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Estas pérdidas pueden dañar tanto las ganancias como la reputación, por lo que algunas marcas están recurriendo a la tecnología para proteger sus productos, el valor de la marca y a los consumidores.

A pesar de ser competidores, el conglomerado de marcas de lujo LVMH unió fuerzas con Prada y Cartier, en abril de 2021, para establecer el Aura Blockchain Consortium, una plataforma sin ánimo de lucro que crea un "gemelo digital" para los productos de diseño.

Blockchain es un libro de registro digital que no puede editarse, cambiarse o manipularse. Es la misma tecnología en la que se basan las criptomonedas, cuyos precios se han desplomado últimamente. Pero tiene muchas otras aplicaciones, y Aura la utiliza para dar a los productos de lujo un identificador digital único que ayudará a los clientes a asegurarse de que su compra es auténtica.

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"Blockchain es una tecnología que evoluciona muy rápido y es realmente compleja", dice Daniela Ott, secretaria general del Aura Blockchain Consortium. "De lo que trata Aura es de facilitar el uso de las blockchains a las marcas de lujo".

Hasta la fecha, más de 20 marcas utilizan el software de Aura, con más de 17 millones de productos registrados en la plataforma, dice Ott.

"Estas marcas son competidoras en todos los demás aspectos, pero están colaborando en esta tecnología para que esto avance más rápido, de la manera más segura", dice.

"Trazabilidad y confianza"

Al crear un "gemelo digital" para productos físicos como zapatos o bolsos, el software de Aura recopila un libro de registro con información como el tipo de material y su procedencia, dónde y cuándo se fabricó y cuántos se produjeron.

Ott afirma que esto ofrecerá a los consumidores un mayor nivel de prueba y protección al actuar como un certificado digital de autentificación que utiliza una "encriptación de nivel bancario" y es "imposible de falsificar", frustrando a los falsificadores. Los gemelos digitales, a los que se puede acceder a través de una página web o una aplicación móvil, proporcionarán más información sobre el origen del producto, mejorando la "trazabilidad y la confianza" en torno a la sostenibilidad y las cuestiones éticas para los consumidores conscientes, afirma.

Sin embargo, las blockchains tienen sus limitaciones: la información es tan fiable como la persona que la introduce, dice Ott, y advierte que "si una marca no tiene una buena relación con el proveedor, las blockchains no ayudarán".

La sostenibilidad es una preocupación clave para la agrupación. Como blockchain privada construida desde cero, Aura dice que su plataforma utiliza menos energía que las blockchains públicas. La plataforma también da a las marcas el control sobre la información que comparten y mantiene los datos de la marca y del consumidor seguros, señala Ott.

Aura lanzó su software basado en la nube a principios de 2022. Ott dice que su tecnología plug-in permitirá a las marcas integrar el producto en sus operaciones existentes con "cero conocimientos de blockchain".

Y más marcas se están subiendo al barco. El grupo de ropa de calle de diseño OTB se convirtió en miembro fundador, en octubre de 2021, y el mes pasado, el especialista en diamantes y gemas Sarine Technologies se unió también al grupo. Los miembros fundadores contribuyen a los costes de desarrollo y tienen más voz en la gobernanza, dice Ott, mientras que todos los miembros pagan una cuota de licencia por los servicios de software y por cada gemelo digital producido.

Los productos falsificados, como los de la foto, cuestan miles de millones al año a las marcas de diseño, además de dañar su reputación. (Foto: PATRICK T. FALLON/AFP vía Getty Images)

Tecnología en tendencia

Otras marcas de moda también están utilizando herramientas de blockchain. Audemars Piguet y Vacheron Constantin se unieron a la plataforma blockchain de código abierto Arianee, con sede en París, mientras que el archivo fotográfico de Karl Lagerfeld se autentifica en la blockchain pública de Lukso Network.

La creación de una identidad digital podría ser cada vez más importante para los revendedores de lujo de segunda mano, un mercado en rápido crecimiento. Plataformas en línea como Hardly Ever Worn It y Vestiaire Collective necesitan autenticar los productos antes de venderlos, lo que supone un proceso de varios pasos que implica comprobaciones digitales y físicas, afirma Victoire Boyer Chammard, responsable global de Autenticación de Vestiaire Collective.

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"La falsificación existe desde hace décadas y avanza constantemente", dice Chammard. El equipo de Vestiaire, formado por 60 autentificadores, comprueba la documentación digital, incluidas las fotos, antes de examinar cada artículo. La IA y las blockchain podrían ayudar a acelerar el proceso de autentificación digital, dice Chammard, añadiendo que esto ayudaría a los autentificadores humanos en lugar de sustituirlos.

"Seguiríamos necesitando que un experto realizara un examen físico para verificar todos los datos digitales", dice, y añade que si las marcas de lujo utilizan la misma tecnología, ayudaría a los revendedores a acceder y utilizar fácilmente la información.

Blockchain también podría ser útil más allá de la moda, dice Ott: sectores de lujo como el arte, la cosmética, la perfumería y los muebles podrían beneficiarse. En el futuro, Ott afirma que el libro de registro también podría contener información sobre el mantenimiento y la conservación de los productos, lo que ayudaría a determinar mejor el valor de un producto para su reventa.

La incorporación más reciente al consorcio Aura es la del fabricante alemán de automóviles Mercedes-Benz, que se ha unido como miembro fundador y tiene previsto utilizar la plataforma para explorar diferentes aspectos de la marca digital, como la creación de NFT (tokens no fungibles) para experiencias artísticas digitales en el auto.

"Nuestra medida del éxito es incorporar a todas las marcas de lujo", dice Ott.

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El diseño de las cabinas de los aviones siempre se ha caracterizado por la innovación continua: así es como se ha conseguido el asiento reclinable que ahora está omnipresente en las cabinas de clase business, o una mesa de bandeja que se pliega perfectamente en el reposabrazos.

Desde la posibilidad de acomodar a más pasajeros en la cabina hasta ofrecer a los viajeros un espacio inesperado para estirar las piernas, estos inusuales diseños de asientos de avión tratan de resolver los dilemas habituales a bordo.

El proyecto de asiento económico Chaise Longue

El diseño del asiento de avión Chaise Longue imagina una cabina de dos niveles.
Cortesía de Crystal Cabin Awards

El diseño de cabina de avión Chaise Longue de Alejandro Núñez Vicente elimina el maletero superior para crear una configuración de asiento de avión de dos pisos.

El diseño Chaise Longue causó sensación a principios de este año cuando fue nominado para el premio Crystal Cabin 2021.

En mayo de 2021, Núñez Vicente, estudiante de la Universidad TU Delft, dijo a CNN Travel que se había inspirado en sus experiencias de vuelo en clase económica por Europa desde su casa en España hasta la universidad en los Países Bajos.

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El objetivo de Núñez Vicente era crear más espacio para que los viajeros pudieran estirar las piernas. El diseño del asiento también ofrece más ángulos de reclinación, así como un respaldo ajustable y un reposacabezas desplegable.

Durante el verano de 2021, Núñez Vicente viajó por Europa con un prototipo de su diseño y habló con profesionales de la aviación y expertos del sector para recabar sus opiniones, lo que le permitió estar más cerca de hacer realidad el diseño.

Según Núñez Vicente, los comentarios preliminares de los posibles pasajeros que probaron el prototipo fueron positivos.

Aunque la configuración se concibió inicialmente para el avión Flying-V, un nuevo concepto de avión actualmente en desarrollo en la Universidad Técnica de Delft, Núñez Vicente afirma que también podría aplicarse en un Boeing 747, un Airbus A330 o cualquier otro avión de fuselaje ancho de tamaño medio o grande.

"Hemos tenido mucho interés en este momento por parte de la industria de la aviación, especialmente de los fabricantes de asientos y de aviones, y varias aerolíneas se han puesto en contacto con nosotros", dice Núñez Vicente en una nueva entrevista con CNN Travel.

Los inversores privados también han expresado su interés, añade.

Núñez Vicente sigue pensando que su diseño podría transformar los puntos débiles de la clase turista.

"El objetivo del asiento siempre fue aumentar el confort y la experiencia de vuelo para mejorar la experiencia de los pasajeros en los vuelos de larga distancia, y lo sigue siendo", afirma.

Skyrider

Esta es la tercera versión de Aviointeriors del asiento Skyrider. Cortesía de Francesca Street.

El concepto de "asiento de pie" Skyrider de Aviointeriors, con su asiento como de bicicleta, se ha hecho algo infame en el mundo de la aviación.

El asiento, que se presentó por primera vez en 2010, ha evolucionado en los últimos años, pero la idea que subyace es la misma: el Skyrider ocupa mucho menos espacio que el asiento medio de un avión económico, con una distancia entre asientos de apenas 58 centímetros.

CNN Travel probó la tercera versión del diseño del asiento en la Aircraft Interiors Expo 2019 y nos preguntamos cuánto tiempo podría alguien sentarse en esa posición tan incómoda.

"El mensaje es que no queremos meter a miles de personas en la cabina, queremos ofrecer una configuración multiclase, lo que hoy en día es imposible si quieres alcanzar la máxima carga de pasajeros", dijo Gaetano Perugini, asesor de ingeniería de Aviointeriors, a CNN Travel en esa conferencia.

El asiento es muy parecido al de una bicicleta y no es precisamente cómodo. Cortesía de Francesca Street

Desde entonces, el Skyrider 3.0 ha tenido algunos retoques. Aviointeriors afirma que una cuarta iteración del diseño ha mejorado su ergonomía, ha introducido un respaldo en ángulo y ha aumentado el espacio para los hombros de los pasajeros.

La distancia de 58 centímetros del Skyrider no está actualmente permitida por la certificación de la mayoría de los aviones, donde el mínimo es de 70 centímetros. Aviointeriors es consciente de ello y del reto potencial que supone.

"Cuando tengamos detrás un cliente fuerte [...] podremos sentarnos con Airbus o Boeing y explicarlo", dijo Perugini en Hamburgo en 2019.
Perugini dice hoy a CNN Travel que las muestras de los asientos terminados de la cuarta edición del Skyrider no están actualmente disponibles, pero el diseño ya está completado.

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Flex Lounge

El Flex Lounge puede haber sido nominado para un premio Crystal Cabin, pero probablemente no verá la luz del día.
Cortesía del premio Crystal Cabin

El concepto Flex Lounge del Grupo Heinkel fue preseleccionado para un premio Crystal Cabin en 2020.

El diseño preveía una configuración flexible de los asientos en las cabinas económicas: la idea es que, tras el despegue, los auxiliares de vuelo puedan reorganizar las filas para que los pasajeros que viajen juntos puedan estar frente a frente en filas de tres.

Aunque el diseño llamó la atención, el antiguo director del Grupo Heinkel, Tom Heinkel, dice a CNN Travel que vendió su empresa y que ya no se dedica al diseño aeronáutico.

Asientos Zephyr

Zephyr Seat imagina asientos acostados de dos pisos para la cabina económica premium.
Cortesía de Zephyr Aerospace

Otro concepto de dos pisos es el Zephyr Seat de Jeffrey O'Neill, que imagina asientos recostados de dos pisos en una cabina económica premium.

En declaraciones a CNN Travel en 2020, O'Neill dijo que se inspiró en un vuelo de Nueva York a Singapur en el que no pudo dormir. Se acordó de haber dormido mucho mejor en una litera de un autobús de larga distancia, y se preguntó si se podría aplicar algo similar en un avión.

A lo largo del año pasado, O'Neill dijo que había realizado pruebas en grupos de discusión y había probado una maqueta física del asiento Zephyr. Dice que también ha hecho algunos ajustes en el diseño por razones de viabilidad.

"Hicimos algunas pruebas simuladas a principios de este año, y los resultados de esas pruebas nos llevaron a modificar el diseño, un diseño que sería más apto para ser aprobado finalmente desde el punto de vista de la seguridad", dice.

En el nuevo concepto, la capa de asientos de la "litera superior" no es tan alta como O'Neill había previsto inicialmente, y en lugar de imaginar una escalera para llegar a la litera superior, los nuevos renders incluyen escalones.

"Lo que tenemos ahora es lo que queremos comercializar, lo que queremos vender a las aerolíneas y lo que queremos llevar al sector", dice O'Neill.

Toyota Cloud Capsule

El concepto Cloud Capsule de Toyota Boshoku reimagina el compartimento superior.
Cortesía de Crystal Cabin Awards

Otro diseño que replantea la parte superior de la cabina del avión es el Cloud Capsule Concept de Toyota Boshoku. Preseleccionado para los premios Crystal Cabin de 2021, el diseño transforma el espacio de los compartimentos superiores en camas-cápsula.

Toyota Boshoku dice que el diseño se inspira en los hoteles cápsula japoneses, con sus cápsulas para dormir. La idea es que los pasajeros de la clase turista puedan utilizar el asiento tradicional del avión, pero que también puedan utilizar las camas de los compartimentos superiores una vez que el avión esté en el aire.

Los viajeros colocarían sus maletas debajo de sus asientos, y los asientos estarían ligeramente más alejados del suelo para posibilitar el cambio en el espacio superior.

"Los pasajeros de la clase turista podrán disfrutar de sus vuelos de una manera más segura y cómoda", menciona un comunicado de prensa de Toyota de principios de este verano. "Permite a los pasajeros tener su propio espacio privado en el que relajarse o concentrarse en el trabajo".

Hay algunos precedentes de la sustitución de los compartimentos superiores por camas: el Boeing 377 Stratocruiser, que voló transatlántico en los años 50, incluía camas en los compartimentos superiores.

Interspace

Proeza de diseño: el asiento es obra de Luke Miles, fundador de la empresa de diseño New Territory. Anteriormente, Miles trabajó como jefe de diseño de Virgin Atlantic.
Cortesía de New Territory/Universal Movement

El diseño del asiento de avión Interspace incluye alas acolchadas que se pliegan manualmente hacia dentro y hacia fuera del asiento. La idea es que estas alas permitan al viajero una mayor intimidad y le ofrezcan un lugar para descansar la cabeza mientras intenta dormir.

Interspace fue diseñado por la empresa londinense Universal Movement, que ahora trabaja con el fabricante de asientos de avión Safran para hacer realidad el diseño. El asiento ganó el premio del jurado en los Crystal Cabin Awards de 2021.

CNN Travel probó un prototipo de Interspace cuando el asiento se estrenó en la cumbre Aircraft Cabin Innovation en 2019.

Cortesía de Francesca Street

Las alas crearon una mayor privacidad, y apoyar la cabeza en un ala, como lo harías si intentaras dormir una siesta, fue sorprendentemente cómodo.

La idea es que las alas de Interspace puedan adaptarse a los asientos de los aviones existentes, o estar integradas al asiento, como en el prototipo.

El diseñador Luke Miles, que anteriormente pasó tres años trabajando como jefe de diseño en Virgin Atlantic, dijo a CNN Travel en el lanzamiento de 2019 que el objetivo de Interspace era permitir a los viajeros económicos "un mejor descanso nocturno, un mejor vuelo".

A partir de septiembre de 2021, el asiento está disponible para su compra.

"Es emocionante ver ahora la transición de este diseño del concepto a la realidad al ponerlo a disposición para su venta, lo que representa lo que creemos que es un gran paso para apoyar a la industria aeronáutica y hacer que los aviones de pasajeros sean más cómodos gracias a nuestra colaboración con Safran", dijo Miles en un comunicado en septiembre de 2021.

Interspace está disponible en el asiento Z600 de Safran. Miles dice a CNN Travel que actualmente "está en fase preliminar con las aerolíneas".

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El miércoles presentó Very Peri, un tono violeta que, según la empresa, combina la tranquilidad constante del azul con una infusión energética de rojo. Es la primera vez que la empresa fabrica un color en lugar de recurrir a su archivo preexistente, una decisión que fue un elemento vital en el proceso de selección de este año.

"Era realmente importante para nosotros crear un nuevo color, porque ahora tenemos una visión muy nueva del mundo", dijo la directora ejecutiva del Pantone Color Institute, Leatrice Eiseman, en una videollamada.

El tono violeta es una nueva edición de la biblioteca de colores de Pantone. Crédito: Cortesía del Pantone Color Institute

"Es, literalmente, el más alegre y cálido de todos los tonos azules", añadió al describir el tono. "Debido a ese subtono rojo, introduce una sensación empoderadora de novedad, y la novedad es lo que estamos buscando".

La pandemia ha tenido un fuerte impacto en la forma en que normalmente vivimos y trabajamos, planteando obstáculos que han obligado a la gente a pensar de forma diferente.

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"Hemos pasado por tantos retos durante este tiempo que no sabemos qué va a surgir de un día para otro", dijo la vicepresidenta de Pantone, Laurie Pressman, quien también estuvo en la llamada. "Es la curiosidad la que está ayudando a la gente a superar estos tiempos difíciles. Lo que llamaríamos creatividad valiente".

"El color simboliza el futuro", añade Eiseman. "[Tiene] esa actitud vivaz y alegre de la que hablamos, esa confianza despreocupada y el espíritu creativo".

Iniciar conversaciones

Cada año, Pantone intenta interpretar el espíritu de la época a través de la teoría del color, buscando pistas en la moda, el diseño y el interiorismo.

Y no es extraño que haga elecciones poco convencionales: en 2016, la empresa eligió un degradado de dos tonos, Rose Quartz y Serenity, para reflejar un año definido por los cambios en la política de género. En 2020, no uno, sino dos colores, Ultimate Gray e Illuminating (un amarillo vibrante), fueron seleccionados para capturar tanto la resiliencia como el optimismo mostrados durante el primer año de la pandemia.

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La tarea anual de pronosticar el color que mejor reflejará el año venidero ha sido un esfuerzo de más de 20 años, que comenzó como un deseo de cultivar conversaciones en torno al poder del color, dice Eiseman.

"Primero hicimos el color del año para que la gente hablara del papel del color", dijo. "Y una vez que logramos que hablen de ello, se crea un rumor y se cae en la cuenta: el color es una parte tan integral de nuestra vida cotidiana, pero lo damos por sentado".

La autoridad del color se asoció con Microsoft y va a implementar el color en varias aplicaciones. Crédito: Cortesía de Pantone Color Institute

En 2021, la empresa se inspiró en una nueva vertical: la tecnología. Desde los NFT (tokens no fungibles) y los paseos en el transbordador espacial hasta la promesa de Mark Zuckerberg del metaverso, el año se caracterizó por nuestra creciente dependencia de la automatización y el ámbito digital. Es una relación que, en parte, impulsó la decisión de Pantone de trabajar con Microsoft, entre otros socios, para su lanzamiento del color del año.

Very Peri, por ejemplo, se integrará en una serie de aplicaciones de Microsoft en forma de salvapantallas digitales y opciones de interfaz para PowerPoint, Teams, Edge y Windows.

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También son novedosas las imágenes de Pantone: este año el nuevo tono se presenta a través de una pieza de arte digital, además de la tradicional muestra, lo que consolida la conexión del color con el mundo de la tecnología.

Tanto si el Very Peri, de 2022, es recibido con los brazos abiertos como si no, Pressman y Eiseman se contentan con generar la conversación.

"Me asombra oír hablar del color del año a gente que no está relacionada con el color de ninguna manera", dijo Eiseman.

"Lo hemos visto crecer progresivamente a lo largo de los años. Y estamos un poco asombradas por ello, pero encantadas", continuó. "Porque ese es nuestro propósito".

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Ubicado en el Art + Industries Building (AIB), el espectáculo "Futures" llenará 2972 metros cuadrados de espacio con una combinación de proyectos reales actualmente en proceso, propuestas de diseño del presente y del pasado, y conceptos artísticos proféticos. Rachel Goslin, directora de Smithsonian AIB, llama al programa "una Feria Mundial de Ideas contemporánea".

"Creo que es seguro decir que es la única exhibición en la historia donde puedes jugar un videojuego con tus ojos, hablar con un robot emocional, visitar una tienda de delicatessen del futuro y lavar tu ropa", dijo Goslin.

El Smithsonian es la red de museos, centros de educación e investigación más grande del mundo, y la curadora de la muestra, Ashley Molese, señala que la AIB ha presentado muchos objetos históricos en exhibición pública por primera vez, incluida la bombilla, el teléfono y el Cohetes de la nave espacial Apolo.

Ahora, esperan continuar con su legado de innovación, explica. "Tenemos mucha ayuda en estos días para imaginar lo que podría salir mal en el futuro", dijo. "Pero también necesitamos ayuda para imaginar qué podría salir bien". Aquí hay ocho conceptos y objetos destacados del programa.

Un taxi eléctrico toma vuelo

"Back to the Future 2" predijo que tendríamos autos voladores para 2015. "Blade Runner" predijo que los tendríamos para 2019. Pero es 2021 y todavía tenemos que ver autos en nuestros cielos. (Las apuestas a "Los Supersónicos" todavía tenemos hasta la década de 2060; "El quinto elemento", la década de 2250).

En "Futures", hará su debut un nuevo concepto: el Bell Nexus Air Taxi, diseñado por el fabricante aeroespacial Bell Textron, es un automóvil híbrido autónomo diseñado para despegar y aterrizar verticalmente. Si bien los pasajeros aún deben ser pacientes antes de poder señalar un viaje desde arriba, esta visión del futuro eterno finalmente puede llegar pronto: Uber y Hyundai se han unido y han puesto sus ojos en 2023 para el primer prototipo.

Una ciudad flota en el agua

Oceanix City . Cortesía: CEANIX/BIG-Bjarke Ingels Group/Smithsonian

Con la explosión de las poblaciones urbanas, la expansión puede eventualmente trasladarse de tierra a mar. Esa es la idea detrás del ambicioso concepto de ciudad flotante de Bjarke Ingels, que el arquitecto danés presentó con el artista Olaffur Eliasson y la empresa Oceanix en la ONU hace dos años. Bjake Ingels Group (BIG) se ha hecho famoso por sus diseños llamativos, sostenibles y modernos en Dinamarca y más allá, y actualmente construye el nuevo campus de Google en Londres.

Pero la idea de "Oceanix City" es a gran escala. El plan modular hexagonal de la metrópolis oceánica propuesta afirma ser completamente adaptable en función de las necesidades de una ciudad, mientras que la infraestructura está diseñada para ser sostenible y a prueba de desastres naturales.

Una nueva forma de formar una familia

(Im)Possible Baby Cortesía: Ai Hasegawa/Smithsonian

¿Puede la ciencia ayudar a las parejas del mismo sexo a tener un bebé que comparta el ADN de ambos padres? Con el progreso de la investigación y la tecnología de células madre, como la técnica de edición de genes CRISPR, es solo una cuestión de tiempo y ya se ha logrado con ratones en un laboratorio. El artista y diseñador Ai Hasegawa imaginó ese futuro a través del proyecto de diseño especulativo "(Im) possible Baby", creado cuando Hasegawa estaba en el MIT.

Hasegawa trabajó con una pareja que quieren ser madres biológicas, utilizando sus datos de ADN del kit de pruebas genéticas en el hogar 23andMe para crear imágenes simuladas de sus hijos potenciales juntos. El proyecto incluyó un álbum de fotos familiares, así como una película documental de 30 minutos que se emitió en Japón.

Un modo de transporte ultrarrápido

Pegasus . Cortesía: Virgin Hyperloop/Smithsonian

Un hyperloop en funcionamiento en EE.UU. ha sido objeto de burlas durante aproximadamente una década, y con Virgin completando su primera prueba humana en noviembre pasado, la opción de viaje futurista finalmente parece estar al alcance.

Un hyperloop, un tubo de vacío para viajes terrestres que alcanza velocidades de vuelo, se ha imaginado durante mucho tiempo en la ciencia ficción, pero fue impulsado por Tesla y el CEO de SpaceX, Elon Musk, y el inversionista de Silicon Valley, Shervin Pishevar, en 2012, con el fundador de Virgin Group, Richard Branson. llegando a la mesa en 2017. El Virgin Hyperloop Pegasus, que estará en exhibición en "Futures", es un pod de alta velocidad diseñado para viajar hasta 670 millas por hora, destinado a conectar las principales ciudades por minutos en lugar de horas.

Un lugar de descanso final ecológico

Cuando mueras, conviértete en un árbol: eso es lo que propone el equipo de diseño italiano detrás del concepto "Capsula Mundi". El concepto de Raoul Pretzel y Anna Citelli de una urna biodegradable con forma de huevo coronada con un árbol nuevo ha circulado en Internet desde que la introdujeron por primera vez en 2017. Si bien todavía está saliendo al mercado cuatro años después, el concepto de urna ecológica se ha exhibido en todo el mundo y hará una parada en "Futures".

Una nueva fuente de agua potable

En "Dune" de Frank Herbert, los fremen que viven en el desierto crean agua potable reciclando todos sus fluidos corporales a través de sus trajes destiladores; probablemente envidiarían el Waha Water Harvester de energía solar, que puede convertir el vapor de agua del aire. incluso en las condiciones más áridas. (En 2019, la startup Waha probó su tecnología en el desierto de Mojave en California).

Water Harvester puede producir suficiente agua para dos o tres adultos, un dispositivo que podría salvar vidas para el trimestre que enfrenta un estrés hídrico extremo, y Waha ha planea escalar para diseñar una cosechadora con suficiente potencia para hidratar una aldea entera, según Berkeley News.

Un vehículo de granja con IA

Mineral Rover Cortesía: X, the Moonshot Factory (a Division of Google LLC)/Smithsonian

A medida que la población mundial sigue aumentando, la seguridad alimentaria se ha convertido en un problema más urgente, en particular porque el cambio climático amenaza nuestra estabilidad agrícola.

Es un área crítica que la empresa matriz de Google, Alphabet, está explorando a través de X, su "fábrica de disparos a la luna" dedicada a resolver problemas a escala mundial a través de la tecnología.

El prototipo Mineral Rover de X, que debuta públicamente en "Futures", es un vehículo autónomo de cuatro ruedas del tamaño de un automóvil pequeño que utiliza inteligencia artificial para ayudar a los agricultores a maximizar el rendimiento de los cultivos y reducir el impacto ecológico, es decir, a través de la cantidad de agua y productos químicos necesarios.

El Mineral Rover puede identificar malezas y problemas potenciales con las plantas, así como evaluar la madurez de la fruta, según Smithsonian.

Una ciudad capital vuelve a la naturaleza

ReWildAR Summer Visualization Credit: Courtesy of Tamiko Thiel/Smithsonian

¿Y si Washington volviera a convertirse en un ecosistema salvaje floreciente? Esa pregunta es la base de un proyecto de RA de la artista Tamiko Thiel, que ha transformado una de las salas de exposiciones en un hábitat idílico de flores silvestres.

Thiel, quien contribuyó al diseño de la primera supercomputadora de inteligencia artificial comercial hace 35 años, trabajó con los expertos en horticultura del Smithsonian para visualizar un futuro radicalmente más verde que los asistentes pueden experimentar a través de una superposición de realidad aumentada.

"Futures" se abrirá el 20 de noviembre de 2021 y permanecerá a la vista hasta el 6 de julio de 2022

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La instalación, que tuvo lugar en julio de 2019, consistió en tres balancines (o sube y baja) de color rosa brillante colocados en los huecos del muro fronterizo de acero que separa Estados Unidos y México. Permitió que los niños de El Paso, Texas y la comunidad de Anapra en Juárez, México, jugaran juntos a pesar del muro de 6 metros, que se encuentra en la frontera más cruzada del mundo y que es un sitio continuo de fracturas políticas.

El "Teeter-Totter Wall" fue diseñado para ilustrar la conexión intrínseca entre las dos tierras, y fue una colaboración con el colectivo de artistas de Juárez Colectivo Chopeke. "Lo que haces en un lado tiene un impacto en el otro", le dijo Rael a CNN en 2019, "y eso es lo que es un balancín".

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Debido al contexto sensible del muro, el proyecto tardó diez años en realizarse. Estuvo en vivo por poco menos de veinte minutos, pero el tiempo suficiente para que se volviera viral. Aunque fue una instalación temporal, Rael dijo en Instagram que el evento estuvo "lleno de alegría, emoción y unión en el muro fronterizo".

"El balancín de la frontera alentó nuevas formas de conexión humana", dijo Tim Marlow, director ejecutivo y director del Museo del Diseño, en un comunicado. "Sigue siendo un recordatorio ingenioso y conmovedor de cómo los seres humanos pueden trascender las fuerzas que buscan dividirnos".

Los ganadores de los premios en otras categorías

El premio otorgó cinco reconocimientos más para cada una de las categorías de nominados, en "Arquitectura", "Digital", "Moda", "Gráficos" y "Producto".

Esto incluye una escuela móvil, llamada "ModSkool", diseñada por Social Design Collaborative, con sede en Dehli. El proyecto respondió a los desalojos forzosos de comunidades agrícolas en India con un lugar de aprendizaje que es fácil de erigir y desmantelar.

También ganó el grupo artístico feminista chileno, el Colectivo LASTESIS, que fue reconocido por su actuación de protesta "Un violador en tu camino", que denuncia la violencia sexual contra las mujeres y la comunidad LGBTQ +.

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La marca de lujo Telfar fue premiada por su popular bolso de cuero vegano de género neutro (cuyo precio está avaluado con las ganancias promedio de un DJ de Nueva York por una noche de trabajo).

Los ilustradores médicos Alissa Eckert y Dan Higgins, que trabajan para los Centros para el Control y la Prevención de Enfermedades de EE.UU. (CDC), fueron premiados por una imagen vista en innumerables ocasiones durante el año pasado: su representación 3D del SARS-CoV-2, el virus que causa la enfermedad de covid-19.

Por último, Impossible Foods ganó por Impossible Burger 2,0, que pretende ser una hamburguesa más sabrosa y jugosa hecha de proteínas de origen vegetal.

"Los diseños del año de este año se sienten más pertinentes que nunca", dijo la curadora asistente Maria McLintock en octubre. "Desde diseños que crean un mundo más amable y saludable, hasta aquellos que denuncian y critican los sistemas de opresión, esperamos que sirva como una cápsula del tiempo de un mundo cambiante".

La exhibición virtual de los "Diseños Beazley del año" se puede ver hasta el 28 de marzo de 2021.

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Al confirmar su muerte por medio de Instagram, la hija de Yamamoto, Mirai, dijo que su padre "dejo este mundo en paz, rodeado de sus seres queridos".

"En mi opinión, mi padre no solo era el alma ecléctica y enérgica que el mundo conocía, sino alguien que también era considerado, bondadoso y afectuoso", escribió.

De acuerdo con un comunicado publicado por la compañía homónima del diseñador, Yamamoto murió el martes de la semana pasada después de una batalla contra la leucemia mieloide aguda. Su funeral ya ha tenido lugar, aunque se podrá celebrar una "despedida pública" en una fecha posterior.

"Mientras luchaba contra su enfermedad, se mantuvo siempre positivo, nunca perdió su pasión por la creación", dice el comunicado de la compañía.

Nacido en 1944, Yamamoto estudió ingeniería civil antes de centrar su atención en la moda. A principios de la década de 1970 se había convertido en el primer diseñador japonés en organizar un espectáculo en Londres, una oportunidad que le valió el reconocimiento internacional por sus creaciones teatrales.

Fue durante este tiempo que entabló amistad con algunos de los músicos más importantes de la década, incluidos Elton John y Stevie Wonder. Su creciente perfil en Londres también llamó la atención del fallecido cantante David Bowie, con quien formó una asociación creativa de larga data.

En declaraciones al Hollywood Reporter en 2016, Yamamoto dijo que el interés de Bowie en su trabajo comenzó cuando el cantante encontró algunos de sus diseños de ropa de mujer a la venta en Londres.

"Afortunadamente, David tenía un cuerpo muy delgado y le quedaban muy bien, sin accesorios", recordó el diseñador.

Colaboración con Bowie

Yamamoto produjo varios trajes para el escenario para Bowie, desde monos andróginos hasta capas y pantalones de fondo ancho. Diseñó el vestuario para la gira "Aladdin Sane" de 1973 del cantante, que acompañó el álbum icónico del mismo nombre, ayudando a dar vida a las diversas personalidades de Bowie, incluido Ziggy Stardust.

"Se produjo algún tipo de reacción química: mi ropa se convirtió en parte de David, sus canciones y su música", dijo Yamamoto en la entrevista de 2016. "Se convirtió en parte del mensaje que transmitió al mundo".

Si bien era conocido por sus diseños dramáticos, también exploró la vestimenta tradicional japonesa y la artesanía. Después de su apogeo en los años setenta y ochenta, continuó ofreciendo nuevas versiones contemporáneas del kimono y, a lo largo de su carrera, adoptó el concepto japonés de "basara", creando diseños increíblemente audaces y atrevidos que anularon cualquier sugerencia de minimalismo. Louis Vuitton lo reclutó para crear una serie de atuendos para la colección 2018 de la marca, que presentaba motivos inspirados en kabuki frente al brillo y las lentejuelas.

Yamamoto produjo eventos de alto perfil en lugares de todo el mundo, desde la Plaza Roja de Moscú hasta el Museo Victoria & Albert de Londres, donde realizó una serie de desfiles de moda en vivo en 2013. El evento para su transmisión en línea en el que estaba trabajando en el momento de su muerte, "Nippon Genki Project 2020 Super Energy", continuará según lo programado el 31 de julio, dijo su compañía.

"Lamentamos profundamente que Kansai no pueda acompañarnos ese día", dice el comunicado, "pero nos gustaría transmitir su pasión y sueño de la mejor manera posible".

Yoko Wakatsuki y Junko Ogura de CNN contribuyeron a este informe.

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"Cuando se trata de los lugares donde vivo, definitivamente adopto un enfoque de 'menos es más'", dijo el artista ganador del premio Grammy en la última edición de Architectural Digest. "Una casa debe ser un lugar donde puedas descansar tu espíritu. He tratado de crear lugares que alimenten mi alma, no mi ego", agregó.

J Balvin en su casa en Medellín (Crédito: cortesía de Architectural Digest).

En la portada de este mes, Balvin (cuyo nombre completo es José Álvaro Osorio Balvin) destacó a los talentos de la firma de diseño 5 Sólidos para crear dos espacios de vivienda en su Colombia natal: un apartamento en la bulliciosa Medellín y un refugio rural en Llanogrande, 30 minutos fuera de la ciudad.

Su elección de respaldar el talento local está en consonancia con su apoyo más amplio a la creatividad colombiana y latina, que a menudo expresa a sus seguidores en las redes sociales.

J Balvin tiene una impresionante colección de zapatillas, algunas de ellas guardadas en este armario en su casa de Llanogrande, Colombia (Crédito: cortesía de Architectural Digest).

"Honestamente, podría haber llamado a cualquiera en el mundo. Pero elegí 5 Sólidos porque están ubicados aquí en Medellín", le dijo Balvin a la revista. "Me encanta su espíritu joven y su pasión. Los latinos tienen un gusto hermoso y entendemos el significado del estilo de vida", agregó.

Una piscina privada que se abre al exterior y una escultura de KAWS en el apartamento de J Balvin en Medellín (Crédito: cortesía de Architectural Digest).

El tranquilo refugio campestre de Balvin está situado en un paisaje selvático y destaca por sus planos de roble francés, su aerodinámico mobiliario de estilo escandinavo y sus florecientes diseños japoneses, incluyendo puertas de lino enmarcadas y plantas de bonsái.

Con un toque contemporáneo, las propiedades cuentan con obras de arte de Josh Sperling, Takashi Murakami y los artistas callejeros KAWS y WhIsBe. Una mirada al interior de uno de los armarios de Llanogrande revela más que un toque de color en la forma de aproximadamente 850 pares de la colección de zapatillas de Balvin.

J Balvin en la portada de la revista Architectural Digest (cortesía: Architectural Digest)

El apartamento de la ciudad tiene una piscina privada que puede abrirse al exterior, mientras que el techo interior expuesto y los pisos de hormigón hacen eco de una estética de loft por excelencia. "Siempre me ha fascinado la idea de un loft neoyorquino, el loft original", dijo Balvin. "Esta es mi cueva de hombre, un lugar donde puedo vibrar con el arte y la arquitectura, las cosas que amo", contó.

Los videos de Balvin, uno de los grandes nombres del reguetón ––un estilo híbrido influenciado por el dancehall y que incluye elementos de hip hop y de la música latinoamericana––, tienen millones de reproducciones en YouTube. Pero después de haberse lanzado al diseño, ahora sueña con proyectos que le permitan imprimir más su estética. "Sería increíble crear hoteles especiales de arte y estilo", dijo. Y, tal vez, un amplio espacio para aquellos con colecciones de zapatos igualmente impresionantes.

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El evento tiene lugar cada año como parte de la Dubai Design Week y la próxima entrega está programada para noviembre. Pero se ha convocado rápidamente una edición de emergencia para buscar ideas para abordar la pandemia de coronavirus que ha paralizado gran parte del mundo.

Entre las propuestas más llamativas se encuentran los armarios inteligentes que se autodesinfectan para el personal de hospitales y los depósitos al aire libre que permiten a los domiciliarios evitar el contacto cara a cara.

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"Steam Nurse" es un casillero inteligente que limpia la ropa del personal del hospital con químicos y luz ultravioleta. 

Los organizadores enviaron el mes pasado una convocatoria abierta a instituciones de educación superior de todo el mundo para propuestas que "identifiquen y aborden un problema crítico en torno al covid-19".

"Hay un par de formas de responder a una crisis", dice Brendan McGetrick, jefe de curaduría de Global Grad Show. "Uno es defensivo y otro creativo. Es positivo que las personas se queden en casa en este momento. Pero tampoco podemos refugiarnos y esperar que termine".

Sin parámetros

No se colocaron parámetros en los participantes para maximizar la amplitud de la innovación. Pero los proyectos deben tener una perspectiva realista de implementación a corto plazo, ya que los organizadores de la competencia, respaldados por los recursos de la Corporación de Inversión de Dubai, tienen la intención de hacer realidad las ideas, y de manera rápida.

"Cualquier proyecto que sea aceptado, ayudaremos a desarrollarlo e intentaremos llevarlo a cabo, y también brindaremos apoyo financiero", dice McGetrick. "Estas no deberían ser cosas que llevarán años de investigación y desarrollo porque no tenemos años".

Se han recibido casi 400 propuestas con las presentaciones ahora cerradas. Los organizadores han compilado una lista corta, con innovaciones que abarcan desde lo relativamente simple, como un mango de agarre para evitar tocar objetos con las manos desnudas, hasta lo técnicamente audaz, como un sistema para el seguimiento inteligente de alimentos.

Muchos diseños se centran en el apoyo a los trabajadores clave, como el personal médico y los trabajadores de entrega. Otras innovaciones protegen al público, como una "Quarantent" (carpa de cuarentena) en el hogar para permitir el aislamiento en una casa con otras personas, con una conexión de agua separada y un techo semitransparente para permitir la entrada de luz natural. También está un conmovedor "Traje de despedida", hecho conforme a los estándares de sanidad hospitalaria, y que permitirían que los miembros de la familia visiten a familiares moribundos sin riesgo de infección.

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Un diseño para el "Quarantent". (Crédito: Global Grad Show COVID-19 convocatoria abierta. "QuaranTent" de Raissa Xie, Parsons School of Design, The New School)

Innovación global

Como la pandemia de coronavirus ha tocado prácticamente todos los rincones del mundo, es apropiado que la competencia haya recibido respuestas de muchas naciones, desde Italia a Irán, hasta Japón y Estados Unidos.

Anna Teachout, una estudiante del Instituto de Tecnología de Georgia, diseñó un sistema de sensores adhesivos, o tatuajes, llamado Touch, para evitar que el usuario se toque la cara.

"Los tatuajes en las muñecas del usuario contienen pequeños motores que provocan vibraciones de luz cuando se encuentran dentro del alcance de los sensores de oído, alertando al usuario para que detenga la acción", explica Teachout. "Con el tiempo, 'Touch' condicionará al usuario a reducir o detener el comportamiento contagioso de contacto entre la cara y las manos".

La tecnología implica imprimir nanopartículas de plata en una película temporal, dice el creador, antes de recubrirlas con metal líquido para crear un circuito flexible y portátil.

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"Touch"es un sistema de sensores adhesivos que alarman cuando un usuario está a punto de tocarse la cara, lo que reduce potencialmente el riesgo de transmisión.

Un equipo de tres universidades francesas e italianas se combinó para producir un sistema de "túnel solar" que dirige la luz solar hacia abajo desde un tejado a través de tuberías con superficies reflectantes hacia los apartamentos para el beneficio de las personas atrapadas en el interior durante un cierre.

"La luz entra desde el techo, rebota en las superficies espejadas y finalmente inunda los espacios de vida", dijeron los ingenieros aeroespaciales Giuseppe Ciardarella, Saverio Tavernese, Walter Agostinelli y Andrea Marchionni en un comunicado. "El uso de túneles solares hará que el interior de las casas sea más cálido y atractivo, con efectos beneficiosos para la salud y la psicología de los inquilinos".

Un grupo de investigación de la Universidad Privada del Norte en Perú prestó atención al elevado número de víctimas de enfermeras en Italia y en otros lugares, y diseñó un casillero inteligente "donde el uniforme de trabajo se coloca y limpia con productos químicos y luz ultravioleta".

Próximos pasos

Un jurado de expertos en salud, innovación y tecnología evaluará la lista restringida en las próximas semanas y seleccionará proyectos para llevar a cabo.

No hay límite en el número que podría alcanzar esta etapa, dice McGetrick. Tampoco existe un plazo estricto para entregar un proyecto y prepararlo para el uso público.

Pero la prioridad para todos los involucrados en la competencia es hacer una diferencia en esta lucha global y no perder tiempo en hacerlo.

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El interés del diseñador Jun Kamei en los diseños encontrados en la naturaleza lo ha llevado a crear Amphibio, un accesorio impreso en 3D que funciona como una branquia y que algún día puede proporcionar a los humanos una forma alternativa de respirar bajo el agua.

Kamei, graduado del Royal College of Art, en asociación con RCA-IIS Tokyo Design Lab, se inspiró para crear un dispositivo respiratorio subacuático liviano debido al aumento previsto del nivel del mar.

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"Estaba viendo cómo cambiará el futuro de nuestro entorno urbano con el calentamiento global, y me interesaron profundamente las cifras del aumento del nivel del agua", dijo Kamei.

Inspirado en las branquias de insectos que se sumergen, Amphibio es una prenda impresa en 3D de dos partes que consta de un chaleco y una máscara hecha de un material "superhidrofóbico" (o extremadamente repelente al agua). En pocas palabras, la prenda porosa extrae oxígeno del agua circundante y disipa dióxido de carbono.

Prototipo visual de la prenda branquial, diseñado por Jun Kamei. Crédito: Jun Kamei

Amphibio es actualmente solo un prototipo funcional, probado a pequeña escala en un acuario. El siguiente paso es demostrar que puede ser utilizado por humanos, aunque Kamei cree que esto requerirá una branquia con una superficie de 32 metros cuadrados.

Representación de una visión futura de cómo se usa Amphibio. Crédito: Representación de Kathryn Strudwick.

"La dificultad es nuestro gran consumo de oxígeno. Los humanos consumimos demasiado. Si bien hay oxígeno disuelto en el agua, la velocidad que necesita extraer a través de la branquia es enorme, y esto hace que la branquia se ensanche en su superficie", dijo Kamei, agregando que el material se puede mejorar para permitir un intercambio de gases más rápido.

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Aunque la inspiración inicial de Kamei fue un futuro distópico en el que las grandes ciudades están muy inundadas, también prevé que Amphibio se utilice con fines de ocio.

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Fue ideado por la arquitecta naval Elena Nappi, el barco híbrido puede viajar tanto en la superficie del mar como bajo el agua.

Conocido como el "Caparazón", se sumerge a una profundidad de 300 metros por hasta 10 días a la vez, ofreciendo increíbles vistas de la vida marina.

Nappi, quien ideó el innovador concepto después de años de investigación en experimentación náutica, dice que representa una "nueva clase de megayates", que combina la comodidad de los yates de lujo y la "privacidad" de la navegación de inmersión.

Buque híbrido

"El mundo de los submarinos de lujo es una de las últimas fronteras en el campo de la experimentación, y quizás el híbrido sea el lenguaje del futuro", dice Nappi en un comunicado.

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"Muy a menudo, los propietarios de yates están buscando soluciones originales para poder ofrecer a sus amigos y familiares algo especial, y ciertamente un crucero de buceo de este tipo es algo sin precedentes en el mercado de los superyates".

Caparazón, que funcionaría con un sistema diesel-eléctrico y de pila de combustible, está diseñado para tener una superestructura de aluminio ligero que mide 79 metros de largo.

Tendría tres niveles de cubierta, con cabinas VIP, un salón, un spa, un bar y un club de salud entre las comodidades a bordo.

Diseño pionero

Nappi imagina que será contratado para viajes privados, así como para reuniones de negocios que requieren "privacidad total".

Aunque todavía no hay indicación de un precio, se cree que el barco costará a los compradores unos cientos de millones.

Pero cualquiera que espere poner sus manos en este megayate debería quedarse quieto.

En la actualidad, el Caparazón es simplemente un concepto, y Nappi predice que pasará mucho tiempo antes de que algo así llegue a las aguas.

"Si hacemos una comparación con el sector automotriz, no es difícil entender que el camino hacia este tipo de embarcación todavía está muy lejos", agrega.

"El primer automóvil eléctrico fue construido en 1884 y solo está en el mercado hoy en día, por lo que es imposible pensar que un modelo como este se pueda poner en el mercado antes de 100 años".

Nappi es actualmente diseñadora para el astillero italiano Fincantier, pero la compañía no está involucrada en el proyecto Carapace.

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El uso inteligente del espacio negativo entre las dos últimas letras le ha valido al logotipo varios premios y lo convierte en uno de los más efectivos jamás creados. El gurú del diseño Stephen Bayley lo incluyó en su lista de los 20 diseños que definieron el mundo moderno, calificándolo como "uno de los accidentes más felices en la historia del diseño gráfico".

Fue, de hecho, un accidente. "Lo más alejado de nuestras mentes fue la idea de una flecha", dijo Lindon Leader, quien diseñó el logotipo en 1994, en una entrevista por correo electrónico. "Pero en una crítica interna a mitad de camino en la exploración del logotipo, me intrigó un diseño que tenía letras muy espaciadas".

El líder y su equipo en Landor Associates, la firma consultora que se encargó de reinventar la identidad de marca de FedEx, desarrollaron más de 400 versiones del logotipo, antes de notar que poner una "E" mayúscula y una "X" minúscula juntas crearon la sugerencia de una flecha.

"Después de unos días, me di cuenta de que si se podía introducir una flecha genuina en las formas de las letras, podría sugerir sutilmente ir del punto A al punto B de manera confiable, con velocidad y precisión", dijo Leader.

El poder de la flecha, piensa Leader, es simplemente un bono oculto, y no verlo no reduce el impacto del logotipo en sí. Pero, ¿cuántas personas lo ven realmente sin que se les diga dónde está?

"La noción predominante es, he oído, que quizás menos de una de cada cinco personas encuentran la flecha oculta sin ayuda. Pero no puedo decir cuántas personas me han dicho lo divertido que es preguntarles a los demás si pueden detectar algo en el logotipo", dijo Leader.

Más que una flecha

La misma empresa que diseñó el logotipo de FedEx creó otra que hace un uso brillante del espacio negativo, el logotipo de NorthWest Airlines utilizado desde 1989 hasta 2003 (Northwest se fusionó con Delta en 2008). El círculo y la flecha crean una brújula que apunta, acertadamente, hacia el noroeste. Pero la flecha, junto con la "N", también crea una "W" que tiene parte de su pierna izquierda eliminada.

"La práctica de ocultar elementos es común en todas las comunicaciones visuales, no solo a los logotipos. Es tan antigua como la práctica del diseño de logotipos en sí, pero probablemente alcanzó su punto máximo en la década de 1970, cuando supuestamente las ingeniosas analogías visuales y verbales se volvieron centrales a la práctica del diseño gráfico: la era de la gran idea", dijo en un correo electrónico Paul McNeil, diseñador tipográfico y profesor del London College of Communication. Los principios de la ilusión óptica que se utilizan en estos diseños, argumenta, se basan en la psicología de la visión y la teoría de la Gestalt, que explora la capacidad del cerebro para crear formas completas a partir de líneas, formas y curvas.

A veces, el elemento oculto se combina tan bien en un diseño de logotipo que solo se puede ver si se señala, como el oso oculto en el logotipo de Toblerone.

Pero, ¿es esta una estrategia efectiva para el diseño de logotipos? "Por un lado, sí, porque estos logotipos buscan identificar un producto o servicio de marca de manera muy económica e inmediata utilizando el humor para invocar una respuesta positiva", dijo McNeil. Pero hoy, dijo, hay una tendencia hacia un diseño más plano y más directo, como lo demuestran los logotipos de muchas corporaciones importantes como Facebook y Google.

El logotipo favorito de McNeil es el diseño de Gianni Bortolotti para una empresa italiana desaparecida llamada ED - Elettro Domestici ("electrodomésticos" en italiano). Simplemente usando las letras "ED" y el espacio negativo, elegantemente forma la forma de un enchufe eléctrico.

"Es un modelo de restricción sin elementos superfluos", dijo McNeil.

"El logotipo de IBM de Paul Rand también es bastante notable: su intercambio de formas positivas y negativas es increíblemente sutil y evocador. Pero debo decir que el antiguo símbolo de Yin Yang siempre superará con creces cualquier otro signo visual de este tipo".

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El interés del diseñador Jun Kamei en elementos encontrados en la naturaleza lo ha llevado a crear Amphibio, un accesorio impreso en 3D que funciona como una branquia y que algún día podría proporcionar a los humanos una forma alternativa de respirar bajo el agua.

Kamei, graduado del Royal College of Art, en asociación con RCA-IIS Tokyo Design Lab, se inspiró para crear un dispositivo respiratorio subacuático liviano debido al previsto aumento del nivel del mar.

Imagen del prototipo diseñado por Jun Kamei. (Jun Kamei)

"Estaba revisando cómo cambiará el futuro de nuestro entorno urbano con el calentamiento global, y me interesaron profundamente las cifras del aumento del nivel del agua", dijo Kamei.

Inspirado en las branquias de los insectos submarinos, Amphibio es un equipo de partes impreso en 3D que consta de un chaleco y una máscara hecha de un material "superhidrofóbico" (o extremadamente repelente al agua). En pocas palabras, el equipo extrae oxígeno del agua circundante y disipa dióxido de carbono.

Amphibio es actualmente solo un prototipo, probado a pequeña escala en un acuario. El siguiente paso es demostrar que puede ser utilizado por humanos, aunque Kamei cree que esto requerirá una branquia con una superficie de 32 metros cuadrados (344 pies cuadrados).

Así es como funcionaría Amphibio. (Renderización por Kathryn Strudwick)

"La dificultad es nuestro gran consumo de oxígeno. Nosotros los humanos consumimos demasiado. Aunque hay oxígeno disuelto en el agua, la cantidad que necesita ser extraída a través de la branquia es enorme, y esto hace que la branquia se ensanche en su superficie", dijo Kamei, quien añadió que el material se puede mejorar para permitir un intercambio de gases más rápido.

Aunque la inspiración inicial de Kamei fue un futuro distópico en el que las grandes ciudades queden bajo el agua, también prevé que Amphibio se utilice con fines de ocio.

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El viejo casco de metal ha sido reemplazado por una versión impresa en 3D de alta tecnología del siglo XXI, hecha de PVC resistente a los rayos UV, un tipo común de plástico.

La primera ola de 95 cascos de un total de 150 envíos llegó a la sede de la Guardia Suiza en el Vaticano este martes, donde los cadetes se prepararon para usarlos por primera vez.

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A menudo tienen que permanecer quietos durante varias horas durante los eventos papales y el guardia suizo Nicolas Albert dice que las salidas de aire ocultas del nuevo casco son una mejora importante. "Hay más espacio entre la cabeza y la parte superior del casco, que permite que el aire fluya", precisó.

El distintivo casco, llamado morión, ha pasado por varios cambios en los 500 años desde la fundación de la Guardia Suiza, pero tradicionalmente se ha hecho de metal.

El nuevo casco está hecho de PVC, un tipo de plástico. Las nuevas versiones también son más baratas que las anteriores y cuestan alrededor de 1.000 dólares cada una, pagadas con fondos privados de donantes.

El empresario estadounidense Jack Boyd Smith, presidente de Gaska Tape Inc. en Indiana, y su esposa, Laura, patrocinaron parte del proyecto. "Creo que es emocionante", dijo Smith. "El cambio siempre es bueno; es nuevo y moderno, pero seguirá siendo compatible con la vieja guardia, por así decirlo".

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Este martes se celebró el 513 aniversario de la Guardia Suiza Pontificia, que se fundó oficialmente el 22 de enero de 1506. Cuando los guardias llegaron para recibir sus nuevos cascos, el guardia suizo Nicolas Albert dijo que había un aire de entusiasmo contenido. "Muchos de ellos están ansiosos por usarlos porque realmente no les gustaban los cascos viejos", dijo.

El nuevo diseño fue creado por el ingeniero Peter Portmann y la firma suiza 3D-Prototyp (ANDREAS SOLARO/AFP/AFP/Getty Images).

A diferencia de lo que dice un mito popular, Miguel Ángel no diseñó los uniformes coloridos y distintivos de la Guardia Suiza. Mientras que el uniforme se remonta al Renacimiento, los colores fueron elegidos por el Papa Julio II, quien estableció la Guardia Suiza en 1506, y el Papa León X, quien lo sucedió en 1513. El amarillo, el rojo y el azul representan los colores de su familia: las históricas familias del Renacimiento Della Rovere y De' Medici.

Los guardias suizos están actualmente en proceso de reclutamiento, pero no todos son elegibles: solo los hombres solteros, suizos y practicantes católicos de 19 a 30 años de edad, y más de 1,74 metros son considerados candidatos para el trabajo.

Guardias suizos durante una ceremonia de juramento en la Ciudad del Vaticano. (Crédito: FILIPPO MONTEFORTE / AFP / AFP / Getty Images)

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Dicho de otra manera: Google apunta al iPhone, el Surface Pro y el Echo Show.

La compañía anunció este martes el nuevo Pixel 3, Pixel Slate y Google Home Hub. Los tres son aportes a su línea "Hecho para Google" y se anunciaron en un evento para la prensa en la ciudad de Nueva York.

El trío representa la última actualización de la división de hardware de dos años y medio de Google, que finalmente está creando una marca de dispositivo de Google única y cohesionada.

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"Nos dimos cuenta de que si queríamos impulsar la innovación, realmente necesitábamos tener un esfuerzo de hardware enfocado", dijo Rick Osterloh, vicepresidente de hardware de Google, a CNN Business durante una primera mirada a los nuevos productos. "Eso significó combinar lo mejor de la tecnología de Google, nuestra inteligencia artificial, nuestro software y todo el hardware que estamos construyendo, para crear una excelente experiencia de usuario", detalló.

El lanzamiento de un dispositivo con un micrófono siempre encendido y una cámara llega en un momento crítico para la empresa. Este lunes, Google reconoció una vulnerabilidad previamente no revelada que tenía el potencial de exponer las cuentas de Google+, pero no se encontró evidencia de una falta. La empresa no mencionó el tema en el evento.

Los tres nuevos productos de Google.

Pixel 3 y Pixel 3 XL

En el centro del ecosistema de hardware de Google se encuentra el nuevo Pixel 3, un elegante dispositivo Android que viene en dos tamaños (regular y XL) y tres colores (negro, blanco y rosa pálido).

Para esta actualización, Google ha mantenido los teléfonos del mismo tamaño pero ha agrandado las pantallas al acercarlas a los bordes del teléfono. El Pixel 3 cuesta 799 dólares y su pantalla de 5,5 pulgadas es 5% más grande que su predecesora. El Pixel 3 XL tiene una pantalla de 6,3 pulgadas que es 10% más grande que la versión anterior y cuesta 899 dólares. Aparte de su tamaño, los dos dispositivos comparten todas las mismas características. Google también ha agregado la carga inalámbrica a ambos teléfonos.

El principal atractivo de Pixel 3 es su fotografía. Hay una nueva lente selfie de gran angular en la parte frontal para tomas grupales, pero a diferencia de otros teléfonos en el rango de precios, Pixel no ha agregado una segunda cámara orientada hacia atrás. En su lugar, se centra más en la fotografía computacional: mejoras de las fotos basadas en software.

"Tenemos a los mejores científicos de imágenes del mundo trabajando en nuestra tecnología de cámara, y han estado trabajando en problemas similares para Google durante 20 años", dijo Osterloh. "La primera búsqueda de imágenes vino de este grupo tecnológico".

El software del Pixel 3 encuentra automáticamente la mejor opción entre varias fotos, como una en la que el sujeto sonríe con los ojos abiertos. Un modo nocturno combina varias fotos en una imagen más brillante, y un super zoom hace lo mismo para armar una escena más nítida y lejana.

Mientras tanto, Google Lens, la aplicación de reconocimiento de imagen de la compañía, ahora está integrada en la aplicación de la cámara, y el Asistente de Google contestará llamadas de números desconocidos con respuestas pregrabadas y transcripciones de la conversación.

Para presentar la cámara, Google ha contratado a la famosa fotógrafa Annie Leibovitz para que tome fotos en todo el país inspirando a personas y lugares. La compañía dará a conocer la serie de fotos en el futuro.

Pixel 3, el nuevo smartphone de Google.

Google Home Hub

La evolución de los parlantes inteligentes parece incluir pantallas.

Amazon fue el primero con su Echo Show. Google se asoció con otras empresas a principios de este año para los altavoces con pantalla y la interfaz de voz de Google Assistant. Y este lunes, Facebook anunció Portal, su propio dispositivo de pantalla inteligente diseñado específicamente para videollamadas.

Ahora Google ha creado su propia "pantalla inteligente", el Google Home Hub, de 149 dólares. En general, el dispositivo tiene la mayoría de las mismas funciones que las pantallas inteligentes de Google Assistant. El dispositivo, que viene en tres colores, parece un phablet montado en un altavoz bluetooth.

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El plan de negocios de Google para la línea Home es ganar dinero no solo vendiendo los dispositivos, sino también con servicios de suscripción como YouTube Music, dijo Osterloh. A partir de ahora, la compañía no está discutiendo cómo colocar anuncios en los dispositivos, o cómo está recolectando o usando datos.
"Donde quiera que vaya en el futuro, quién sabe, pero nuestro objetivo principal es asegurarnos de dar un gran valor a los usuarios y ponerlos en control", dijo.

Google Home Hub, en la foto, tendrá pronto una competencia: el Portal de Facebook.

Otros gadgets

Google también anunció el Pixel Slate (a partir de 599 dólares), una gran tableta de Chrome OS dirigida a profesionales. El Chromecast tiene un aspecto ligeramente nuevo, pero aún costará 35 dólares y realizará las mismas tareas de transmisión. También hay un soporte con forma de Mickey Mouse para el altavoz inteligente habitual de Google Home, diseñado para niños a los que les gusta usar el asistente de voz y jugar juegos de voz.

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Durante los siguientes cuatro días los más valientes marcharon hacia Aldermaston, una pequeña aldea a 80 kilómetros al oeste de Londres, donde se diseñaban y almacenaban las armas nucleares británicas.

En los letreros y pancartas de los manifestantes, apareció por primera vez un nuevo símbolo. Gerald Holtom, diseñador y pacifista, lo había creado específicamente para la marcha unas semanas antes. Él creía que un símbolo daría fuerza al mensaje.

Y tenía razón: el símbolo fue adoptado poco después por la Campaña por el Desarme Nuclear y se convirtió en uno de los diseños más reconocidos en la historia.

"Es una obra maestra menor con un gran poder evocador. Habla claramente de una era y una sensibilidad. Es, simplemente, una buena pieza de época: una cosa ordinaria hecha extraordinariamente bien", dijo el gurú del diseño y crítico cultural Stephen Bayley, en un correo electrónico.

Alfabeto semáforo

El diseño pretende representar las letras "D" y "N", que significan "desarme nuclear", tal como aparecen en el alfabeto semáforo, el sistema que usan los marineros para comunicarse a distancia mediante banderas.

Pero según su creador tiene otro significado. En una carta a Hugh Brock, editor de la revista británica Peace News, Holtom escribió: "Me dibujé a mí mismo: representando un individuo desesperado, con las manos extendidas hacia afuera y hacia abajo a la manera del campesino de Goya ante el pelotón de fusilamiento. Formalicé el dibujo en una línea y lo rodeé con un círculo".

Una pareja lleva una bandera estadounidense modificada con el símbolo de paz, durante una protesta contra la guerra de Vietnam en San Francisco en 1969. (Credito: Ken Kolsbun)

El símbolo ha sido objeto de varias interpretaciones diferentes desde su creación. "Todos los buenos diseños gráficos deben ser claros y capaces de aplicarse en diferentes medios. Pero este tiene la ventaja de una agradable ambigüedad semántica. Se puede leer de diferentes maneras: ¿un misil en el despegue?, ¿una persona que hace gestos desesperada?, ¿una referencia druídica?, pero elude la interpretación: es una cosa en sí misma", dijo Bayley.

Ken Kolsbun, un historiador de los símbolos de paz, cree que la simplicidad del diseño influyó en su perenne éxito. "Un niño de 5 años puede dibujarlo. Es un símbolo tan poderoso con una suerte de atractivo hipnótico", dijo en una entrevista telefónica.

Símbolo de paz

Kolsbun ha pasado décadas fotografiando el símbolo, comenzando en la década de 1960 en California. "Llegó en el momento correcto. También se siguió adaptando, como un camaleón, tomando diferentes significados para la paz y la justicia", dijo.

"Es un diseño increíble. Las grandes corporaciones morirían por algo como esto, solo mira cuántas tienen sus logos en un círculo. No sorprende que algunas personas lo dibujen incorrectamente, sin la línea de abajo, e inconscientemente dibujen el logotipo de Mercedes".

En Estados Unidos el símbolo fue utilizado por primera vez por los movimientos de derechos civiles. Probablemente fue importado por Bayard Rustin, un colaborador cercano de Martin Luther King Jr., que había participado en aquella marcha de Londres en 1958.

Al otro lado del Atlántico el símbolo perdió su asociación con el desarme nuclear y llegó a significar, de forma más general, la paz: "Los años 60 en Estados Unidos fueron principalmente antibelicistas. Yo ni siquiera sabía que significaba desarme nuclear", dijo Kolsbun.

Cuando la guerra de Vietnam se intensificó a mediados de la década de 1960, el símbolo de la paz fue adoptado por los manifestantes contra la guerra y el movimiento de contracultura y saltó al estereotípico contexto de las combis de Volkswagen y las camisetas con lavado ácido. Deliberadamente libre de derechos de autor, viajó por todas partes, apareciendo en la antigua Checoslovaquia como un símbolo contra la invasión soviética, y en Sudáfrica para oponerse al Apartheid.

Un vehículo Volkswagen decorado con un elaborado símbolo de paz. (Credito: Ken Kolsbun)

A medida que el símbolo ganó popularidad, también enfrentó la oposición. "Algunos realmente lo odiaban, como el grupo de extrema derecha John Birch Society. Sacaron una revista mensual y, en 1969, hicieron un artículo denunciando el símbolo, diciendo que era una señal del demonio. Ese texto se propagó por Estados Unidos y el New York Times lo recogió. Recibió tanta publicidad que algunas personas todavía lo ven como un símbolo satánico después de todos estos años", dijo Kolsbun.

Al revés

Kolsbun y Holtom coincidieron en 1975, cuando el primero estaba investigando para un libro que finalmente se publicaría en 2008, marcando el 50 aniversario del símbolo.

"Tenía muy buenas ideas y me compartió algunos de sus bocetos personales. Era una persona dedicada. Sabía bien su oficio. Era un tipo muy inventivo", contó Kolsbun.

Según Kolsbun, Holtom había diseñado una versión al revés del original, con las líneas hacia arriba, en donde la letra "N" era reemplazada por una "U" para indicar el desarme "unilateral", y lamentó no haberla usado.

"Él prefería la versión invertida. Creo que al principio lo vio como desarme nuclear, pero a medida que pasaba el tiempo creo que sintió que realmente debería haber sido un desarme universal o unilateral, que abarcara todas las armas. Quería que la versión invertida apareciera en su lápida, pero desafortunadamente no sucedió", dijo Kolsbun.

En sus 60 años de historia el símbolo se ha utilizado en los movimientos ecologistas y los derechos de las mujeres y los homosexuales, así como también en todo tipo de mercancías. Ha aparecido en camisetas de Moschino, colgantes de Tiffany, sellos postales estadounidenses e incluso paquetes de cigarrillos Lucky Strike.

Una versión modificada del símbolo de paz en el que se muestra la Torre Eiffel, en honor a los fallecidos durante los ataques terroristas de París del 13 de noviembre de 2015.

Su legado vive y se actualiza continuamente. Después de los atentados terroristas de París en 2015, el artista francés Jean Jullien reimaginó el diseño con la forma de la Torre Eiffel, creando un símbolo mundial de solidaridad.

Sin embargo, una cosa puede haberse perdido en el camino, según Kolsbun: el significado original.

"Mucha gente todavía no sabe lo que realmente significa: no a las armas nucleares. La mayoría simplemente cree que significa ‘paz’. Pero creo que es importante saber el verdadero significado, porque la amenaza nuclear no ha desaparecido. Es, de hecho, más fuerte que nunca".

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El Consorcio Unicode, una organización sin fines de lucro que establece el estándar global para emojis, anunció este miércoles que 157 nuevas opciones de emojis llegarían este año. La última colección incluye una llama, un cupcake, una bandera pirata y varias caras sonrientes más expresivas.

Así, habrá emojis con una variedad de nuevos peinados, como rizados o calvos, y más opciones de color de cabello como el rojo y el blanco.

También habrá más animales, como un canguro, una langosta, un cisne y un mosquito. Las caras sonrientes más divertidas incluyen una "cara fría" con témpanos colgantes, una cara de fiesta y un emoji "aturdido".

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Nuevos superhéroes y villanos también están en esta nueva camada de emojis. Además habrá representaciones de actividades populares como el lacrosse, el tejido de punto, la costura y el skateboard.

Los emojis saldrán este año. Después de que Unicode publique sus directrices, los fabricantes de software como Apple y las versiones de diseño de Google hará sus versiones para sus respectivas plataformas. Es por eso que los emojis en iPhones se ven diferentes a los de los teléfonos con Android.

¿Cuándo estarán disponibles los nuevos emojis? Por lo general, Apple previsualiza sus versiones en junio y las lanza con la próxima actualización de iOS. Android lanzará sus emojis a finales de este año.

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Con las últimas incorporaciones, la cantidad total de emojis aprobados será de 2.823. En los últimos años, Unicode ha realizado un mayor esfuerzo para incluir tonos de piel, ocupaciones y banderas más diversas.

Habrá 2.823 emojis en total.

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La colección, que sale a la venta este miércoles, utiliza cierres magnéticos y velcro para vestirse más fácilmente. La linea cuenta con 37 estilos para hombres y 34 para mujeres, e incluye camisas, pantalones, chaquetas, suéteres y vestidos.

Las camisas tienen botones y puños con imanes para que las personas con discapacidad puedan quitárselas por encima de la cabeza o vestirse con una mano.

Los pantalones, que incluyen modelos chinos y vaqueros, cuentan con cierres magnéticos, cremalleras y dobladillos ajustables para acomodar los apoyos ortopédicos para las piernas. También tienen lazos para tirar en la pretina.

“La inclusión y democratización de la moda siempre han estado en el ADN de la marca”, dijo Tommy Hilfiger, fundador de la marca, en un comunicado. “Esta colección se construye con esa visión: empoderar a adultos con habilidades diferentes para que puedan expresarse a través de la moda”.

Hilfiger, propiedad de PVH Corp, sacó el año pasado una línea de ropa para niños con discapacidad. La marca trabajó con Runway of Dreams, una organización sin fines de lucro, dedicada a impulsar moda más accesible para personas con discapacidad.

Uno de los activistas asegura que la nueva colección de Hilfiger es un gran paso.

“Muchas personas con discapacidad tienen dificultades para comprar ropa funcional”, explicó Cara Liebowitz, coordinadora de desarrollo del National Council on Independent Living (Consejo Nacional para la Vida Independiente). “Es un enfoque sistemático”.

Liebowitz asegura que las grandes marcas deberían dar pasos para diseñar ropa para personas con discapacidad.

“Me gustaría que la ropa adaptable se vuelva algo común”, sostiene. “No debería ser algo especial que diseñan las compañías”.

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Atrás quedaron los días de los espacios estériles, de las habitaciones compartidas y los edificios que podían confundirse con oficinas corporativas. Estamos viendo una nueva clase de hospitales, más parecidos a hoteles gracias a sus habitaciones privadas, a sus jardines y a sus instalaciones artísticas.

Sin embargo, la competencia está alejando a la gente de los centros privados y los está llevando hacia los hospitales públicos que están adoptando un nuevo enfoque más centrado en el paciente, de acuerdo con Pat Bosch, directora de diseño de la oficina de la firma de arquitectura Perkins + Will en Miami.

“Estamos viendo muchas intersecciones con (la arquitectura del) Estados Unidos corporativo, comercial, hotelero y gubernamental”, señala. “La idea es determinar cómo atraer y retener a tu comunidad y a tus pacientes, cómo atraer y retener a médicos y enfermeras”.

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Maggie's Cancer Caring Centre, diseñado por Foster + Partners.

Los ‘mismos principios que la medicina’

Para responder a estas preguntas, los diseñadores del sector salud siguen los mismos principios que la medicina: investigación profunda, toma de decisiones basada en la información y reevaluación constante.

Este enfoque muy centrado en la investigación, conocido como diseño basado en evidencias, obliga a las firmas de diseño a tomar en cuenta los más mínimos detalles, como minimizar la distancia entre la estación de enfermeras y las habitaciones de los pacientes, perfeccionar la acústica para que las secciones sean más silenciosas y elegir materiales que limiten el riesgo de infección.

El desafío que muchos diseñadores enfrentan está convenciendo a los clientes de tomar en cuenta estas consideraciones de formas novedosas e ingeniosas.

“Como diseñadora que ve las cosas desde un punto de vista humanista y contextual, el desafío con el que siempre me encuentro, desde el punto de vista de las instalaciones, es la vieja mentalidad de ‘ya hice esto antes y quiero hacerlo igual otra vez’”.

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Otro Maggie's Center, en Oldham (Inglaterra).

¿Un acto de equilibrismo?

Los despachos de diseño también tienen que equilibrar las necesidades técnicas de los médicos y el personal con la comodidad de los pacientes. Aquí es donde entran en juego las soluciones innovadoras. En el Centro Médico Jacobs, en La Jolla, California, el director de diseño del Yazdani Studio de CanonDesign, Mehrdad Yazdani, creó muros escultóricos detrás de las camas de los pacientes para guardar el equipo médico que suele quedarse a la vista.

"En la mayoría de los hospitales hay testeros. A pesar de que son muy necesarios, no necesariamente son agradables estéticamente y, en todo caso, intimidan a los pacientes y a sus familiares”, dijo. “Mi diseño tiene paneles desmontables, así que no solo esconden gran parte de esa tecnología para que sea menos intimidante, sino que también dan flexibilidad al hospital conforme la tecnología y las necesidades cambian”.

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Esta es la Superclínica Caboolture, en Queensland (Australia).

Los Maggie's Centres, un conjunto de centros de apoyo para pacientes con cáncer en centros hospitalarios del Reino Unido, Hong Kong y Japón, son famosos por el diseño creativo de arquitectos estrella como Zaha Hadid, Frank Gehry y Norman Foster.

Como los Maggie's Centers no son centros de tratamiento con consideraciones tecnológicas complejas, los arquitectos que usualmente no se dedican a proyectos del sector salud pueden crear espacios inspiradores y sanadores.

“No hay duda de que cuando alguien entra (a un Maggie's Centre), hay algo en la arquitectura que puedes ver en el lenguaje corporal de la gente”, dice Laura Lee, directora ejecutiva de estos centros.

“Pronto dejan de sentirse tensos y nerviosos. Sus hombros se relajan. Hay algo en la materialidad del edificio que indica que es un lugar agradable”, agrega.

El 9 de junio, Maggie's inauguró su centro más nuevo en Oldham, una ciudad al noreste de Manchester, Inglaterra. El edificio fue diseñado por la firma londinense dRMM; es un edificio sencillo de madera que flota sobre un jardín y ofrece paisajes serenos del horizonte y de los vecinos montes Peninos.

El 9 de junio pasado se inauguró el Maggie's Centre de Oldham, una ciudad al noreste de Manchester.

La arquitectura como oasis

Uno de los fundadores de dRMM, Alex de Rijke, dice que es un “oasis” y un “manifiesto de la arquitectura saludable”.

“Tratamos de diseñar un edificio que hablara en tres dimensiones de lo que podría ser la arquitectura del sector salud”, explica. “Eso es importante para mí, ya que la idea es que demos algo de placer, placeres sencillos, a la gente que está pasando por algo realmente difícil”.

A lo largo del proceso de diseño, De Rijke y su equipo investigaron a fondo cómo es el tratamiento contra el cáncer y la arquitectura del sector salud. Además de consultar a Maggie's, hablaron con los pacientes y con sus familiares para descubrir cómo hacer que el nuevo centro fuera lo más cómodo posible.

Sus hallazgos se dejan ver sutilmente a lo largo de los 260 metros cuadrados del centro. Las manijas de madera reemplazan a las estériles de metal, que pueden agravar la neuropatía de las manos de los pacientes que se someten a quimioterapia.

Unos aleros cuidadosamente ubicados protegen a los pacientes fotosensibles de los rayos UV, al tiempo que permiten que entre suficiente luz natural para animar el espacio. La paleta de colores naturales compensa la palidez que sigue al tratamiento.

De Rijke dice que “no es que te sientes en un sillón para recibir radioterapia o quimioterapia y que el sillón tenga que ser de tal tamaño y estar en cierta posición respecto de la ventana. Así es el diseño de hospitales. Esto trata más bien de la relación entre la psicología y el diseño”.

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El diseño trasciende la función

Así es el exterior del Centro de Radiación Oncológica de Kaiser Permanente en Anaheim (California).

Crear un entorno calmante debe ser prioridad de hospitales y centros de tratamiento porque está demostrado que si el estrés se reduce, las estancias de los pacientes son más cortas.

Las firmas de arquitectos han trabajado para llevar la naturaleza a la experiencia del paciente con jardines exteriores e interiores, con exteriores cubiertos con paneles de vidrio para poder disfrutar la luz y el paisaje, y con el uso de materiales naturales como la madera y la piedra.

En el diseño del Centro de Radiación Oncológica de Kaiser Permanente, en Anaheim, California, Yazdani conectó las instalaciones con el paisaje, algo antes impensable porque es necesario contener la radiación. Su equipo instaló jardines zen y muros vivos que pueden verse desde las salas de tratamiento.

Aun después de que estos proyectos se hayan hecho realidad, los investigadores (y los mismos despachos de arquitectura) seguirán estudiándolos. “Queremos regresar después de unos años a estudiar la duración de la estancia de los pacientes para ver si este edificio está ayudando a que la recuperación sea más rápida, gracias a la comodidad y la experiencia que creamos en la planeación y el diseño”, explicó Yazdani, hablando del Centro Médico Jacobs.

Después de todo, como apunta Yazdani, “estos centros médicos y hospitales pueden ser muestras hermosas y poderosas de arquitectura, no solo edificios funcionales”.

Con la colaboración de Allyssia Alleyne, de CNN.

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Exhibiendo cerca de 80 ejemplos de ideas, productos y negocios fallidos –que van desde la “Coca Cola II" condenada al fracaso hasta el infame Sony Betamax– el museo recién inaugurado celebra los fiascos más notorios de la historia moderna.

Coca Cola II

Pero además de exponer los fracasos olvidados que datan desde hace tiempo (¿recuerdas los MiniDiscs?), el fundador Samuel West se embarcó en la misión de ayudarnos a aprender sobre nuestros errores. West es un psicólogo clínico y organizacional, que creó el museo después de crecer "harto de historias exitosas”. Y según él, entender un mal diseño puede ser más valioso que imitar uno bueno.

“Como sociedad, alabamos el éxito y satanizamos el fracaso", explicó por teléfono. "O sólo hablamos de las fallas si más tarde condujeron al éxito, pero la mayoría no se mencionan. Simplemente terminan como fracasos”, agregó.

“Pero son una oportunidad fantástica para aprender”, insistió.

Olvidando al usuario

TwitterPeek

Ubicado en la ciudad sueca de Helsingborg, el Museo del Fracaso abrió sus puertas con una colección que incluye el intento fallido de Nintendo a mediados de la década de los 90 por incursionar en la realidad virtual con el Virtual Boy, así como el TwitterPeek, un dispositivo portátil de 200 dólares que ofrecía acceso a Twitter… y únicamente a Twitter.

Además de tecnología para el consumidor, el museo alberga autos que fueron mal recibidos en el mercado, junto a productos comestibles, como la salsa de tomate verde de Heinz. Sus espacios también están dedicados a lo que el museo considera malos ejemplos de ingeniería (el Titanic) y de planificación (la crisis económica en Islandia).

La colección incluso presenta al descontinuado juego de mesa de Donald Trump al estilo de Monopoly, “Trump: el juego”.

"Fue un juego mal diseñado", señaló West. "Era demasiado complejo y nadie podía entender el manual de instrucciones”.

"También es muy aburrido, no hay nada divertido en él. La foto de Donald Trump está en el dinero, la caja y las piezas del juego, incluso los dados tienen una 'T' grande en lugar del seis”, insistió el fundador.

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De hecho, según él, la deficiencia más común entre los productos objetables está en la falta de un diseño concentrado en el usuario. “Una gran parte del museo está dedicada a ejemplos de buena tecnología en la que (los diseñadores) nunca se detuvieron a preguntarse '¿Qué demonios va a hacer la gente va a hacer con esto?'", sostuvo. "No pensaron en la utilidad para el usuario final: ¿qué van a hacer con el producto?, ¿cómo agrega eso valor a sus vidas?".
Los descuidos de este tipo suelen estar apuntalados por la ambición corporativa, señaló Tom Godfrey, organizador de los premios The Shonkys, creados para generar conciencia sobre el consumidor y que cada año destacan los peores productos y servicios. "La búsqueda (ciega) de ganancias por parte de las empresas es claramente un problema", aseguró.

Entender el fracaso

En vez de burlarse del mal diseño, West espera que su museo pueda ayudar a acabar con el estigma de hablar sobre los errores.

"Necesitamos aceptar el fracaso si queremos algún tipo de progreso", aseveró. "Las organizaciones –y nosotros como individuos– debemos mejorar nuestra capacidad de aprender de él”, continuó.

Una de las piezas expuestas –el “asistente digital personal” de Apple, Newton– demuestra cómo las organizaciones pueden convertir el fracaso en éxito. Lanzado en 1993, la función de reconocimiento de escritura a mano del dispositivo no cumplió con las expectativas y Steve Jobs canceló la plataforma en 1998. Doce años más tarde, la compañía lanzó el exitoso iPad.

"Al cerrarlo, liberé algunos ingenieros buenos que podrían trabajar en nuevos dispositivos móviles", confesó Jobs años más tarde. "Y finalmente lo hicimos bien cuando nos movimos a los iPhones y el iPad”.

La auténtica variedad de piezas que conforman museo, muchas de las cuales fueron adquiridas en eBay, refuerza la creencia de West en que los productos mal diseñados tienen muy poco en común entre ellos.

Inspirándose en una cita de León Tolstoi –“Todas las familias felices se parecen unas a otras, pero cada familia infeliz tiene un motivo especial para sentirse desgraciada–, West creó un slogan para su museo: "Todas las innovaciones exitosas se parecen unas a otras; todas las innovaciones fallidas fracasan en su propia manera interesante y espectacular”.

Pero entender el fracaso es, a primera vista, una ciencia inexacta.

Para Henry Petroski, autor de libros como Success through Failure: The Paradox of Design (El éxito a través del fracaso: la paradoja del diseño) y To Engineer Is Human: The Role of Failure in Successful Design (La ingeniería es humana: la importancia del fracaso en el éxito del diseño), es realmente bueno que los productos compartan la menor cantidad de atributos entre ellos.

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"Cada esfuerzo exitoso es diferente: tiene distintas circunstancias y jugadores", explicó Petroski, quien también es profesor de ingeniería civil en la Universidad de Duke. "Los fracasos son indicios bastante precisos de lo que no se debe hacer, o de lo que puede salir mal. Tienen lecciones muy determinadas”, agregó.

"Pero cuando algo tiene éxito, resulta menos claro cuáles son las razones detrás del triunfo. Tratar de replicar el éxito, como muchas personas han hecho, es una propuesta muy arriesgada”, indicó Petroski.

Así que parece apenas necesario preguntarle a West por su mayor fracaso, aparte de escribir erróneamente la palabra “museo”, antes de comparar el nombre de su primer dominio. “Soy muy bueno creando ideas y proyectos divertidos e interesantes. Pero terminan muriendo porque no encuentro una manera de ganar dinero con ellos”, confesó.

Entonces, todo está en el espíritu del museo: West abordó sus proyectos fallidos haciendo una exposición itinerante, que también está disponible para contrataciones privadas. Una colección nómada visitará Los Ángeles, Nueva York, Shanghai y Tokyo entre 2018 y 2019.

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Por poner algunos ejemplos: la primera misión de Estados Unidos a la Luna, el Mars Rover, los primeros satélites científicos en órbita. Durante décadas, los científicos del JPL han mirado hacia afuera, empujando los límites del conocimiento humano más allá de nuestro planeta.

Es un trabajo asombrosamente inspirador y creativo. Pero los científicos del espacio pasan en realidad sus días concentrados en números, datos y detalles.

Por eso en el JPL, hay un equipo de cultivadores de maravillas que se mantiene en guardia contra lo mundano. Dentro del campus, el grupo se compone de artistas y diseñadores escondidos entre los astrofísicos del laboratorio, ingenieros aeroespaciales y geólogos. Se llaman así mismos El Estudio.

El Estudio funciona como una agencia creativa interna. Sus clientes son científicos, misiones y departamentos de JPL que se acercan al equipo con sus necesidades creativas.

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Hasta ahora El Estudio ha creado un cometa de escala humana en Brooklyn y una instalación interactiva que simula explorar la superficie de Júpiter. El equipo les ha ayudado a los científicos a visualizar innumerables misiones y proyectos, desde el aterrizaje de una nave espacial en un cometa hasta el diseño de un robot de respuesta a desastres.

Dentro de El Estudio

“Metamorphosis”, un modelo de cometa, fue instalado en Brooklyn en 2014 para celebrar la misión de la sonda espacial Rosetta para aterrizar en un cometa.

El Estudio empezó con Dan Goods. Cuando se graduó del ArtCenter College of Design en Pasadena, Goods sabía que quería aplicar sus habilidades en diseño a la ciencia. Envió su curriculum a diferentes laboratorios de investigación en la zona, pero nadie sabía qué hacer con él.

Finalmente, Anthony Freeman, quien dirigía la sección de Arquitectura de Misión y Sistemas del JPL, le dijo: "Realmente no entiendo qué es lo que haces, pero te daré seis meses". Y eso fue hace casi 15 años.

Uno de los primeros proyectos de Goods fue una pared muy iluminada que revela planetas y otras formas cuando se proyectan sombras. La instalación fue diseñada para capturar el desafío –y la recompensa– de buscar nuevos planetas.

Después del éxito que tuvieron sus primeros proyectos, Goods pudo contratar a su “alma gemela creativa” David Delgado, un compañero de estudio en el ArtCenter. Entonces, hace siete años, trajo a la diseñadora de productos Jessie Kawata. Fue cuando El Estudio del JPL nació.

El estudio actual desde donde trabaja el equipo es un modesto remolque gris. Pero una vez se abre la puerta es obvio que estás en un lugar donde ocurren cosas extraordinarias. Carteles, pizarras, fotografías y bocetos cubren las paredes. Las mesas están llenas de viejos cristales científicos, un grumoso modelo negro de algunas rocas espaciales, una copia de "El Atlas de la NASA del Sistema Solar" y varias otras curiosidades.

Además de Goods, Delgado y Kawata, el grupo ahora incluye al diseñador Lois Kim, al artista Joby Harris, antiguo miembro del brazo investigación y desarrollo de Disney –Walt Disney Imagineering– y la ilustradora Liz B. De La Torre, también del mundo del entretenimiento.

De La Torre y Kim pasan gran parte de su tiempo desarrollando guiones gráficos para los libros de propuesta de las misiones, cuyo objetivo es proporcionar ayudas visuales a los planificadores de la misión. Pueden tener la longitud de una novela corta. De La Torre trabajó en el lanzamiento de Rosetta en 2004, la primera sonda en aterrizar en un cometa, usando la cinematografía de Hollywood y la técnica de pintura mate para visualizar la operación.

Mientras interrogaba a los científicos que la ayudaban a crear los elementos visuales, generó que ellos se preguntaran sobre la superficie del cometa: algo que no habían considerado en lo absoluto. ¿Habría géiseres o cuevas? ¿Cómo era la superficie? Sabían que era poroso, pero no como una esponja. Ellos la describieron más como "panqueques de cocina", recuerda De La Torre.

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Así que fui y literalmente hice panqueques y le tomé fotos a la textura”, relata. “Y terminó siendo de hecho bastante acertado cuando (la sonda) aterrizó”, añade.

El alcance de El Estudio se extiende mucho más allá del campus del JPL. Aunque su función principal es ayudar a las misiones que allí se generan, también existe para narrar las historias del laboratorio públicamente.

Esto sucede principalmente a través de instalaciones de inmersión. En 2014, Delgado y Goods colaboraron con Studio KCA, una firma de arquitectura y diseño de Nueva York, en "Metamorfosis", el modelo de un cometa en Brooklyn –que incluye una cola realista de vapor de agua– para celebrar la década de la misión Rosetta.

La escultura de acero, de unos 2,7 metros de alto y 3,6 metros de largo, brilla para imitar la manera en que los cometas reales reflejan la luz del sol. Los chorros de vapor se combinan con el polvo para crear la cola del cometa.

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En 2015, El Estudio trabajó con Studio KCA de nuevo para diseñar una "experiencia de sonido" llamada Orbit Pavilion (Pabellón de la Órbita), en la que los visitantes ingresan a un modelo gigante de una concha marina. En el interior, los datos de trayectoria de los satélites de la NASA se combinan con sonidos que atraviesan el interior de la concha produciendo un efecto similar al de tener jets volando por encima de la cabeza.

La idea de Orbit Pavilion se les ocurrió a Delgado y Goods en el Goldstone Deep Space Communications Complex de la NASA, un observatorio de California que se comunica con la nave espacial que orbita la Tierra y las que están en los confines de nuestro sistema solar.

“Tú entras (al complejo) y está esta cuestión de percepción, porque sabes que hay una cantidad enorme de flujo de datos que va y viene, pero es perfectamente tranquilo y no tienes idea de lo que está pasando", explica Delgado. Esto llevó a la pareja creativa a pensar: "¿Y si pudieras escuchar el lugar donde están estas naves espaciales?”.

Pero uno de los trabajos más impactantes del estudio es uno de los más pequeños: un agujero perforado dentro un grano de arena. Se supone que el grano representa la Vía Láctea, mientras que el agujero simboliza el área de la galaxia donde está nuestro planeta, y los planetas alrededor de otras estrellas.

Después de que Goods mostró el proyecto bajo un microscopio, recuerda que un astrofísico se acercó a echar un vistazo.

“Este hombre puede enfocar el telescopio espacial Hubble”, revela Goods. “Observó hacia abajo (a la arena), subió la mirada y me dijo a los ojos: ‘me acabas de recordar por qué trabajo aquí’”.

La posición del equipo de El Estudio es extraña. Muy pocas instituciones de investigación tienen un arte tan robusto y tal facilidad de diseño. Pero incluso en medio de la incertidumbre por los fondos gubernamentales para la investigación científica, el JPL sigue respaldando el papel esencial del grupo en el laboratorio.

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"Reconocemos el valor de la comunicación, tanto externamente para contar la historia, como internamente para ayudar con las misiones", manifiesta el subdirector del JPL, el teniente general Larry James.

"Creo que una de las cosas clave del JPL es que tenemos una historia increíble para comunicar. Cuando miras todas las misiones asombrosas –a Marte, a Saturno, a Júpiter, la primera nave espacial interestelar de la humanidad con Voyager– quieres comunicar eso muy bien. Tú quieres comunicarle esa exclusiva al público y (El Estudio) nos ayuda absolutamente a hacerlo”, continúa.

"JPL se trata precisamente de estar al borde de la posibilidad", complementa Goods.

Y ahí es donde está El Estudio firmemente instalado: en la frontera de lo que se ha hecho y lo que nunca se ha imaginado… hasta que ellos lo imaginan primero.

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La estrella de esta película monstruosa en el espacio fue invisible y desconocida hasta el momento en que el público realmente compró los boletos y fue a las salas de cine a verla. La compañía 20th Century Fox se la jugó por esta estrategia porque quería que la audiencia resultara totalmente sorprendida por la manera cómo lucía el extraterrestre.

Y la apuesta rindió sus frutos. 38 años después, el diseño de la criatura xenomorfa de Alien estableció un nuevo estándar sobre el modo en que las películas de ficción retratarían a los extraterrestres.

Este mes, las criaturas de la saga de Alien regresan para aterrorizar a las audiencias en Alien: Covenant. Pero la apariencia de pesadilla del alienígena apenas será impactante.

Incluso quienes no son fanáticos de la ciencia ficción pueden reconocer por estos días cómo se supone que debería lucir un “alien”, al punto en que las señales reveladoras de una criatura de otros mundos se han convertido en algo esperado.

Entonces, ¿por qué se ven los diferentes “aliens” de esa manera? ¿Y cómo será su apariencia en 20 años? Este es un recorrido por arte y el diseño de los extraterrestres más memorables de la historia del cine.

Un alienígena según un artista

H.R. Giger con el disfraz de extraterrestre de la película “Alien” (1979).

Originalmente contratado en 1973 por Alejandro Jodorowsky para el trabajo conceptual de una versión cinematográfica no producida de Dune, el artista H.R. Giger fue fundamental en la creación del diseño perturbador en Alien, del director Ridley Scott. Alan Dean Foster, quien escribió una versión de la película en novela, asegura que las ilustraciones de Giger fueron "críticas para el éxito de la película y sus sucesoras".

¡Con audacia yendo… a la Tierra!

Las máscaras de maquillaje para "Star Trek: The Next Generation”, diseñadas por Michael Westmore.

Extraterrestre peligrosos y agresivos aparecen de todas las formas y tamaños en Star Trek. Entre 1987 y 2005, el artista de maquillaje Michael Westmore creó más de cien extraterrestres diferentes –muchos de ellos amenazantes– durante las cuatro series de televisión de "Star Trek".

"Los ojos y la boca son las ventanas de comunicación entre los alienígenas y los humanos", explica el creador. En su libro de memorias, Makeup Man (Hombre del maquillaje), Westmore reveló que algunos de sus “futuros diseños de la frente" se basaron en una "vértebra de dinosaurio” real.

El diablo está en los detalles de Star Wars

Una foto que compila varios alienígenas de “Star Wars”.

Después de crear simios primitivos para 2001: Odisea en el espacio, Stuart Freeborn diseñó la gran mayoría de los extraterrestres en la trilogía original de Star Wars, incluida la famosa cara de Yoda. Pero como el artista fue hospitalizado brevemente en 1976, muchos de los alienígenas que aparecían en la escena de la cantina de la primera película de la saga fueron criaturas adaptadas, que originalmente habían sido creadas para otras cintas.

Alienígenas “grises"

Pequeños aliens grises.

El historiador y experto en recuerdos de OVNIS Jack Womack, también autor de Flying Saucers Are Real! (¡Los platillos voladores son reales!), describe a los extraterrestres “grises” de grandes ojos ovalados como parte del cambio en la manera en que estas criaturas eran retratadas por creyentes reales de que existían y cineastas como Steven Spielberg. "Los alienígenas de Close Encounters eran muy elocuentes sobre la transformación que estaba ocurriendo en ese momento”, sostiene. “De los aliens siendo un misterio a los aliens siendo nuestros amigos”, insiste.

Mirando los tentáculos

Extraterrestres con tentáculos de la película “Arrival."

Los alienígenas heptápodos con tentáculos de Arrival representan una divergencia entre los extraterrestres de ciencia ficción y los que han reportado supuestos testigos oculares. Este tipo de criatura son “más frecuentes en la ciencia ficción”, sostiene el experto Womack.

"Hay una larga tradición de aliens cefalópodos blandos que preceden a cualquier cosa en Lovecraft". Womack también cree que el predominio de alienígenas humanoides entre los verdaderos creyentes es cíclica. "Si la gente está familiarizada con los pequeños hombres verdes, verán pequeños hombres verdes”, apunta.

El futuro de los alienígenas puede estar en el pasado

La creación de un extraterrestre en la serie del canal SyFy “Face Off”.

Los extraterrestres de las películas o de la televisión dentro de 20 años podrían parecerse bastante a los que actualmente invaden nuestras pantallas. Igual que el ciclo de la moda, ciertos alienígenas siempre regresaran.

"Desde el principio de los tiempos, las imágenes aliens, o lo que se supone es una imagen o símbolo extraterrestre, ha aparecido en el arte de varias culturas históricas", dice el artista de maquillaje Westmore.

Y desde el silbido de Giger, los aliens de sangre ácida hasta el amigable y arrugado E.T., del estilo de Spielberg, los extraterrestres con extremidades, ojos y boca seguirán visitándonos en el cine y la televisión. Al menos, hasta que los reales lleguen.

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Aunque tú descanses en paz, la madera, el acolchado sintético y los metales que suelen usarse en los ataúdes tradicionales, así como el concreto utilizado para reforzar las tumbas, siguen contaminando la Tierra.

“También se gasta mucha energía en producir esos materiales, que se utilizan muy poquito tiempo y luego se entierran. No se descomponen muy rápido”, explica Jennifer DeBruyen, profesora de Ingeniería de Biosistemas y Edafología de la Universidad de Tennessee.

Los diseñadores italianos Raoul Bretzel y Anna Citelli podrían tener la solución. La llaman Capsula Mundi (cápsula del mundo, en latín) y es un ataúd orgánico en forma de huevo que también puede utilizare para cenizas.

La 'Capsula Mundi' es un ataúd orgánico en forma de huevo, apto para enterrar cuerpos y también para cenizas.

Una vez enterrada la persona, dicen los diseñadores, la cáscara de plástico biodegradable se descompone y los restos proporcionan nutrientes a un pequeño árbol plantado justo encima de la cápsula.

Bretzel y Citelli creen que la muerte está íntimamente relacionada con el consumismo, así como la vida. ¿Su objetivo? Crear cementerios llenos de árboles en lugar de lápidas, reducir los desperdicios y crear nueva vida alrededor de la muerte.

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La idea de la Capsula Mundi surgió en el 2003, cuando la pareja vio toneladas de muebles destruidos después de la famosa feria de diseño Salone del Mobile (Salón del Mueble) de Milán.

“Era una gran competencia por diseñar cosas nuevas, pero casi nadie se preocupó por el futuro impacto de esas cosas o por si alguien las usaría realmente”, dice Bretzel.

“Comenzamos a pensar proyectos que pudieran tener un aspecto ambiental. La muerte es parte de nuestra vida pero en las ferias de diseño a nadie le importa eso porque es un aspecto de nuestra vida que no queremos mirar. No queremos pensar en la muerte como parte de la vida”.

La ciencia detrás del invento

Los diseñadores presentan ahora la primera versión de su producto, que solo sirve para cenizas. Un modelo posterior servirá también para cuerpos, que serán encapsulados en posición fetal.

Esta es la versión de la 'Capsula Mundi' que solo sirve para cenizas.

Primero, las bacterias del suelo descomponen el bioplástico y luego las cenizas entran gradualmente en contacto con el suelo, sin cambiar drásticamente su balance químico.

Pero aunque la inhumación de cenizas puede ser ecológica y amigable con el medio ambiente, la cremación también tiene sus detractores. “Es un proceso que demanda mucha energía”, afirma DeBruyen.

Además, los viejos empastes dentales pueden liberar mercurio contaminante, por lo que los crematorios han instalado filtros de mercurio.

Si bien sembrar una semilla encima de la cápsula puede parecer un concepto atractivo, Jacqueline Aitkenhead-Peterson, profesora del Departamento de Ciencias del Suelo y el Cultivo de la Universidad de Texas A&M, sugiere que se utilicen árboles más maduros.

“Como el cuerpo se va a deshacer en un año en un ambiente de sepultura, los nutrientes son liberados al suelo muy rápido, así que la clave sería plantar encima un árbol de tamaño decente. Capturar esos nutrientes también es importante para proteger las aguas subterráneas”, explica la experta.

¿Pero beneficia de verdad todo esto al medio ambiente? DeBruyen cree que sí: “El problema con los entierros tradicionales es que son completamente anaeróbicos. Los restos son sepultados en lo profundo y sellados en un ataúd. Hay mucha degradación incompleta en ese proceso”.

“Estas cápsulas pueden ayudar a mantener algo de flujo de oxígeno en el sistema. Además, le aportan carbono a todo el sistema (por el bioplástico). Uno de los obstáculos y desafíos que plantea la descomposición de un cuerpo humano es que es muy rico en nitrógeno y, por eso, los microbios que tratan de descomponer todo ese nitrógeno necesitan algo de carbono para equilibrar el proceso”.

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La 'Capsula Mundi' en el Festival de Ciencia Przemiany en Varsovia, Polonia, en el 2016.

La ley detrás del invento

“Creo que hay suficiente ciencia y consenso con respecto a estas opciones como alternativa viable para la vida del más allá”, agrega DeBruyen.

A medida que la investigación científica apoya soluciones verdes como la Capsula Mundi, la conciencia ambiental también ha ido rompiendo barreras culturales en torno a los entierros.

“En los últimos 24 meses ha habido un aumento en el interés en los entierros verdes. A medida que nuestros proveedores siguen creciendo, la gente es más consciente y hay mucho más interés en esta práctica”, sostiene Kate Kalanick, del Consejo de Entierros Verdes, organización de certificación ecológica para la industria de servicios fúnebres en América del Norte.

Kalanick relaciona ese aumento con la conciencia ambiental de los llamados baby-boomers y con el interés en qué pasará con sus cuerpos una vez mueran.

¿Pero, es legal? “Es legal en toda América del Norte. No existe ningún rechazo gubernamental o legislativo a los entierros verdes en Estados Unidos o en Canadá”, agrega Kalanick.

En otros lugares podría ser distinto: “En Italia, por ejemplo, este tipo de entierro no se permitiría”, dice Bretzel.

“Estamos recolectando firmas para pedir que se legalice. Pero sabemos que hay un largo camino por recorrer antes de cambiar las reglas”.

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El túnel, de 1,7 kilómetros de largo y 36 metros de ancho, cruzará la parte más estrecha de la península Stad, en el oeste de Noruega, permitiendo que las naves de carga y pasajeros puedan pasar con seguridad cuando haya tormentas en el Mar Stadhavet y evitar una parte muy traicionera de la costa de la nación escandinava.

"El faro Kråkenes, al sur de Stad, es la estación meteorológica con más días de tormenta, que pueden ser desde 45 a 106 días por año", dice la Administración Costera de Noruega, que anunció el proyecto el miércoles.

Las muy altas olas que vienen en diferentes direcciones crean condiciones de navegación complejas y peligrosas, incluso después de que el viento ha amainado. "La combinación de viento, corrientes y olas en torno a esta parte de la costa hacen de esta sección una parte particularmente exigente de la costa noruega", dice la administración.

El equipo anticipa que construir el túnel tomará de tres a cuatro años y un costo estimado de 315 millones de dólares. Para crearlo, ingenieros tendrán que mover ocho millones de toneladas de roca.

Pasajes y canales para barcos se han construido en otras partes del mundo, pero este será el primer túnel que permitirá el paso a los cruceros y barcos carga más grandes, de hasta 16.000 toneladas.

El equipo anticipa que hasta cinco naves podrán pasar a través del túnel cada hora.

Si se pregunta qué sucederá si dos barcos llegan de frente, es poco probable, ya que habrá semáforos. "Vamos a seguir el estándar habitual con luces rojas y blancas para mostrar cuándo es seguro pasar", dice el equipo.

Se prevé la apertura del túnel para 2023.

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La firma arquitectónica Clouds Architecture Office (CAO) ha revelado sus planes para un rascacielos innovador que se denomina Torre Analemma. El edificio se construiría por encima del suelo porque estaría unido a –espera para creerlo– un asteroide real, en el espacio, que sería forzado a ponerse en órbita alrededor de la Tierra.

Y, si eso te parece difícil de digerir, piensa que tu ubicación exacta en esta construcción pendular podría estar en cualquier lugar del mundo.

La Torre Analemma pasando por encima de los edificios del centro de Manhattan, en Nueva York.

La construcción estaría suspendida desde el asteroide con una red de cableado de alta resistencia y se ubicaría en una “órbita geosíncrona excéntrica”. En otras palabras, siempre se estaría moviendo. De tal manera que los residentes e invitados tendrían que hacer un viaje diario entre los hemisferios norte y sur, con una visita prolongada en un punto “hogar” principal, como Nueva York o Dubai. (Siempre es la ciudad de Nueva York o Dubai, ¿o no?).

Los avances en la tecnología espacial podrían hacer realidad esta visión

En 2015, la misión Rosetta de la Agencia Espacial Europea aterrizó con éxito en la superficie del cometa Churyumov-Geraismenko, demostrando que es posible interactuar con estos cuerpos más pequeños en el espacio. Además, la "misión de redirección de asteroides" de la NASA tiene planificado un robot para recoger una roca de un asteroide y luego colocarla en una órbita estable alrededor de la luna.

Un asteroide sería trasladado a una órbita geosincrónica y fijado con cables de apoyo para sostener la torre por debajo.

De la misma manera, la firma Clouds Architecture Office planea usar un asteroide para sostener el rascacielos a lo largo de su viaje, con un cableado de alta resistencia que llegue hacia la tierra.

El diseñador de la Torre de Analemma Ostap Rudakevych le indicó a CNN que el edificio podría estar construido con materiales duraderos y ligeros como la fibra de carbono y el aluminio.

Por eso, se requerirían avances en la ingeniería de cables que permitan lograr la resistencia necesaria para soportar la estructura. La energía de la torre vendría de los paneles solares localizados en ​​el espacio y que cuentan con una exposición constante a la luz solar. Y el agua sería recolectada de nubes y agua de lluvia y se mantendría en un sistema circular semi-cerrado.

Según el plan, la parte superior de la torre estaría a 32.000 metros y se espera que alcance velocidades de 482 kilómetros por hora mientras viaja por el cielo.

¿Cómo saldrías de la torre?

El diseño de la torre deja en el aire algunas preguntas importantes como, "¿Qué hago si quiero tener también una vida en la tierra?”, "¿No me extrañarán mi familia y mis amigos porque ellos sólo tendrán una ventana específica cada día para verme e, incluso entonces, estaré flotando sobre la tierra, incapaz de hacer contacto?”.

Los pisos superiores de Analemma se extenderían más allá de la troposfera

Si tienes que hacer estas preguntas, entonces, odiamos decirlo, pero probablemente no estés listo para vivir en una enorme torre móvil colgada de un asteroide. Y aún así, los diseñadores te respaldan.

Rudakevych aseguró que visualiza drones de gran tamaño para pasajeros, que le permitan a las personas entrar y salir de la torre y de la superficie de la tierra, además de innovadores ascensores electromagnéticos que trasladen a la gente por dentro de esta fantástica visión.

Actualmente la propuesta pide que la torre se levante en Dubai, ciudad con una larga historia en la construcción de rascacielos altos y con estilo, por una fracción del valor que costaría en Estados Unidos.

Cuando le preguntamos a Rudakevych qué lo inspiró a crear un proyecto como este, explicó que “desde que los humanos salieron de las cuevas, nuestros edificios han estado creciendo para ser cada vez más altos y más ligeros. Creemos que algún día los edificios se liberarán de la superficie terrestre, salvándonos de inundaciones, terremotos y tsunamis, la Torre Analemma es una idea especulativa de cómo esto podría lograrse en el futuro ".

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Llamado Better Shelter (Mejor Refugio, en inglés), fue reconocido con el Premio Beazley al diseño del año y presentado por el Museo del Diseño de Londres. El refugio modular está hecho de plástico reciclable, tiene 68 componentes y puede ensamblarse en solo cuatro horas.

Cada estructura es lo suficientemente grande para albergar a una familia de cinco miembros e incluye un panel solar para encender luces y cargar dispositivos. Desde que comenzó a producirse, en 2015, se han entregado 16.000 unidades a distintos países en el mundo, entre ellos Iraq, Djibouti, Grecia y Niger, para ser utilizados como hogares, clínicas temporales y oficinas.

Un albergue para refugiados desarrollado por Ikea y Naciones Unidas ganó el Premio Beazley al diseño del 2016. Está hecho de plástico reciclable, tiene 68 componentes y puede ensamblarse en solo cuatro horas.

“Better Shelter aborda uno de los asuntos más importantes del momento: proveer refugio en situaciones excepcionales ocasionadas por la violencia o desastres naturales”, dijo la jurado del concurso Jana Scholze, profesora asociada de Curaduría de Diseño Contemporáneo en la Universidad de Kingston, en un comunicado.

“No se trata solamente de proveer un diseño, se trata de asegurar el proceso de fabricación y la distribución y eso hace que el proyecto sea relevante y optimista. Muestra el poder del diseño para responder a situaciones a las que estamos expuestos y para transformarlas”.

El refugio triunfó sobre nominados más llamativos, incluyendo unos zapatos especiales para correr de Adidas hechos de plástico reciclado recuperado del océano; el edificio de la Universidad de Ingeniería y Tecnología de Lima, diseñado por Grafton Architects y que ganó el Premio Internacional RIBA en 2016, y la nueva extensión de la Tate Modern de Londres, hecha por el grupo de arquitectos Herzog & de Meuron.

Estos zapatos especiales para correr de Adidas y Parley fueron fabricados con materiales reciclados recuperados del océano. Solo existen 100 pares. (Crédito: ADIDAS)

No es la primera vez que el impacto social le gana al glamour en estos premios. El año pasado, un microchip, que puede imitar las funciones de los órganos humanos, le ganó al carro que se maneja solo de Google, al diseño de la sede de la Fundación Louis Vuitton Frank Gehry y a la colección de prendas inspiradas en Star Wars, diseñada por Rodarte, entre otros.

Una taza de café, diseñada para ser utilizada en naves espaciales, la cubierta del disco de David Bowie Blackstar y un casco inteligente para bicicleta también estuvieron entre los diseños premiados este año, ganando en categorías individuales.

Todos los proyectos nominados serán exhibidos en el Museo del Diseño hasta el 19 de febrero.

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Pero Brookins, quien se gana la vida escribiendo novelas para adultos jóvenes, no tenía dinero para contratar obreros. Así que decidió construir una casa por sí sola: usando tutoriales de YouTube.

“Las cosas se vuelven bastante caras cuando estás escapando de una relación abusiva y tienes cuatro hijos”, explicó Brookins.

La intención inicial de esta mamá era comprar una casa, pero entonces descubrió que eran o demasiado caras o demasiado pequeñas. Fue cuando se dio cuenta que YouTube es una gran herramienta para los procesos y para explicar los “cómo”.

Así que después de una investigación cuidadosa, Brookins compró un terreno de 0,4 hectáreas en Bryant (Arkansas), a las afueras de Little Rock, y empezó a construir.

Brookins arrancó con su proyecto en 2008: miraba los videos en la tarde e iba haciendo una lista de las herramientas que necesitaba. Según su cálculo final, el costo de los suministros para la casa de sus sueños fue de 130.000 dólares.

Así que vendió una pequeña propiedad que tenía.

Sus hijos Hope, Drew, Jada y Roman, que en ese momento tenían entre 2 y 17 años, ayudaron durante todo el proceso.

“Drew, mi hijo mayor, me ayudó a dibujar el plan arquitectónico para que fuera aprobado por la ciudad”, aseguró Brookins.

Durante nueve meses, esta mamá y sus hijos trabajaron en la construcción de la casa. Jada llevaba el agua del estanque del vecino para hacer una mezcla que ayudó a sentar las bases. Drew colaboró con mover la madera. Hope cocinó para todos.

“El proceso entero acercó a nuestra familia y aprendimos que nada es imposible: encontramos una nueva esperanza”, añadió Brookins.

Sin embargo, todo el aprendizaje adquirido en YouTube no fue suficiente para llenar algunos vacíos de conocimiento. Así que Brookins sumó al proyecto la ayuda de un bombero, que tenía experiencia en construcción. Acordaron que ella le pagaría 25 dólares la hora, cuando pudiera costearlo, para que le ayudara con algunas tareas.

Por fin, el 31 de marzo de 2009, la familia se mudó a su casa de 325 metros cuadrados. La mamá decidió llamarlo Inkwell Manor porque, contó, quería un lugar en el que pudiera escribir y que también reflejara su pasión por los libros y la escritura.

La casa cuenta con cinco habitaciones y una biblioteca.

Ahora, esta experiencia es el tema de un libro: Rise: How a House Built a Family (Crecer: cómo una casa construyó a una familia), que se publicará el 24 de enero. Brookins explicó que con este libro espera a inspirar a los demás nunca pensar en un sentido pequeño.

“Yo nunca planeé escribir un libro. Tenía pena. Pero creo que es importante cambiar la perspectiva ante cualquier situación negativa y hacer algo grande”, insistió.

“Nunca pienses en tu situación como un viaje en solitario”, agregó Brookins. “Puedes sanar y crecer junto con tu familia”, concluyó.

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La compañía China Fortune Land Development (CFLD, por sus siglas en inglés) acordó dar 20 mil millones de dólares para la ciudad, actualmente sin nombre, después de una reunión entre los jefes de la empresa y el presidente egipcio, Abdel Fattah El Sisi.

Esto le sigue a un compromiso anterior de 15 mil millones de dólares de otra empresa estatal china, con lo que acerca al proyecto a su presupuesto requerido de 45 mil millones de dólares para la fase I.

Los planes para la nueva capital se dieron a conocer por primera vez en marzo de 2015. Los funcionarios del gobierno describen la urbanización como una solución al hacinamiento, la contaminación y el encarecimiento de la vivienda en El Cairo.

"La capital El Cairo es un esfuerzo trascendental para construir un espíritu nacional, buscar el consenso, proveer para el crecimiento sostenible a largo plazo", indicó el sitio web del proyecto. "(La) nueva ciudad creará más lugares para vivir, trabajar y visitar".

Modelo de la nueva capital en exhibición durante el anuncio del proyecto en Sharm el Sheikh.

Bajo construcción

La ciudad de 700 kilómetros cuadrados que será construida en el desierto al este de El Cairo, se convertirá en la nueva sede del gobierno y es presentada como una visión mucho más grandiosa de la capital actual.

Las propuestas para la ciudad incluyen vivienda para cinco millones de personas, más de 1.000 mezquitas, pueblos inteligentes, zonas industriales, un centro de conferencias para 5.000 espectadores y el parque más grande del mundo.

El interés en el proyecto ha sido muy fuerte. Se reporta que una empresa de la India está planeando un gran centro médico y universitario, mientras que una empresa de Arabia tiene la intención de construir una mezquita de 12,6 hectáreas y un museo islámico.

La construcción ya está en marcha. Según el diario Al-Ahram de Egipto, los ingenieros comenzaron a trabajar en la infraestructura, incluyendo puentes y 210 kilómetros de carreteras.

La primera fase del proyecto verá ministerios gubernamentales y edificios de viviendas elevarse de la arena. Esta fase podría completarse dentro de los próximos cinco años, con la mudanza de los primeros residentes.

¿Pueblo fantasma?

A pesar del optimismo de los funcionarios, existe la preocupación de que el proyecto se encuentre con problemas familiares. Egipto ya ha construido varias ciudades satélites alrededor de El Cairo, que registran baja ocupación a pesar de la alta inversión.

"Las necesidades de El Cairo deberían ser resueltas por las ocho nuevas ciudades existentes a su alrededor", dice David Sims, un planificador urbano y autor radicado en El Cairo. "Pero la gente los llaman pueblos fantasmas".

Los satélites repiten los mismos errores, comenta Sims, que también podrían afectar a la nueva capital.

"Las nuevas ciudades fabrican viviendas inalcanzables, inasequibles e inaccesibles para la mayoría de los habitantes de El Cairo", indica Sims. "Las nuevas ciudades construidas con un enfoque altamente modernista, no permiten las empresas y actividades informales de la que dependen la mayoría de los egipcios".

Una calle de casas unifamiliares y bloques de apartamentos en el ‘Nuevo Cairo’, una de las nuevas 'ciudades fantasma'.

Lecciones de aprendizaje

Egipto tiene un enfoque fundamentalmente equivocado para la planificación urbana, de acuerdo con el arquitecto y planificador Kareem Ibrahim, de la ONG Tadamun.

"Tenemos un problema crónico con el gobierno urbano de las ciudades existentes, y no importa cuántas ciudades construyan no están resolviendo este problema", dice.

La investigación de Ibrahim encontró que alrededor del 50% de los barrios de El Cairo no tenían acceso a los servicios de alcantarillado, mientras que los servicios públicos estaban fallando, y los consejos municipales estaban operando con tan poco como 4 dólares per cápita al año.

"Los niveles de privación fueron impactantes", asegura Ibrahim. "La inversión debería ser hacia la igualdad de derechos a servicios comunitarios y servicios públicos. Pensemos cómo desarrollar mejor la estructura de gobierno de las ciudades que tenemos, y luego construyamos nuevas ciudades".

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No es de extrañar que los mayores contaminantes son también los que están en mayor riesgo: China, que cuenta con una de las economías de más rápido crecimiento del mundo, también tiene el aire más “mortífero” del mundo, según la Organización Mundial de la Salud.

Para los que viven aquí, la noticia no debería causar conmoción. La polución se ha vuelto tan arraigada en la vida cotidiana china que las máscaras de contaminación con diseños de colores fuertes y llamativos se han convertido en accesorios obligatorios para los jóvenes urbanos preocupados por la respiración y tener buena apariencia.

Hace dos años, el diseñador Masha Ma radicado en Beijing emparejó sus atuendos con máscaras de cristal-tachonada de Swarovski en las pasarelas de París, luego pasó a venderlas en línea junto a los bolsos de Chloe y las bombas de Chanel. En las escuelas internacionales alrededor de Beijing, los estudiantes jueguen dentro cúpulas de millones de dólares que actúan como filtros de aire.

Es en este contexto que el galardonado diseñador holandés Daan Roosegaarde dio a conocer su Torre Libre de Esmog, una estructura de siete metros de altura que combina un diseño bonito con avance tecnológico, durante la Semana del Diseño de Beijing.

Una aspiradora de la contaminación

Se ve como un híbrido entre una nave espacial y una pagoda china tradicional, la Torre Libre de Esmog es esencialmente un purificador de aire gigante, creada en colaboración entre Roosegaarde, la Universidad de Tecnología de Delft y European Nano Solutions, una compañía de tecnología verde en los Países Bajos.

"Es la aspiradora de esmog más grande del mundo", dice Roosegaarde.

Así es como funciona: usando tecnología de iones, la torre atrae y absorbe pequeñas partículas de contaminación mediante el envío de pequeños iones positivos en el aire. Una vez dentro de la torre, estas partículas se adhieren a una superficie conectada a tierra, con carga negativa, lo que se llama un contraelectrodo.

Entonces, rejillas de ventilación en la parte inferior de la torre expulsan el aire limpio, creando una burbuja libre de contaminación alrededor de la estructura.

"La torre limpia 30.000 metros cúbicos de aire por hora", indica Roosegaarde, o aproximadamente un estadio de fútbol por día.

El proceso mejora la calidad del aire circundante en un 75% , Roosegaarde afirma, y no produce ozono, ya que las partículas están cargadas de tensión positiva en lugar de negativa ("la forma más segura de manejar grandes volúmenes de aire contaminado", dice). La torre no usa más de 1.400 vatios, o el equivalente de la energía que se necesita para un calentador de agua.

Roosegaarde y su equipo también han descubierto la manera de comprimir las partículas capturadas en pequeñas "piedras preciosas" que se sellan en un cubo de resina y se montan en anillos y mancornas. (Cada piedra es el resultado de unos 1.000 metros cúbicos de aire filtrado.)

Financiada en parte a través de Kickstarter, la Torre Libre de Esmog se desarrolló en un poco más de dos años y medio. Su piloto se dio a conocer el año pasado en Rotterdam, donde radica el estudio de diseño de Roosegaarde, pero es a China que le debe gran parte de su existencia: Roosegaarde concibió la idea en Beijing en 2013.

"Recuerdo claramente mirando fuera de la ventana de mi hotel un día y simplemente no pude ver nada", dice. "De un día para otro, la ciudad había desaparecido bajo una espesa capa de smog".

Roosegaarde cuenta con el respaldo del Ministerio de Protección del Medio Ambiente de China, que le ha pedido que lleve su proyecto por todo el país, con cuatro paradas más planificadas después de Beijing. El apoyo llega en medio de los esfuerzos del gobierno para hacer frente a la contaminación, una parte integral del 13 Plan Quinquenal de China publicado el pasado mes de marzo.

A lo largo de su recorrido, Roosegaarde se reunirá con universidades, escuelas y organizaciones ambientales.

"El objetivo no es sólo ofrecer una solución local y tangible para crear parques limpios", dice, "sino también el establecimiento de un nuevo sentido de la belleza -un futuro limpio- a través de la experiencia sensorial de aire limpio".

Es solo el comienzo

La mayoría de los proyectos de Roosegaarde son orientados al público y socialmente consciente. Su proyecto Carretera Smart, por ejemplo, prevé carreteras que se cargan durante el día y brillan en la noche, mientras que Waterlicht utiliza tecnología LED para mostrar el aumento del nivel de agua.

Tales esfuerzos ambiciosos no pasan desapercibidos: el Estudio Roosegaarde acaba de ganar la Medalla de Innovación del Diseño en el Festival de Diseño de Londres.

Aunque Roosegaarde tiene grandes esperanzas para la Torre Libre de Esmog, él sabe que no es una solución permanente.

"Desde que la instalamos en Beijing, la torre ha recogido a diario tanta contaminación como la que se recolectaba durante dos semanas en los Países Bajos", dice Roosegaarde. "Este es un problema que no se puede resolver de la noche a la mañana, ni con una sola torre. Se necesita un esfuerzo de abajo hacia arriba, con los ciudadanos y los gobiernos trabajando activamente para el cambio”.

"Mi esperanza es que un día en 10 o 15 años, vamos a mirar hacia atrás y va a resultar obsoleta. La pregunta acuciante es ¿cómo vamos a llegar allá?” Este, dice, señalando a la torre, "es un inicio".

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(CNN) – Esta es la primera de nuestra nueva serie Estilo Italia... dedicada al pasado, al presente y al futuro del diseño italiano.

Reunirse a comer con familiares y amigos es una piedra angular de la vida italiana, por lo que no es sorprendente que la arquitectura de la mesa haya inspirado a muchos diseñadores italianos a realizar objetos extraordinarios.

El diseñador Ettore Sottsass trabajó delicadamente a mano sus clásicos cubiertos Nuovo Milano 1987 para que fueran tan "suaves como piedras gastadas por el mar", mientras que el industrial Alberto Alessi consideró que era conveniente encargarle a arquitectos famosos a nivel mundial que hicieran siluetas miniatura de jarras, ollas y cafeteras.

¿Acaso cualquier otro país ha tomado utensilios funcionales para alimentos y los ha transportado a este interior del arte, arquitectura y diseño que a menudo es surrealista?

Sin embargo, la historia de cómo Italia llegó a dominar integralmente el campo del diseño mundial –en todo, desde autos hasta la ropa y los muebles– es notable.

Al salir de los escombros de la Segunda Guerra Mundial como una nación empobrecida y exhausta en el lado equivocado de la historia –derrotada en la guerra y muy por detrás de sus homólogos europeos más industrializados–, esto, sin duda, parecía improbable.

Descubre cómo, en tan solo dos décadas, una alianza de ciudades-estado se apoderó de la fabricación de la era espacial y la tradición mediterránea para hacer del diseño italiano algo tan bueno.

Un comienzo inesperado

El radicalismo atribuido a los diseños italianos puede, en parte, estar conectado a un capricho en la educación de diseño del país, el cual, a menudo –y sin duda de manera no deliberada–, se pasa por alto.

Otras partes de Europa han disfrutado de sus propios programas de diseño de fama internacional, desde las escuelas de arte Bauhaus de Alemania de la década de 1920 y 1930 y la Escuela de Diseño Ulm en las décadas de 1950 y 1960, hasta la universidad Royal College of Art del Reino Unido en Londres, que continúa en la actualidad.

Pero la práctica de la educación del diseño italiano ha trabajado de manera muy diferente para fomentar la creatividad.

La carencia de programas de diseño en Italia –hasta el lanzamiento de la Escuela de Diseño del Politécnico de Milán en 1989– ha significado que durante gran parte del siglo XX, los diseñadores por lo general eran capacitados en la arquitectura.

"La Conica", la primera cafetera de Aldo Rossi para Alessi, diseñada en 1983

La educación de arquitectura es altamente teórica y en Italia esto condujo a grupos importantes de diseñadores teóricamente conscientes. Las cafeteras del arquitecto y diseñador Aldo Rossi –con sus líneas cónicas y acabados arquitectónicos– muestran lo que sucede cuando los diseñadores traen una sensibilidad completamente diferente al diseño del producto.

Muchos arquitectos del movimiento Radical Design de Italia (en su punto cúspide durante alrededor de una década desde mediados de la década de 1960) produjeron soluciones llamativas para la vida urbana y los escapes rurales. De manera imaginativa en papel, estos diseños fueron, en su mayoría, demasiado radicales para una demanda generalizada... pero encontraron una segunda vida como objetos.

Las identidades duraderas de las ciudades-estado de Italia

Aunque pensamos en Italia como un país con una antigua historia, de hecho esta es una nación relativamente joven. Después de todo, los romanos eran solo eso: romanos, no italianos.

Italia se formó en 1871 a partir de ciudades-estado independientes con identidades distintas. Incluso hoy en día, las personas que viven en Milán son primero milanesas y luego italianas, y lo mismo es aplicable para los napolitanos, venecianos y otros.

Este patrimonio de las ciudades-estado y las identidades locales se alimenta en una cultura del diseño que es asimismo regional: desde la concentración de trabajo en madera en la región de los lagos del norte de Italia, hasta la fabricación de automóviles alrededor de Turín (donde un gigantesco fabricante de automóviles gigante construyó de manera famosa una pista de pruebas en el techo de su fábrica).

Sin embargo, el diseño radical italiano del siglo XX se llevó a cabo en un clima cultural internacional cautivo de los avances inspirados en el diseño espacial proporcionados por la película de Stanley Kubrick: '2001: Space Odyssey', así como la tecnología estadounidense.

Esta fue una época de rebelión en contra de la institución... la cual incluía el mundo del diseño.

'Kandissi Sofa', diseñado por el posmodernista Alessandro Mendini en 1973

Las revueltas estudiantiles de 1968 en Estados Unidos y en varias ciudades europeas se encontraron ese mismo año con la ocupación de la exposición de diseño XIV Trienal.

En este entorno, Alessandro Mendini y Ettore Sottsass proporcionaron un nuevo y convincente diseño en el molde posmodernista a través del grupo Studio Alchimia, y luego el grupo Memphis. Los diseñadores teóricamente sagaces que habían promovido el diseño radical comenzaron a jugar con el postmodernismo y a entretenerse con la deconstrucción. Sus diseños brillaban en las páginas de las revistas de estilo internacional.

'Hoy por mí, mañana por ti'

Como un país principalmente católico, la historia de Italia se ha formado en torno a la iglesia como una influencia a nivel local, regional, nacional y mundial.

El enfoque espiritual y social que ofrece la iglesia también ha permitido el desarrollo de redes de reciprocidad –"hoy por mí, mañana por ti"– que han ayudado a las empresas a desarrollarse a nivel local.

Los lazos familiares aquí también son cruciales.

La "Fábrica de Diseño" con el estilo propio de Alberto Alessi en Crusinallo, al norte de Italia, coloca la noción de la familia justo en el corazón de su catálogo de artículos para el hogar.

Aquí, los juegos de productos se describen como "familias" en lugar de rangos. Está la gama de la década de 1990 de productos plásticos luminosos de cocina, llamada 'Family Follows Fiction' (la familia sigue a la ficción). Y la colección 'Graves Family' (familia Graves), la cual fue diseñada por el arquitecto Michael Graves posteriormente a su enormemente exitosa tetera '9093 Kettle'... mejor conocida como la tetera 'Whistling Bird' (pájaro silbador).

Italia tiene una proporción inusualmente alta de las empresas familiares cuyo tamaño va desde pequeñas hasta de tamaño medio. Aquí, los diseñadores pueden desarrollar estrechas relaciones laborales con miembros de empresas familiares con destrezas en el diseño... y, a su vez, convertirse en miembros honorarios de la familia.

Incluso cuando estallan las peleas familiares, surgen oportunidades para que los diseñadores entren en puestos de liderazgo... como Tom Ford lo hizo de manera famosa en la casa de modas Gucci.

Tomado del mundo, fabricado en Italia

En última instancia, el secreto más convincente del éxito de la marca 'Made in Italy' (hecho en Italia) es que este no es enteramente italiano.

Para utilizar una comparación de fútbol, ​​la comunidad del diseño de Italia es como la Liga Premier del Reino Unido; esta logra el reconocimiento a nivel mundial por atraer talentos de todo el mundo.

Exprimidor de limón Juicy Salif por Philippe Starck para Alessi

El diseñador de algunos de los íconos más recientes de Italia es el francés Philippe Starck, mientras que el personal de los estudios más grandes de la moda de Italia procede de escuelas de moda a nivel internacional.

Los diseñadores de todo el mundo quieren trabajar con empresas y fabricantes de diseños de avance de Italia. Para algunos de ellos, eso significa viajar a Milán, Florencia o Turín y vivir allí.

Otras veces, los productos viajan hacia ellos.

El Iso Isetta 1953 (también conocido como el "coche burbuja") fue diseñado en Italia, pero ha sido autorizado para su producción a nivel internacional, notablemente de parte de BMW.

El mito y la mística de 'Made in Italy'

La marca "Made in Italy" en sí, se desarrolló inicialmente de manera orgánica, ya que las empresas que fabrican sus productos en Italia comenzaron a ver una ventaja comercial en la etiqueta.

La etiqueta ha estado protegida legalmente desde 1999, con la condición impuesta a partir de 2009 de que todos los productos deben estar diseñados, fabricados y empacados ​​en el país para ganarse el derecho a utilizar el nombre: "Made in Italy".

El mito y la mística de la excelencia del diseño italiano tienen bases sólidas en los centros regionales de excelencia de Italia, en las empresas familiares y en las redes profesionales, en los enfoques únicos de la educación de arquitectura y diseño, en la innovación de los materiales y la teorización radical.

Aunque el mejor diseño italiano es engañosamente simple en su artesanía... su éxito involucra muchísimo más de lo que se ve a simple vista.

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(CNN) – ¿Tu auto fue diseñado por un hombre o por una mujer? Es posible que nunca hayas pensado en ello y probablemente no puedes determinarlo. Pocas pistas dejan ver el género del diseñador.

"Si ves el deportivo Acura NSX, ¿puedes identificar que fue diseñado por una mujer? ¿O que la minivan de Honda fue diseñada por un hombre?'', pregunta Angus Mackenzie, editor general de la revista Motor Trend. "Un buen diseño es un buen diseño; trasciende el género y todos lo saben cuando lo ven".

Aunque la mayoría de vehículos en realidad son diseñados por hombres, esa disparidad de género está perdiendo intensidad, aunque lentamente.

El deportivo Acura de color rojo intenso, el NSX, podría ser el vehículo más importante que la marca introducirá el próximo año como un modelo de 2017.

Definitivamente es un auto para machos, tanto por su diseño angular como por su rendimiento increíblemente rápido. Y el hecho de que Acura eligiera a Michelle Christensen como la encargada del exterior del NSX dice mucho acerca de las incursiones que las mujeres están haciendo finalmente en los escalones superiores del diseño automotriz.

La mayoría de los trabajos de exteriores son asignados a hombres

Sin embargo, a la gran mayoría de diseñadoras de autos las contratan para hacer trabajos de estilo decorativos.

Ellas eligen las telas para los asientos, escogen los colores del exterior, y en general, supervisan los cómodos entornos del interior del auto, en lugar de diseñar lo que es considerado como el trabajo más codiciado en el diseño de automóviles: el exterior.

Eso no quiere decir que las asignaciones del interior no sean igualmente importantes.

Ciertamente lo son.

Sin embargo, la percepción de que el pez gordo del diseño automotriz es el exterior aún permanece. Y la gran mayoría de esas asignaciones aún están a cargo de hombres.

Pero ¿por qué? Ninguna de las personas con las que hablamos cree que los fabricantes de autos deliberadamente están dejando a las mujeres fuera del departamento de diseño. De hecho, MacKenzie de Motor Trends piensa que es lo contrario.

"Si hubiese una diseñadora talentosa, trabajadora y competitiva, algo que el trabajo exige, las compañías de autos se pelearían entre ellas y se apresurarían por contratarla".

Las primeras influencias podrían darle forma a las trayectorias de sus carreras

Steward Reed dirige el departamento de transporte en el Art Center College of Design en Pasadena, California.

Esta es una de las mejores escuelas de la nación de diseño automotriz, y sus graduados trabajan en importantes estudios de diseño automotriz alrededor del mundo.

Anteriormente este mes, su departamento llevó a cabo una ceremonia de graduación para el grupo más reciente de diseñadores en el transporte (en las áreas de diseño automotriz, aeroespacial y naval).

"Graduamos a una promoción de 15 estudiantes y entre ellos, había una mujer", lamenta. "Créeme, no es porque no queramos aceptar a las mujeres. Es cuestión de exposición y cultura, y las mujeres no parecen pensar en el diseño automotriz cuando aplican para ingresar a una escuela de arte. Parece que les damos un tipo de juguete a los niños cuando son pequeños, y otro tipo de juguete a las niñas. ¿Podría eso influenciar las clases de elecciones de carrera que hacen más adelante en la vida?"

Falta de mujeres en las escuelas de diseño automotriz

Sin duda, Reed, quien ha presidido el departamento de transporte del Art Center College of Design durante 10 años, desearía que más mujeres aplicaran.

"La mayoría de estudiantes que vienen a nosotros han sido afectados en algún punto en sus vidas por el aspecto y el rendimiento de los vehículos, no solo los autos, sino los transportes con alas, los que se desplazan rápidamente por los rieles", dice.

"¿Las chicas normalmente se vuelven locas por los camiones y los autos? No lo sé, pero esa exposición temprana parece ser lo que a la larga impulsa a los estudiantes a nuestra escuela. Y no he escuchado de ninguna barrera para entrar a los estudios de los fabricantes de autos; ellos estarían encantados de tener a más mujeres. Esa noción de que 'oh, ella es solo una mujer' ya ha desaparecido".

¿Qué inspira a las mujeres a dedicarse a una carrera en el diseño automotriz y cuáles son los premios del trabajo? Para obtener respuestas, CNN Estilo habló con importantes diseñadoras automotrices, y sus respuestas están en la galería al inicio de este artículo.

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Sin embargo, James Molesworth, editor sénior de la revista Wine Spectator dice que los dispositivos costosos generalmente son innecesarios. "No necesitas mucho más que un decantador sencillo, un sacacorchos y copas".

La inclusión de las últimas (las copas de calidad fácilmente pueden costar más de 100 dólares cada una) se está volviendo la opción popular en muchos de los restaurantes más elegantes del mundo.

"Refleja el auge del buen comer", dijo Molesworth a CNN. "Es parte del espectáculo y de la expectación, en un nivel determinado y en restaurantes con tres estrellas. De igual forma esperarías que te sirvan en una vajilla de porcelana fina y con cubiertos impresionantes".

El mismo vino, una copa diferente

Más allá de la estética, la premisa de algunas de las empresas fabricantes de copas (tales como Riedel, en Austria), es que la estructura de la copa puede alterar el sabor del vino.

Desde 1958, Riedel ha fabricado copas especiales, diseñadas para apreciar más de 300 tipos de vinos y de variedades de uva.

La idea es que si tienes una botella de Pinot Noir, por ejemplo, y la sirves en copas diferentes, el sabor de ese vino variará según las diferencias en la forma de las copas.

Así lo explica Georg Riedel, miembro de la décima generación de propietarios de la empresa familiar: "La copa es una herramienta hecha para lidiar con los muchos factores que contribuyen al sabor del vino, tales como la fruta, la neutralidad y la acidez, y equilibrarlos".

La 'arquitectura' de una copa

Cada copa Riedel se apega a tres parámetros principales en su diseño: tamaño, forma y boca.

El tamaño controla la cantidad de aire que entra en contacto con el vino; la forma determina el flujo del líquido hacia la boca, y el diámetro de la boca influye en la rapidez con la que el vino fluye y cómo llega al paladar.

Riedel dice que incluso el paladar de un bebedor promedio puede apreciar las diferencias de sabor.

"Estamos en la categoría de los mamíferos y tenemos cerebro. La sacarosa nos atrae naturalmente. Entre más dulce es una cosa, más nos gusta", dice.

Explica que las copas pueden acentuar de más los componentes amargos o ácidos de un vino, mientras que otras que tienen un diseño óptimo deben destacar los sabores más frutales de un vino.

Entonces ¿la forma sí importa?

Aunque se dice que el sabor es una experiencia subjetiva, los científicos del Instituto de Biomateriales y Bioingeniería de la Universidad Médica y Dental de Tokio, Japón, hicieron estudios sobre la materia hace poco.

Por medio de un dispositivo llamado cámara olfativa, el profesor Kohji Mitsubayashi y su equipo mapearon la distribución del etanol que se evapora en copas de diferentes formas.

Conforme el vino se calienta, las moléculas suben. El color rojo que detectó la cámara olfativa muestra grandes concentraciones de etanol evaporándose en diferentes copas con vino a 13 grados Celsius.

En una parte del estudio se analizaron tres copas de vino: una copa de vino estándar, un vaso recto y una copa para martini. Aunque se sirvió la misma cantidad de vino en las tres copas y se examinaron a 13 grados Celsius, las imágenes revelaron que en el borde de la copa de vino se creaba un patrón de vapor en forma de aro.

Mitsubayashi explica que esta forma de aro permite que los bebedores aprecien el vino sin que interfiera el olor del etanol, que se parece al del vodka.

La cámara olfativa captura esa interferencia y muestra concentraciones más altas de vapor de etanol en las otras dos copas.

"La forma de la copa de vino tiene un diseño sumamente sofisticado y funcional para paladear y disfrutar el aroma del vino", se concluye en el informe.

No se garantizan los milagros

Entonces ¿todos los aficionados a los vinos deberían correr a llenar sus vitrinas con copas de primera?

Georg Riedel opina: "Nunca diríamos que una forma de beber algo es incorrecta. El vino está para disfrutarse".

No obstante, cree que los bebedores "sí se pierden de algo" porque no comparan sus vinos en copas diferentes cuando abren una botella.

"Yo diría que todos los que prueban vinos en copas de formas diferentes creerían que son vinos diferentes. De ellos, puedes elegir tu preferido, lo que demuestra que una forma resalta los componentes del vino mejor que otra", dijo.

"Claro que una copa de vino no puede hacer que un vino malo se vuelva bueno. No hacemos milagros".

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Los Eames estuvieron entre los diseñadores más influyentes del siglo XX y muchos ejemplos de los productos y muebles desarrollados en la oficina de Los Ángeles que fundaron durante la Segunda Guerra Mundial aún permanecen en producción. Charles murió en 1978 y Ray, una década después, pero su influencia en numerosas disciplinas del diseño se ha mantenido y es sostenida por el trabajo de 'Eames Office', la cual le dio al equipo del Barbican acceso a su extenso archivo.

'The World of Charles and Ray Eames' (El mundo de Charles y Ray Eames) es la primera exhibición británica dedicada a la pareja desde 1999, y tiene el objetivo de ver más allá de los diseños de muebles que nos resultan conocidos a tantos de nosotros gracias a su omnipresencia en hoteles, restaurantes y terminales de aeropuertos.

Charles y Ray Eames con un panel de obras de 'Eames Office' creadas para el Instituto Estadounidense de Arquitectos, 1957.

"La mayoría de personas entienden su trabajo a través de los muebles, pero el resto de la producción de la oficina, como las películas que hicieron y su diseño gráfico, solo es conocida por personas con esos intereses específicos", me dice la conservadora Catherine Ince, quien editó el catálogo extremadamente informativo con Thames & Hudson.

"Sentimos que es mucho lo que hay que decir sobre los aspectos menos conocidos de su trabajo, así que tratamos de enfocarnos en sacar a la luz proyectos que quizá eran temporales, no se habían realizado y solo sobreviven por la documentación. Este enfoque ayuda a mostrar el alcance y profundidad del trabajo que ellos asumían y las cosas por las que se preocupaban".

Al ofrecer una mirada profunda a su contribución a los campos de la arquitectura, el diseño de muebles y la comunicación visual, la exhibición cuenta con más de 380 obras que van desde una tarjeta de presentación maravillosamente simple hasta la enorme nariz modelada de contrachapado para un avión militar experimental.

Charles Eames en la silla y otomana de madera contrachapada. Fotografía para un anuncio publicitario, 1956.

Los fans de los muebles no serán decepcionados —modelos a escala completa de sillas de plástico moldeadas y una serie de prototipos para sentarse en madera contrachapada, fibra de vidrio y metal son elementos prominentes— pero se ha hecho un esfuerzo por presentar la producción diversa de Eames Office en el transcurso de cuatro décadas.

De hecho, si existe un tema dominante en la conservación de la exhibición, es un enfoque en la capacidad de la oficina por comunicar ideas utilizando un amplio rango de técnicas y medios. Varios proyectos fotográficos y de cine desarrollados para clientes corporativos y del gobierno demuestran este enfoque pionero en el contenido multimedia. Entre ellos está una recreación de la película proyectada en varias pantallas, presentada por IBM en la Feria Mundial de Nueva York en 1964 - 1965, la cual recientemente fue restaurada y digitalizada por la Biblioteca del Congreso en Washington D.C.

La producción arquitectónica de la pareja está representada por dibujos y modelos que incluyen un modelo a escala 1:50 de dos 'Case Study Houses' diseñadas en los años cuarenta. Las casas fueron construidas utilizando un sistema innovador de componentes prefabricados, y los Eames vivieron en una de ellas desde que se completó en 1949 hasta el final de sus vidas.

El interior abarrotado y singular de 'Eames House' se muestra en fotografías y, junto con repisas que contienen colecciones de juguetes de estaño y máscaras mexicanas, muestra un poco los gustos eclécticos de la pareja y fuentes de inspiración de amplio rango.

La sala de la pareja Eames.

Si falta algo es una sensación más íntima de las personalidades y las vidas de los Eames afuera de la oficina. Ince dice que sintió que era más importante contar su historia a través de las obras, y menciona con toda la razón que "su carácter está presente en todo lo que hicieron". Varios ejemplos de cartas, notas y regalos que intercambiaron ayudan a entender un poco su relación, pero uno sale de ahí con una sensación más parecida a haber visto un buen documental y no una película biográfica con todos sus defectos.

Los fans de Eames que visitan la exhibición disfrutarán de descubrir nuevos aspectos de la producción multidisciplinaria del dúo y de absorber la riqueza de un material nunca antes visto, mientras los que recién entren en contacto con su trabajo quedarán impresionados por su ambición y su relevancia continua.

Mientras escribo esto, estoy sentado en una silla que crearon en 1958, la cual personifica el perdurable legado de estos diseñadores de pensamiento avanzado y fundamentalmente humanistas.

La exhibición 'The World of Charles and Ray Eames' se presenta en la galería de arte Barbican hasta 14 de febrero de 2016. El catálogo de Thames & Hudson que coincide con la exhibición también ha sido publicado.

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Liu, quien nació en Beijing y se mudó a Berlín a los 13 años, asumió el reto para East meets West (Taschen), un libro de bolsillo de pictografías que muestran cómo los valores (respeto hacia los mayores, el trato a los recién llegados) y las prácticas (remedios para la fiebre, pasatiempos populares) varían entre culturas.

"Este libro es un [resultado] natural de mi vida personal", dice Liu. "Yo comparaba constantemente [las dos culturas] durante toda mi estancia en Alemania, y trataba de entender las razones detrás de [la conducta de las personas]. Es probablemente mi manera personal de entender mi entorno".

Liu habló con CNN Estilo sobre el diseño, los malentendidos y el reto de reducir conceptos complicados y convertirlos en imágenes fáciles de entender.

CNN: ¿Qué inspiró tu serie East meets West?

Yang Liu: Empecé este proyecto en 2003 en Nueva York. En ese tiempo, yo había vivido exactamente 13 años en China y 13 años en Alemania, y quería documentar mi vida en esa etapa... yo tuve muchos malentendidos durante los 13 años en Alemania. Este es más como el diario de mi visión personal. La mayoría de las imágenes están basadas en una historia real, la cual me sucedió personalmente.

En este libro y en tu libro anterior, Man meets Woman, usas el mismo formato pictográfico. ¿Qué atractivo le encuentras a este enfoque simplista?

El lenguaje visual simple es la herramienta de comunicación más antigua para diferentes culturas. Para mí, es muy importante transmitir el contenido a mi audiencia. El lenguaje visual debería ser algo similar a los códigos y fácil de comprender de modo que los lectores puedan enfocarse en los mensajes principales.

¿Cómo condensas el mensaje en una pictografía individual sin sacrificar su matiz?

Siempre busco la solución más minimalista posible para seguir siendo capaz de transmitir el mensaje. Hago muchos bocetos. Me paso el 80% de mi tiempo de trabajo haciendo los bocetos, y la digitalización es solo un proceso técnico. Intento evitar el uso de una computadora lo más que puedo para tener más espacio para un proceso creativo. De hecho, yo trato de reducir los dibujos tanto como puedo, para ver hasta dónde puedo llegar [mientras que] siga siendo comprensible.

Esta forma de trabajar y de pensar, probablemente está influenciada culturalmente. Como yo crecí en el casco antiguo de Beijing antes de ir a Alemania, estaba muy influenciada por la cultura tradicional china. En la pintura tradicional china, la reducción de las herramientas y elementos visuales es el más alto nivel de arte. [Por ejemplo,] en la ópera tradicional de Beijing, la mayoría de los elementos del escenario no son realistas, sino símbolos y gestos. Una vez que entiendes los códigos básicos, puedes entender toda la obra.

Se podría argumentar que, a través de la simplificación excesiva, tu trabajo podría fomentar la proyección de estereotipos.

Los estereotipos pueden ser verdaderos o estar fuera de lugar... Considerando que East meets West es un diario personal, yo me enfocaba mucho en mis experiencias personales en lugar de enfocarme en lo que se ha visto como estereotipos.

Para nosotros hoy es muy importante ver aún más detrás de las acciones que se exponen. Existen razones detrás de todas las acciones y conductas, y estas están basadas en diferentes razones. Espero poder ayudar a que las personas tengan más interés y [darles un] punto de partida para comunicarse.

Desde que empezaste el proyecto, East meets West ha sido utilizado para programas de formación intercultural.

Sí, muchos entrenadores interculturales y programas de idiomas han incluido imágenes de East meets West para sus lecciones o para las capacitaciones empresariales. Me alegra el hecho de que mi libro le ayudará a las personas a acercarse a otra cultura y a ser capaces de reírse de sí mismas, además de que podría ayudarles a entender y a ser más tolerantes con los demás.

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