpura

Michael Caulfield/WireImage/Getty Images

El cantante de "Purple Rain" no defraudó en 2005, cuando presentó el premio a la Mejor Canción con una inmaculada chaqueta de esmoquin de terciopelo, en su tono característico, por supuesto. Completó el look con unos pantalones anchos hasta el suelo que no desentonarían en la alfombra roja de 2023.

Aunque atrevido para los estándares de los Oscar, era relativamente formal en comparación con la capa con capucha deslumbrante que había llevado a la ceremonia exactamente 20 años antes.

El rojo de la alfombra roja de Simu Liu

(Stephen Lovekin/Shutterstock)

Un esmoquin de color es una forma sencilla pero efectiva de destacar entre la multitud —incluso si, en el caso del actor Simu Liu, el color combina casi a la perfección con la propia alfombra roja—.

Liu, la última incorporación a nuestra lista, impresionó en los premios del año pasado con este elegante diseño de Atelier Versace. En declaraciones al programa canadiense eTalk, la estrella de "Shang-Chi" dijo que Donatella Versace le había sugerido que luciera el look sin camiseta en la fiesta posterior. "Si Donatella Versace te dice que hagas algo, ya está", dijo. "Se hace".

Corey Feldman como Michael Jackson

(Steve Granitz/WireImage/Getty Images)

La ceremonia de 1989 es considerada una de las peores de la historia de los Oscar, entre otras cosas porque se pidió a 18 jóvenes actores que interpretaran un número musical mal logrado, "I Wanna Be an Oscar Winner". Entre ellos estaba la estrella infantil Corey Feldman, quien había aparecido en "Los Goonies" cuatro años antes.

Ya fuera por el desprecio adolescente que mosytró por los códigos de vestimenta o simplemente por la exuberancia de la juventud, el joven de 17 años (en la foto con una Drew Barrymore de 14) rompió las reglas con una camisa roja, un blazer bordado y gafas de sol. Y si parece que está imitando a Michael Jackson, probablemente sea por eso: su actuación sobre el escenario incluyó pasos de baile inspirados en el Rey del Pop.

Las Crocs doradas de Questlove

(Matt Petit/A.M.P.A.S./Getty Images)

Si tienes la osadía de llevar Crocs a los Oscar, o a cualquier alfombra roja, al menos que sean doradas.

La ceremonia de 2021 se retrasó y también redujo su tamaño en medio de la pandemia del covid-19, por lo que en la alfombra roja de ese año hubo muchos looks informales y aptos para el encierro (véanse las zapatillas blancas de la ganadora del premio a la mejor dirección, Chloé Zhao).

Pero fue el productor y baterista Questlove, también director musical y DJ del programa, quien mejor lo llevó, combinando su cómodo calzado con un traje azul marino, gafas y mascarilla estampada.

El esmoquin más corte mullet de Val Kilmer

(Bill Nation/Sygma/Getty Images)

En 1984, Val Kilmer combinó una chaqueta de esmoquin atemporal con un peinado algo más efímero: un mullet.

¿Es un corte de pelo una prenda masculina? Probablemente no. ¿Hay que llevar moño blanco a un evento de etiqueta? Probablemente no. Pero mientras Cher, la entonces novia de Kilmer, acaparaba los focos la noche en que fue nominada por su interpretación en "Silkwood", su acompañante era, en retrospectiva, el epítome del encanto juvenil de los 80.

La elegancia eduardiana de Robert Downey Jr.

(Steven D Starr/Corbis/Getty Images)

En una época en la que los medios de comunicación empezaron a prestar atención no sólo a lo que se llevaba puesto, sino a quién se llevaba, Robert Downey Jr. recurrió al diseñador de moda Richard Tyler para este look de dandi en 1993.

Nominado ese año por su interpretación en "Chaplin", el actor estaba elegante con un traje de terciopelo adornado con lo que el New York Times describió entonces como un "foulard eduardiano".

El riesgo de Jared Leto valió la pena

(Christopher Polk/Getty Images)

Las chaquetas blancas son un riesgo, y no solo por las manchas (aunque en los Oscar no se sirva comida). Pero la de Jared Leto en 2014, diseñada por Saint Laurent, dio en el blanco.

No fue el único que decidió vestir de blanco esa noche (véase Matthew McConaughey y Ryan Seacrest), pero su chaqueta perfectamente ajustada fue la única que entró en las listas de los mejor vestidos. ¿La clave de su éxito? Un moño rojo y el atisbo de un pañuelo de bolsillo que lo unía todo.

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(CNN Español) -- El rojo. Color optimista. Vibrante. Apasionado, un color que nos asienta y estabiliza en momentos en que hay que pisar fuerte. Y de acuerdo con las nuevas tendencias de la moda, es el color del 2023. Sí, hay que decir adiós al rosa (de momento), un rápido goodbye al magenta –que realmente nunca gustó mucho y es un color difícil– y dar una fuerte bienvenida al rojo.

Para los seguidores de creencias hindúes, el rojo es el color del primer chacra. El que está situado en la base de la espalda y está relacionado con la madre tierra. ¡La que es nuestra raíz! Y es un color que implica alegría y fuerza, aunque también puede ser un símbolo de cautela, guerra y cólera . Aun así, es el color que nos asienta y nos da gran fortaleza de alma y cuerpo. Y es nuestro momento valiente y heroico.

Y más allá del aspecto de la pura moda –hay que recordar que por siglos, en bodas en China y la India– llevar rojo es la tradición y el color de la buena suerte y de los buenos auspicios, con muchos símbolos y significados. Sus mitos y leyendas determinan el ambiente de las ceremonias, por eso se adornan las bodas con objetos, guirnaldas y alegres lamparillas rojas, como señal de futura prosperidad, dinero y felicidad. Y en la India, el sari rojo es en honor de la diosa Durga –que representa la divina shakti—una energía cósmica femenina que protege contra el mal. ¿No les parece todo esto interesantísimo?

Esto hace la tendencia del rojo como color de moda más interesante aún. ¡Pues más allá de la estética de la moda, el rojo está lleno de emociones, mitos y simbolismo! Entre los diseñadores internacionales que siempre han adorado –y adoran- el rojo, hay que mencionar a Valentino y su famoso rojo Valentino, que es su sello creativo por excelencia. Una vez -lo he entrevistado varías veces- me dijo que “una mujer vestida de rojo nunca podrá lucir mal o triste. El rojo rejuvenece y es como llevar sobre el cuerpo una sonrisa y un momento de pasión”. ¡Bravo!

Oscar de la Renta también amaba el rojo. Y lo adora Narciso Rodríguez, cuyo vestido para Zara lo compró al instante la reina Letizia de España. Y lo lleva a menudo Catherine, la princesa de Gales, a quien le luce precioso. Y desde que en el show del Super Bowl la cantante Rihanna anunció su embarazo con un gran abrigo rojo de Alaïa –como homenaje al famoso abrigo rojo “paracaídas” de Norma Kamali, que siempre llevaba el fallecido guru de la moda André Leon Talley– ¡todos supimos que aquel momento era del futuro de la moda 2023! ¡Así que, bienvenido el rojo a nuestros vestuarios!

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