Se trata de un daguerrotipo en cuarto de placa de la ex primera dama Dolley Madison, esposa del cuarto presidente de Estados Unidos, James Madison, que data aproximadamente de 1846. Se une a una gran cantidad de otros retratos fotográficos tempranos en la colección de la galería, incluida la que se cree que es la fotografía más antigua de un presidente de Estados Unidos, un daguerrotipo de 1843 de John Quincy Adams hecho por Philip Haas, que fue adquirido por el museo en 2017.

El daguerrotipo de Dolley Madison, realizado por el artista y empresario John Plumbe Jr., muestra a la pionera primera dama cuando tenía más de 70 años. Plumbe, un inmigrante inglés que llegó a Estados Unidos en 1821, se dedicó profesionalmente a la fotografía unos 20 años después de su llegada, estableciendo estudios en más de una docena de ciudades antes de vender su negocio, en 1847. Además de su retrato de Madison, creó la primera imagen que se conserva del Capitolio de Estados Unidos.

(Imagen cortesía de Sotheby's)

La galería compró la fotografía de Madison por US$ 456.000 en una subasta de libros y manuscritos de Sotheby's, el 28 de junio, más de seis veces la estimación máxima del lote de US$ 70.000. Los fondos fueron aportados en parte por el secretario del Smithsonian, Lonnie G. Bunch III, y la Joseph L. and Emily K. Gidwitz Memorial Foundation Endowment, además de ayudas privadas. El catálogo de la subasta de Sotheby's describió la pieza como "una de las poquísimas fotografías que se conservan de la mujer que ha definido durante dos siglos lo que significa ser la primera dama de Estados Unidos de América".

"Este artefacto proporcionará al Smithsonian otra oportunidad de contar una historia estadounidense más robusta e iluminar el papel vital que mujeres como Madison han desempeñado en el progreso de la nación", declaró Bunch en un comunicado.

Muchos consideran que Dolley Payne Todd Madison, criada en una familia cuáquera de Filadelfia, inventó el papel de primera dama. Su extroversión, inteligencia y dotes de anfitriona ayudaron a su marido a crear amistades políticas estratégicas y a situar a la Casa Blanca en el centro de la sociedad de Washington.

Sus veladas de los miércoles se convirtieron en leyenda durante su mandato como primera dama. La Cámara de Representantes de Estados Unidos le concedió un escaño honorífico siempre que quiso asistir a las sesiones en el Capitolio. En su funeral, el presidente Zachary Taylor calificó a Madison como "la primera dama del país durante medio siglo", lo que supuso el primer uso de la expresión "primera dama".

(Imagen cortesía de Sotheby's)

El daguerrotipo fue el primer proceso fotográfico ampliamente difundido, inventado por su homónimo, Louis Daguerre, en 1839. El proceso consiste en pulir una lámina de cobre plateado y tratarla con vapores sensibles a la luz antes de exponerla a una cámara y, a continuación, extraer la imagen latente con vapor de mercurio y tratamientos químicos. Fue la forma más popular y accesible de hacer imágenes fotográficas en las décadas de 1840 y 1850.

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Dos cuadros y un dibujo de Pablo Picasso figuraban originalmente en la instalación "Ladies Lounge" de la artista estadounidense y conservadora de museos Kirsha Kaechele en el Museo de Arte Antiguo y Nuevo (MONA) de Tasmania —inaugurado en diciembre de 2020— "para todas y cada una de las damas".

La obra de arte experimental fue presentada por el museo como un "espacio tremendamente lujoso" donde las mujeres pueden disfrutar de "aperitivos decadentes, bebidas de lujo y otros placeres propios de una dama" servidos por un mayordomo mientras contemplan obras de arte en una sala cubierta de terciopelo verde.

Sin embargo, el Tribunal Civil y Administrativo de Tasmania ordenó a MONA que dejara de negar la entrada a "personas que no se identifican como mujeres", tras dictaminar en abril que el espectáculo infringía la Ley contra la Discriminación de 1998.

Kaechele explicó al tribunal que negar la entrada a los hombres a la misteriosa sala formaba parte del arte, pues les daba una idea de la discriminación y la exclusión que han sufrido muchas mujeres a lo largo de la historia.

Las piezas de Picasso se exponen ahora en un baño modernizado con un retrete totalmente funcional apodado "Salón de señoras", situado dentro del recinto artístico, explicó Kaechele en un correo electrónico.

"Mientras el Salón de Señoras se somete a una serie de reformas para cumplir las exenciones necesarias para su reapertura, he estado redecorando un poco. Pensé que a algunos de los baños del museo les vendría bien una actualización", añadió. "Algo de cubismo en los cubículos".

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Las obras de Picasso se trasladaron a un baño para mujeres en pleno funcionamiento. Museo de Arte Antiguo y Nuevo, Hobart, Tasmania, Australia

Este lunes, Kaechele publicó en Instagram un video e imágenes de las obras reubicadas in situ, y señaló que el baño con distinción de género también era una novedad para el museo.

Animó a "todas las damas" a disfrutar de la nueva exposición.

Kaechele (izquierda) y su séquito vestido de marinero a las puertas del tribunal a principios de este año. (Crédito: Charlotte Vignau)

Cierran el 'Ladies Lounge'

"Nunca habíamos tenido aseos femeninos en el MONA, eran todos unisex. Pero entonces el 'Ladies Lounge' tuvo que cerrar gracias a una demanda interpuesta por un hombre. Y yo no sabía qué hacer con todos esos Picassos...", escribió Kaechele, que también es la esposa del propietario de MONA, David Walsh.

A Jason Lau, un visitante de Nueva Gales del Sur, se le prohibió la entrada a la exposición "Ladies Lounge" el 1 de abril de 2023. Lau, que había pagado los 35 dólares australianos (23 dólares estadounidenses) que costaba la entrada, creía haber sufrido una discriminación directa por razón de sexo.

"Se sintió lo suficientemente afectado como para presentar una queja ante Igualdad de Oportunidades en Tasmania", rezaban las notas del tribunal.

Tras la sentencia, Kaechele dijo que recurriría la decisión del tribunal ante el Tribunal Supremo del estado y ofreció varias posibilidades para revivir el concepto de "Ladies Lounge".

Entre esas ideas figuraba encontrar resquicios legales en el artículo 27 de la Ley contra la Discriminación, que enumera las excepciones sobre cuándo estaría permitida la discriminación por razón de sexo. Mientras tanto, el salón cerró para no tener que abrir a los hombres.

Más tarde, Kaechele habló de posibles formas de reabrir el "Ladies Lounge" como iglesia, escuela, aseo y demás en una sesión de preguntas y respuestas que se publicó en el sitio web del museo.

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En un post de Instagram compartido este domingo, el artista y comisario británico-ghanés Joseph Awuah-Darko alegó que Wiley le agredió sexualmente dos veces en 2021. Awuah-Darko dijo que el primer incidente ocurrió el 9 de junio de 2021, en una cena celebrada en la Residencia de Artistas Noldor en Ghana, para celebrar el trabajo de Wiley. Awuah-Darko es el fundador y presidente del programa con sede en Accra.

En el post, afirmaba que Wiley le había "metido mano de forma inapropiada", delante de otro invitado, y que la acción había sido "inoportuna y no provocada". Luego describió un segundo incidente ese mismo día como "mucho más grave y violento", sin dar más detalles. (En una entrevista posterior con el New York Times, afirmó que "un encuentro sexual comenzó de forma consentida, pero que luego se trasladó a un dormitorio, donde... el Sr. Wiley le forzó después de que el Sr. Awuah-Darko dijera que no quería ir más allá").

Las agresiones "casi me destruyeron", escribió Awuah-Darko en el post, añadiendo que esperaba que otras personas se sintieran con fuerzas para denunciar.

Poco después de la publicación del post, Wiley negó las acusaciones, escribiendo en su propio Instagram que: "Alguien con quien tuve una relación breve y consentida hace casi tres años está haciendo ahora una acusación falsa sobre nuestro tiempo juntos. Estas afirmaciones no son ciertas y son una afrenta para todas las víctimas de abuso sexual".

"No tengo ni idea de por qué ha decidido atacarme de esta manera —especialmente cuando hay una letanía de pruebas que demuestran que sus afirmaciones son falsas—, pero espero que obtenga la ayuda que necesita para lo que sea que esté pasando", continuó Wiley. "Le pido amablemente privacidad mientras trabajo para limpiar mi nombre".

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Kehinde Wiley y el expresidente Barack Obama develan su retrato presidencial durante una ceremonia en la Galería Nacional de Retratos del Smithsonian, el 12 de febrero de 2018 en Washington. (Crédito: Mark Wilson/Getty Images)

Los representantes de Wiley proporcionaron a CNN una copia de una carta de cese y desistimiento que dicen que se envió a Awuah-Darko exigiendo que retire inmediatamente lo que describen como "categóricamente falso y difamatorio" lo que se publicó en Instagram. La carta califica las afirmaciones de Awuah-Darko de "malintencionadas" y con la intención de "arruinar la reputación (de Wiley) para... obtener beneficios económicos y llamar la atención".

CNN también vio copias de mensajes entre Awuah-Darko y Wiley que los representantes de Wiley afirman que se enviaron en los meses posteriores a la supuesta agresión. En algunos, Awuah-Darko parece estar organizando la asistencia a una fiesta de cumpleaños de Wiley en Nigeria; en otro le pregunta si puede visitarle en su casa del norte del estado de Nueva York. (Al parecer, Wiley no respondió a este mensaje).

Awuah-Darko y su representante legal no respondieron inmediatamente a las solicitudes de CNN para hacer más comentarios sobre sus acusaciones, así como la respuesta de Wiley, sin embargo, en su declaración del domingo en Instagram, dijo que "no se enfrentó inmediatamente a la realidad de mi abuso como tal", y que le tomó "varios meses para reconciliarse con lo que realmente había sucedido".

"Soy consciente de que no soy la víctima de agresión sexual perfecta", dijo Awuah-Darko al New York Times, "pero esto es lo que me pasó".

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En un video anterior de Instagram publicado en marzo, Awuah-Darko había afirmado que fue "agredido sexualmente por alguien que me supera en privilegios, poder..." y que aspiraba a recaudar 200.000 dólares para gastos legales.

Awuah-Darko dijo este lunes que planeaba emprender acciones legales en un post en sus historias de Instagram. El representante legal de Awuah-Darko no respondió inmediatamente a las solicitudes de CNN para hacer más comentarios. En el post de Instagram de este domingo, escribió que denunciar la agresión en Ghana "habría sido problemático en el mejor de los casos, peligroso en el peor", dadas las actitudes más amplias del país hacia las personas LGBTQ. En febrero, el parlamento de Ghana aprobó un polémico proyecto de ley que criminaliza las relaciones LGBTQ y a quienes apoyan los derechos LGBTQ.

Wiley saltó a la fama internacional en 2017, cuando fue elegido para pintar el retrato oficial de Obama para la Galería Nacional de Retratos del Smithsonian. El resultado fue una vibrante representación del 44º presidente sobre un fondo de follaje verde y flores simbólicas.

Antes de eso, el pintor, formado en la Universidad de Yale, ya se había labrado una carrera en el mundo del retrato y la escultura, representando a personas de raza negra posando al estilo de los antiguos maestros con un efecto audaz y ornamentado.

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El Museo Isabella Stewart Gardner de Boston, sin embargo, es actualmente más famoso por las obras de arte que no están allí, o al menos, las que ya no están.

El 18 de marzo de 1990, el museo fue víctima del mayor robo de arte de la historia. Trece obras de arte con un valor estimado de más de US$ 500 millones, incluidos tres Rembrandt y un Vermeer, fueron robadas en medio de la noche, mientras los dos guardias de seguridad estaban sentados en el sótano atados con cinta adhesiva.

Un nuevo episodio de "How It Really Happened" de CNN que se transmite el domingo 19 de mayo a las 9 p.m., hora del Este, presenta una entrevista con uno de esos guardias: Rick Abath, quien concedió su única entrevista televisiva a CNN en 2013 y murió en febrero de 2024, a la edad de 57 años.

El robo es un tesoro de hechos sorprendentes y giros inesperados en la trama. Aquí hay cinco cosas que hacen que el Museo Isabella Stewart Gardner y su famoso robo sean tan interesantes.

La mujer detrás del edificio

Isabella Stewart Gardner, fundadora y homónima del museo, es un personaje fascinante. Gardner, hija y eventual viuda de dos empresarios exitosos, fue una filántropa y coleccionista de arte que construyó el museo para albergar su tesoro.

Isabella Stewart Gardner, filántropa y una de las primeras activistas por los derechos de la mujer, construyó este museo de acceso gratuito en Boston para albergar su colección personal de arte. (Cortesía del Museo Isabella Stewart Gardner de Boston)

"Cuando abrió el museo en 1903, ordenó que fuera gratuito para ganarse el aprecio y la asistencia de todo Boston", contó a CNN Stephan Kurkjian, autor de "Master Thieves: The Boston Gangsters Who Pulled Off the World's Greatest Art Heist". "Su museo, en ese momento, contenía la colección de arte más grande de un particular en Estados Unidos".

Gardner también tenía vínculos con la incipiente campaña por los derechos políticos de las mujeres. El museo exhibe fotografías y cartas de su amiga Julia Ward Howe, organizadora de dos sociedades sufragistas estadounidenses, y una copia de Ethel Smyth, compositora y amiga cercana de la líder sufragista inglesa Emmeline Pankhurst.

Gardner conoció a Smyth a través de su amigo común, el pintor John Singer Sargent, autor de un llamativo retrato de Gardner en el que luce un amplio escote.

Gardner parecía disfrutar coqueteando con el escándalo y los cotilleos: en una ocasión llegó a una actuación de la Orquesta Sinfónica de Boston con una banda de sombrero con el nombre de su equipo de béisbol favorito, los Red Sox, y una ilustración de una edición de enero de 1897 del Boston Globe la mostraba aparentemente sacando a pasear a uno de los leones del zoo de Boston.

Irónicamente, cuando la Mona Lisa fue robada en 1911, Gardner dijo a los guardias del museo que, si veían a alguien intentando robarla, disparasen a matar.

El arte no robado

Se estima que el botín de los ladrones fue de más de US$ 500 millones. Sin embargo, dejaron la obra más caro del edificio: "El rapto de Europa" de Tiziano, que Gardner había comprado en una galería de arte de Londres en 1896, a lo que ya entonces fue un precio récord para una pintura de un antiguo maestro.

Se cree que "El rapto de Europa", que se encuentra en la Sala Tiziano del Museo Isabella Stewart Gardner de Boston, es la obra más valiosa del museo, pero fue abandonada por los ladrones. (Sean Dungan/Cortesía del Museo Isabella Stewart Gardner de Boston)

¿Por qué cometer el mayor atraco de arte de la historia y marcharse sin la pieza más cara del museo? Bueno, el tamaño puede haber influido. La obra de arte más grande tomada fue "Cristo en la tormenta en el mar de Galilea" de Rembrandt, famosa por ser el único paisaje marino de Rembrandt y mide aproximadamente 1,5 por 1,2 metros. "El rapto de Europa", en cambio, mide casi 1,8 por 2,1 metros.

El factor Napoleón

Hacia el año 2005, la investigación sobre las obras de arte robadas se desvió hacia la isla francesa de Córcega, en el mar Mediterráneo. Dos franceses con supuestos vínculos con la mafia corsa intentaban vender dos cuadros: un Rembrandt y un Vermeer. El exagente especial del FBI Bob Wittman estuvo involucrado en una operación encubierta para intentar comprarlos, pero finalmente fracasó cuando los hombres fueron arrestados por vender arte tomado del Museo de Arte Moderno y Contemporáneo de Niza.

El cuadro de Rembrandt "La tormenta en el mar de Galilea", que mide 1,5 metros, fue el más grande de los robados durante el atraco. (John Wilcox/Boston Herald/Getty Images)

¿Por qué los "mafiosos corsos", como los describió el corresponsal de CNN Randi Kaye en el programa, estarían interesados en robar un museo de arte de Boston? La respuesta podría estar en el remate del Águila de Bronce, el adorno de 25 centímetros robado de la parte superior de una bandera napoleónica durante el atraco.

"Fue una elección un tanto extraña para los ladrones llevarse (el Finial)", dijo Kaye, "pero resulta que Córcega es esencialmente la patria de Napoleón". El emperador francés nació en la isla en 1769, y ahora hay un museo nacional en su antigua casa familiar.

"Es una idea convincente", dijo en el programa Kelly Horan, editor adjunto del Boston Globe, "que una banda de gánsteres corsos haya intentado recuperar su bandera y llevara a cabo el resto del atraco en el proceso".

Un sospechoso del rock'n'roll

El 18 de marzo de 1990 no era la primera vez que robaban un Rembrandt de un museo de Boston. En 1975, Myles Connor, criminal de carrera y ladrón de arte, entró en el Museo de Bellas Artes de Boston y salió con un Rembrandt metido en el bolsillo de su enorme abrigo. Aunque fue el primer sospechoso del FBI en el caso Gardner, plos muros de la prisión federal, donde estuvo encarcelado por cargos de drogas, le dieron una coartada bastante sólida.

Myles Connor, un ladrón de arte convicto, fue inicialmente sospechoso del atraco a Gardner, una teoría que se descartó cuando los detectives se dieron cuenta de que ya estaba en la cárcel por delitos de drogas en ese momento. (George Rizer/Boston Globe/Getty Images)

Cuando no estaba robando obras de arte famosas de sus exhibiciones, Connor era músico. Fue a través de sus conciertos que conoció a Al Dotoli, quien trabajó con estrellas como Frank Sinatra y Liza Minelli.

En 1976, Connor fue encarcelado por otro robo de arte cometido en Maine. Con la esperanza de utilizar su Rembrandt robado para obtener una sentencia menor, necesitaba que Dotoli, que estaba de gira con Dionne Warwick, entregara la pintura a las autoridades en su nombre.

¿Un ladrón invisible?

Una de las obras de arte robadas, "Chez Tortoni", de Édouard Manet, fue sustraída de la Sala Azul del museo en el primer piso. El cuadro se destaca por dos motivos, el primero de ellos, su marco. Los ladrones dejaron casi todos los marcos y cortaron las obras del frente.

"Incluso dejar restos de las pinturas fue una crueldad", dijo Horan. "En mi opinión, es como degollar a alguien".

El marco vacío que albergaba el retrato "Chez Tortoni" de Manet fue dejado inicialmente en la silla de la oficina de seguridad de la planta baja, un hecho que desconcertó a los detectives. (Ryan McBride/AFP/Getty Images)

Sin embargo, el marco de "Chez Tortoni" era inusual por el lugar donde fue dejado: no en la habitación de donde fue robado, sino en la silla de la oficina de seguridad de abajo. Aún más notable es que no se activó ni un solo detector de movimiento en la Sala Azul. Mientras investigaban la posibilidad de ladrones fantasmas, los investigadores se preguntaron si esto indicaba que el crimen había sido un trabajo interno.

"En el FBI descubrimos que alrededor del 89% de los atracos a instituciones de museos son trabajos internos", dijo Wittman. "Así es como se roban estas cosas".

"Gardner Art Heist: Stealing Beauty", de How It Really Happened se estrena en CNN el domingo 19 de mayo a las 9 p.m., hora del Este/Pacífico.

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Ann Pizzorusso, geóloga e historiadora del arte especializada en Leonardo y el Renacimiento, cree haber descubierto la ubicación de la Gioconda gracias a sus conocimientos geológicos.

Hace tres décadas, Pizzorusso visitó la ciudad de Lecco, en la orilla sureste del lago de Como, Italia. Ella cree que el cuadro está ambientado allí. La geóloga siguió los pasos de Leonardo, armada con anotaciones de su diario y dibujos del artista. "En su cuaderno menciona haber estado en Lecco", explica a CNN en una entrevista telefónica. "Trabajaba como ingeniero".

Según Pizzorusso, el proyecto en el que trabajaba Leonardo se canceló, pero sus bocetos geológicos de campo permanecieron (un dibujo de tiza roja de una cordillera cercana a Lecco pertenece a la Colección Real de Windsor, en Londres).

El patrón de "dientes de sierra" presente en la cordillera fue un factor esclarecedor para la teoría de Pizzorusso. (VCG Wilson/Corbis/Getty Images)

Aunque Pizzorusso no es la primera que ha teorizado sobre la ubicación de la Gioconda (en 2011, un historiador del arte atribuyó el escenario del cuadro a una pequeña localidad llamada Bobbio, mientras que otro lo hizo a Arezzo) ella cree que es la primera geóloga en hacerlo.

Los cálculos anteriores se han centrado en el puente arqueado sobre el hombro derecho de la Gioconda. Sin embargo, Pizzorusso insiste en que se pueden sacar más conclusiones de la singular formación rocosa del horizonte. "Los puentes son fungibles", afirma. "Si mira al fondo, verá pináculos. Es un tipo de erosión que se produce en la piedra caliza que tiene fracturas y se rompe en bloques, casi como un patrón de dientes de sierra... Podemos demostrar que la piedra caliza existe en Lecco. Cuando se mira la Mona Lisa, hay una serie de montañas al fondo que tienen este patrón de dientes de sierra".

Pizzorusso cree que se trata del lago de Como, un lago glaciar subalpino de unos 10.000 años de antigüedad. "Si se mira detrás de ella, se ven los lagos glaciares alargados que tienen una forma particular, como dedos", explica. "Porque cuando el glaciar se desplazó arrastró ciertos trozos de tierra".

Pizzorusso cree que el Lago de Como, el lago glaciar que data de hace unos 10.000 años, está en el fondo de la Mona Lisa. (titoslack/iStockphoto/Getty Images)

A pesar de su confianza, Pizzorusso mantuvo en secreto sus sospechas durante 30 años, y solo se lo contó a otros estudiosos de Leonardo en conversaciones informales. Esta semana ha regresado a Lecco, convencida de que "todo cuadraba", y ahora presentará sus hallazgos en un congreso de geología que se celebrará en la ciudad.

Aunque la combinación de ciencias de la tierra e historia del arte pueda parecer dispar, Pizzorusso sostiene que el enfoque interdisciplinario puede enriquecer la experiencia de contemplar la obra de Leonardo.

"Botticelli e incluso Miguel Ángel hacían fondos terribles porque consideraban que las figuras eran más importantes", explica a CNN. "Si el fondo está bien pintado, se aprecia más la naturaleza". Aunque Pizzorusso admite que le sorprende el interés generalizado. "Tal vez Leonardo estaba tratando de inclinarme para el movimiento ecologista o algo así", bromeó. "Es un testimonio de lo mucho que le gusta a la gente este cuadro".

Pero el descubrimiento solo puede dar lugar a más misterio. Si el lugar es Lecco, como sugiere Pizzorusso, quedan más preguntas sobre por qué el célebre pintor eligió ese lugar concreto, para este retrato en particular.

"No sabemos quién es (Mona Lisa), algunos creen que era la esposa de un rico comerciante toscano", dijo, refiriéndose a una popular teoría histórica que propone que la figura se basó en la noble italiana Lisa Gherardini. "¿Por qué la puso en este entorno salvaje e indómito? Esto no es la Toscana. ¿Qué intentaba decirnos colocando a esta dama serena y enigmática en este entorno agreste y alpino?" dice Pizzorusso.

"Me intriga mucho cuál era su mensaje para nosotros".

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Ese parece ser el caso de un cuadro del artista indígena Vincent Namatjira: un retrato de la persona más rica de Australia, la magnate minera Gina Rinehart.

Al parecer, Rinehart pidió a la Galería Nacional de Australia (NGA por sus siglas en inglés) que retirara su retrato, una de las 21 obras individuales que componen la exposición "Australia in Colour" de Namatjira.

La exposición se exhibe en la galería de Canberra, la capital australiana, desde marzo.

Otros temas de la obra son la difunta reina Isabel II, el músico estadounidense Jimi Hendrix, el activista australiano de los derechos de los aborígenes Vincent Lingiari y el ex primer ministro de Australia Scott Morrison.

La pintura de Rinehart es uno de los 21 retratos del artista Vincent Namatjira que figuran en su exposición "Australia in Colour". (Crédito: Vincent Namatjira)

Los medios de comunicación australianos informaron que Rinehart se dirigió al director y al presidente de la NGA para solicitar la retirada del cuadro.

La NGA dijo en una declaración a CNN este jueves que "da la bienvenida al público a tener un diálogo sobre nuestra colección y exposiciones".

"Desde 1973, cuando la Galería Nacional adquirió Blue Pollocks de Jackson Pollocks, ha habido un debate dinámico sobre los méritos artísticos de las obras de la colección nacional, y/o en exhibición en la Galería", continuó la declaración de la NGA. "Presentamos obras de arte al público australiano para inspirar a la gente a explorar, experimentar y aprender sobre arte".

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Namatjira dijo en un comunicado que pinta a "personas ricas, poderosas o significativas, personas que han influido en este país y en mí personalmente, ya sea directa o indirectamente, para bien o para mal".

"Pinto el mundo tal y como lo veo", explicó. "A la gente no tienen por qué gustarle mis cuadros, pero espero que se tomen el tiempo de mirarlos y pensar: '¿por qué este aborigen pintó a esta gente poderosa? ¿Qué intenta decir?'".

"Puede que a algunos no les guste, que a otros les haga gracia, pero espero que la gente mire bajo la superficie y vea también el lado serio", añadió Namatjira.

Rinehart es la presidenta ejecutiva de Hancock Prospecting, una empresa minera privada fundada por su padre, Lang Hancock.

CNN se puso en contacto con Hancock Prospecting para recabar comentarios, pero no obtuvo respuesta.

Según Forbes, Rinehart tiene un patrimonio neto estimado de US$ 30.200 millones. Rinehart "se mantiene inamovible" en el primer puesto de la lista de los 50 más ricos de Australia de Forbes para 2024, según informó la publicación en febrero.

La Asociación Nacional de Artes Visuales de Australia (NAVA por sus siglas en inglés) se pronunció en apoyo de Namatjira, según informó 9News, filial de CNN.

"Aunque Rinehart tiene derecho a expresar sus opiniones sobre la obra, no tiene autoridad para presionar a la galería para que retire el cuadro simplemente porque no le gusta", declaró Penelope Benton, directora ejecutiva de NAVA, según 9News.

La NAVA ofreció su "apoyo inquebrantable" a la Galería Nacional de Australia, informó 9News, y declaró que le preocupaba que la exigencia de Rinehart de retirar el retrato "siente un peligroso precedente de censura y ahogo de la expresión creativa".

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El "Retrato de la señorita Lieser", que se cree una de las últimas obras del pintor austriaco, generó una gran expectativa en el mundo del arte, pero acabó vendiéndose por la cantidad más baja de su valoración, que oscilaba entre los 30 y los 50 millones de euros (entre US$ 32 y US$ 53,4 millones).

Las pujas comenzaron en 28 millones de euros y la obra alcanzó un precio final de 30 millones. Esta cifra no incluye los honorarios de la casa de subastas.

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El precio de venta fue menos de la mitad del alcanzado por otro cuadro de Klimt -"Dame mit Fächer" (Dama con abanico)- en Londres el año pasado. El último retrato realizado por Klimt se convirtió en la obra de arte más cara jamás vendida en una subasta europea, cuando se vendió por 85,3 millones de libras (US$ 108,4 millones).

El "Retrato de la señorita Lieser" se consideró perdido durante mucho tiempo, según la casa de subastas vienesa im Kinsky. Sin embargo, hace poco se supo que había sido propiedad privada de un ciudadano austriaco.

"El redescubrimiento de este retrato, uno de los más bellos del último periodo creativo de Klimt, es toda una sensación", declaró la casa de subastas en un comunicado publicado en su página web antes de su venta este miércoles por la tarde.

La pieza, intensamente viva y colorida, había sido documentada en catálogos de la obra del artista, pero los expertos solo la habían visto en una foto en blanco y negro.

Se sabe que la modelo pertenecía a una acaudalada familia judía austriaca que entonces formaba parte de la clase alta de la sociedad vienesa, donde Klimt encontraba a sus mecenas y clientes. No obstante, su identidad no es del todo segura.

"Retrato de la señorita Lieser" se subastó en la casa de subastas im Kinsky de Viena el 24 de abril. (Crédito: Roland Schlager/APA/AFP vía Getty Images)

Los hermanos Adolf y Justus Lieser fueron importantes industriales del imperio austrohúngaro. En los catálogos de las obras de Klimt se afirma que Adolf encargó al artista que pintara a su hija adolescente Margarethe Constance. Sin embargo, nuevas investigaciones de la casa de subastas sugieren que la esposa de Justus, Lilly, le contrató para pintar a una de sus dos hijas.

La declaración en la página web de la casa de subastas revela que la modelo -fuera quien fuera- visitó el estudio de Klimt nueve veces en abril y mayo de 1917. Realizó al menos 25 estudios preliminares y lo más probable es que comenzara el cuadro en mayo de ese año.

"El pintor eligió un retrato de tres cuartos para su representación y muestra a la joven en una pose estrictamente frontal, cerca del primer plano, sobre un fondo rojo e indefinido. Una capa ricamente decorada con flores rodea sus hombros", explica la casa de subastas.

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Y añade: "Los intensos colores del cuadro y el cambio hacia pinceladas sueltas y abiertas muestran a Klimt en el apogeo de su periodo tardío".

Cuando el artista murió tras un accidente cerebrovascular en febrero siguiente, el cuadro aún estaba en su estudio, con algunas pequeñas partes sin terminar. Fue entregado a la familia Lieser.

Su destino exacto después de 1925 "no está claro", según la casa de subastas.

"Lo que se sabe es que fue adquirido por un predecesor legal del expedidor en la década de 1960 y llegó al propietario actual a través de tres herencias sucesivas", dice el comunicado.

El cuadro iba a ser vendido en nombre de sus propietarios austriacos, que no han sido nombrados, junto con los sucesores legales de "Adolf y Henriette Lieser sobre la base de un acuerdo conforme a los Principios de Washington de 1998", dijo la casa de subastas.

Establecidos en 1998, los Principios de Washington encargaban a las naciones participantes la devolución de las obras de arte confiscadas por los nazis a sus legítimos propietarios.

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Claudia Mörth-Gasser, especialista en arte moderno de im Kinsky, explicó la situación en un correo electrónico a CNN.

Dijo que el subastador comprobó la historia y procedencia del cuadro "de todas las formas posibles en Austria", y agregó: "Comprobamos todos los archivos y no encontramos pruebas de que el cuadro haya sido exportado fuera de Austria, confiscado o saqueado".

Pero, del mismo modo, agregó: "No tenemos pruebas de que el cuadro no haya sido saqueado nunca en el lapso comprendido entre 1938 y 1945".

Y esta es la razón "por la que hemos llegado a un acuerdo entre el actual propietario y todos los descendientes de la familia Lieser de conformidad con los 'Principios de Washington'", dijo.

Los retratos de mujeres de Klimt "rara vez se ofrecen en subasta", señala el comunicado de prensa. Y continúa: "Un cuadro de tal rareza, significación artística y valor no ha estado disponible en el mercado del arte en Europa Central desde hace décadas".

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Dicen que yo he inventado el realismo mágico, pero solo soy el notario de la realidad. Incluso hay cosas reales que tengo que desechar porque sé que no se pueden creer.
En el Boletín cultural n.º 158. Madrid, 1995.

La peor forma de extrañar a alguien es estar sentado a su lado y saber que nunca lo podrás tener.
En 13 líneas para vivir.

Es inútil que siga rezando. Hasta Dios se va de vacaciones en agosto.
En Diecisiete ingleses envenenados.

La música me ha gustado más que la literatura.
En Juventud rebelde, La Habana, 1988.

La primera condición del realismo mágico, como su nombre lo indica, es que sea un hecho rigurosamente cierto que, sin embargo, parece fantástico.
En Reforma, México, 2000.

Hay que ser infiel, pero nunca desleal.
De El coronel no tiene quien le escriba.

Lo único que me duele de morir es que no sea de amor.
De El amor en los tiempos del cólera.

La calidad de la noticia se ha perdido por culpa de la competencia, la rapidez y la magnificación de la primicia. A veces se olvida que la mejor noticia no es la que se da primero, sino la que mejor se da.
En Semanario "Radar", Argentina, 1997.

El primer síntoma de la vejez es que uno empieza a parecerse a su padre.
De Memoria de mis putas tristes.

Nunca me he cansado de decir que ‘Cien años de soledad’ no es más que un vallenato de trescientas cincuenta páginas.
Citada en el libro ‘El mundo según Gabriel García Márquez’.

El día que la mierda tenga algún valor, los pobres nacerán sin culo.
De El otoño del patriarca.

Llevo conspirando por la paz en Colombia casi desde que nací.
En El País, La Habana, 2005.

El periodismo es una pasión insaciable que solo puede digerirse y humanizarse por su confrontación descarnada con la realidad.
Asamblea de la SIP, 7 de octubre de 1996.

La vida no es la que uno vivió sino la que uno recuerda y cómo la recuerda para contarla. Epígrafe de sus memorias Vivir para contarla.

La novela es como el matrimonio: se le puede ir arreglando todos los días... Y el cuento es como el amor: si no sirvió, no se puede arreglar.
Al publicar Crónica de una muerte anunciada.

América Latina, esa patria inmensa de hombres alucinados y mujeres históricas.
Discurso en la entrega del premio Nobel de Literatura en Suecia.

Toda buena novela es una adivinanza del mundo.
En la Revista Nacional de Cultura.

Sería ideal que un niño dedicara parte de su fin de semana a leer un libro hasta donde pueda y hasta donde le guste -que es la única condición para leer un libro-, pero es criminal, para él mismo y para el libro, que lo lea a la fuerza en sus horas de juego y con la angustia de las otras tareas.
De Manual para ser un niño.

Un buen escritor puede ganar buen dinero. Sobre todo si trabaja con el gobierno.
De Vivir para contarla.

La ética debe acompañar siempre al periodismo como el zumbido al moscardón. Asamblea de la SIP, 7 de octubre de 1996.

El secreto de una buena vejez no es otra cosa que un pacto honrado con la soledad. 
De Cien años de soledad.

No hay anuncios de cometas ni eclipses, que yo sepa, ni tenemos culpas tan grandes como para que Dios se ocupe de nosotros.
Del amor y otros demonios.

Nota del editor: este artículo fue publicado originalmente en 2018.

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Ubicada en la calle principal de un barrio residencial, sus caleidoscópicos montajes destacaban entre el ladrillo y el revestimiento de vinilo de ambos lados, sobre todo a medida que se iban adornando con el paso de los años.

"Pasé mucho tiempo allí, y la gente paraba sus coches todo el tiempo porque es una experiencia fascinante, y a él le gustaba mucho hablar con la gente y hacer visitas guiadas", dice Fred Scruton, que ha fotografiado entornos artísticos por todo Estados Unidos. Visitó por primera vez la llamada Casa del Segundo Advenimiento del Profeta Isaías en 2010. "Ni siquiera se atribuyó el mérito. Dijo que era la mano de Dios".

Preservar "algo mágico"

Nacido en Jamaica en 1947, Robertson se trasladó a Canadá de joven antes de instalarse en las cataratas del Niágara en 2004. Mientras trabajaba como carpintero en un proyecto de renovación de su iglesia local experimentó lo que describió como una profecía, que impulsó su arte.

Sin embargo, tras la muerte de Robertson en 2020, el destino de su casa era incierto. A pesar de tener uno de los principales destinos turísticos del país, la ciudad de las cataratas del Niágara ha experimentado una pérdida de población desde la década de 1960, junto con la caída económica por la que han atravesado muchas comunidades del Cinturón del Óxido.

En busca de salvaguardar el espacio, Scruton se puso en contacto con la Fundación Kohler, con sede en Wisconsin y especializada en entornos artísticos, para preservar lo que denominó "algo mágico en esta zona residencial de bajos ingresos".

"La Fundación Kohler se esfuerza por preservar los entornos artísticos in situ siempre que es posible", explica Liesl Testwuide, responsable principal de conservación de la fundación, y añade que mantener un contexto comunitario era esencial. "El sitio es un faro de esperanza en una zona bastante deprimida y proporciona orgullo de pertenencia, lo que enriquece la cultura de las cataratas del Niágara".

Intervención divina: Isaiah Robertson dijo que sus ornamentaciones arquitectónicas y esculturas fueron creadas por la mano de Dios. (Crédito: Randy Duchaine/Alamy Stock Photo)

Después de que la Fundación Kohler adquiriera el lugar, en 2021 se contrató a la empresa de conservación de arte B.R. Howard & Associates (BRH) para su conservación, que no sólo supuso un reto por la densidad del arte —desde pinturas en la acera que representan los Siete Sellos del Apocalipsis hasta rocas decoradas dispuestas en un lecho de árboles para evocar la tumba de Cristo—, sino también por su deterioro debido a los años de inviernos del oeste de Nueva York. Cada pieza, hasta la última estrella celestial recortada, fue documentada y evaluada antes de desmantelar todo el conjunto.

"Imprimimos docenas de imágenes ampliadas en varios ángulos y construimos un diorama en 3D en miniatura de los elementos artísticos", explica Braeden Howard, director del proyecto y conservador asociado de BRH. "A continuación, hicimos una reconstrucción digital con un programa informático que nos permitió determinar qué columnas y elementos artísticos debían instalarse primero y en un orden secuencial que permitiera que todo encajara perfectamente. Si algo se instalaba en el orden incorrecto, impediría que los elementos encajaran en su orientación correcta y nunca se ajustaría a la visión y creación originales de Robertson".

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La Casa del Segundo Advenimiento reensamblada incluye algunos elementos replicados con PVC para su estabilidad a largo plazo, pero todos meticulosamente adaptados al estilo a mano alzada de Robertson. En octubre de 2023, el lugar fue donado a la Niagara Falls National Heritage Area (NFNHA) para su futura administración. Está previsto que se abra al público este verano como destino artístico y espacio de reunión de la comunidad.

"El poder de este proyecto no reside solo en la conservación de un entorno artístico, sino en la revitalización de un barrio, algo de vital importancia para lugares como las cataratas del Niágara, que han sufrido décadas de declive", declaró Sara Capen, directora ejecutiva de la NFNHA. "Ha llevado a los vecinos que están justo al lado a mejorar sus porches, a hacer pequeños proyectos de construcción, a plantar un jardín. Es un poderoso testimonio de lo que puede hacer la conservación. Es una extensión de lo que sentimos que es la energía del artista, esto es lo que puso aquí para el mundo".

Aunque mucha gente pasa por las cataratas del Niágara para contemplar una de las maravillas naturales de Norteamérica, Capen confía en que la historia de creatividad humana de la casa cale en los visitantes. Y si el Rapto lleva alguna vez a las almas de las multitudes por la avenida Ontario hasta la puerta de Robertson, seguirán siendo recibidas con un arte jubiloso destinado a guiarlas hacia la salvación.

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Pero pocas horas después, las esperanzas de este aspirante a artista se desvanecieron cuando su hazaña le metió en un buen lío con su empleador y con la Policía.

El 26 de febrero, este técnico de exposiciones de 51 años y autoproclamado "artista freelance" introdujo de contrabando uno de sus cuadros en la Pinakothek der Moderne de Múnich (Alemania) y lo colgó en una pared de una de las galerías, según el tabloide alemán Süddeutsche Zeitung y la policía de Múnich. Cuando los guardias de seguridad descubrieron la nueva incorporación a las colecciones del museo, desmontaron inmediatamente la exposición y el hombre fue despedido.

Debido a su empleo en el museo, el hombre tenía acceso a las instalaciones fuera del horario normal de apertura y nadie se percató de que había colocado el cuadro. Se desconoce cuánto tiempo estuvo en la pared el cuadro, que medía 60 centímetros por 1,2 metros, pero el portavoz de prensa del museo dijo que probablemente no estuvo allí mucho tiempo.

"Los supervisores se dan cuenta inmediatamente de algo así", declaró Tine Nehler a Süddeutsche Zeitung. Nehler señaló que no sabía qué representaba el cuadro. La Pinakothek der Moderne no respondió a la solicitud de comentarios de CNN.

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El incidente también llamó la atención de la policía, que dijo a CNN que el hombre estaba siendo investigado por daños a la propiedad, un delito que podría conllevar una multa o una pena de prisión de hasta dos años si es declarado culpable.

"Por supuesto, hemos iniciado acciones penales. Esto significa que la fiscalía decidirá ahora qué ocurre", declaró a CNN Christian Drexler, superintendente jefe de la Policía de Múnich. "Pero corresponde a la justicia decidir en cada caso concreto".

El cuadro "estaba sujeto a una pared de exposición con dos tornillos, por lo que esta pared de exposición resultó dañada y el departamento de investigación criminal de Múnich está investigando ahora los daños materiales causados por los taladros", añadió Drexler. "Los daños totales se estiman en unos 100 euros (107 dólares). Desde entonces, el cuadro ha sido retirado y confiscado".

Justo después de que los trabajadores descubrieran el cuadro, el hombre envió un correo electrónico al museo confesando sus acciones, escribiendo que "como artista independiente, ahora ha colgado su propio cuadro [en la pared]", dijo Drexler a CNN. El personal de seguridad lo denunció a la policía de Múnich.

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Al hombre se le prohibió la entrada al museo como parte de su acuerdo de rescisión, informó Süddeutsche Zeitung.

Un incidente similar ocurrió hace varias semanas en el Bundeskunsthalle de Bonn (Alemania), donde una estudiante colgó uno de sus cuadros en una pared de la exposición con cinta adhesiva de doble cara, informó Süddeutsche Zeitung. El personal sólo se percató del cuadro cuando desmontaron la exposición y vieron que había una obra de arte de más.

Este museo, sin embargo, reaccionó con más humor. Escribieron en X, antes conocido como Twitter: "Nos parece divertido y nos gustaría conocer al artista. ¡Así que ponte en contacto! No habrá problemas. Palabra de honor".

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El códice Crosby-Schøyen, escrito en copto sobre papiro en Egipto, es el libro litúrgico cristiano más antiguo, según la casa internacional de subastas Christie's, que celebrará la venta en Londres el 11 de junio.

Se dice que un solo escriba escribió el códice, que consta de 52 hojas, o 104 páginas, a lo largo de 40 años en un monasterio del Alto Egipto.

La datación por carbono sugiere que el libro data de mediados de los siglos III y IV. El códice, uno de los primeros testimonios de la expansión del cristianismo, contiene la primera epístola de Pedro y el Libro de Jonás.

Las páginas se conservan detrás de plexiglás, guardadas en dos cajas de madera con cerradura. Christie's ha estimado su precio de venta entre US$ 2,6 y US$ 3,8 millones.

El códice forma parte de los Papiros Bodmer, descubiertos en la década de 1950 y que comprenden textos bíblicos, escritos cristianos y textos literarios paganos.

Finalmente fue adquirido por la Universidad de Mississippi, donde permaneció hasta 1981. Cambió de manos un par de veces en la década de 1980 antes de ser adquirido por el coleccionista de manuscritos noruego Martin Schøyen en 1988. De este modo, el códice es el libro más antiguo conocido en manos privadas.

Eugenio Donadoni, especialista sénior de libros y manuscritos de Christie's en Londres, dijo a CNN en un correo electrónico que será de "amplio atractivo tanto para instituciones como para particulares".

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Algunas de las "páginas" están fragmentadas, pero el estado del códice es por lo demás "excepcional", según Christie's. (Crédito: Christie's Images LTD. 2024)

"El Crosby-Schøyen es uno de los primeros testigos de un desarrollo en la transmisión cultural y textual, así como de la historia del libro, que no tendría rival en importancia hasta la imprenta de Gutenberg y la revolución del siglo XX en la edición y comunicación electrónicas", dijo.

"Es uno de los primeros ejemplos del libro en la forma en que aún lo conocemos hoy y, al ser el más antiguo en manos privadas, es poco probable que algo así vuelva a salir a subasta", agregó Donadoni.

Y añadió: "Tiene una importancia monumental como testimonio de la primera difusión del cristianismo por el Mediterráneo: los primeros monjes del Alto Egipto, en el primer monasterio cristiano, utilizaban este mismo libro para celebrar las primeras Pascuas, sólo unos cientos de años después de Cristo y sólo unos 100 años después de que se escribiera el último Evangelio".

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"Contiene los dos primeros textos completos de dos libros de la Biblia, Pedro y Jonás, ambos utilizados en esos servicios de Pascua".

El buen estado de conservación del códice se debe en gran parte a las "condiciones climáticas propicias" de Egipto, donde fue descubierto, según los detalles del catálogo publicados por Christie's.

El códice forma parte de una colección más amplia de "obras maestras manuscritas" de la Colección Schøyen, que Christie's describe como "una de las mayores y más completas colecciones de manuscritos jamás reunidas".

En su página web se afirma: "La importancia de los materiales de esta colección va mucho más allá del alcance de una colección privada, o incluso de una colección pública nacional. La venta abarca 1.300 años de historia cultural e incluye manuscritos patrimonio de la humanidad como el códice Crosby-Schoyen, la Biblia hebrea de Holkham y la Biblia de Geraardsbergen, pero también literatura griega, obras maestras del humanismo, un libro perteneciente a un santo, derecho inglés primitivo, una crónica escocesa de importancia histórica y la encuadernación más antigua conocida".

El códice se expone actualmente en Christie's Nueva York, donde permanecerá hasta el 9 de abril.

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El conductor de una excavadora, Greg Crawley, descubrió el año pasado la cabeza de mármol de una dama romana en la finca del siglo XVI Burghley House, en Peterborough (Inglaterra), mientras realizaba obras de renovación.

Dos semanas después, se encontró también un busto cerca del lugar del hallazgo original, y las reliquias fueron limpiadas, examinadas y ensambladas de nuevo por un restaurador, quien fechó la escultura en el siglo I o II.

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Los expertos observaron que a la estatua se le había añadido una espiga de hierro que permitía fijarla a un busto o pedestal, una adaptación que históricamente realizaban los anticuarios italianos a finales del siglo XVIII cuando vendían objetos a los aristócratas que viajaban por Italia.

Greg Crawley encontró la antigua cabeza de estatua mientras construía un estacionamiento. (Foto: Burghley House)

"Se cree que fue durante uno de los dos viajes del noveno conde a Italia en la década de 1760, época en la que compró muchas antigüedades, cuando trajo la escultura de vuelta a Burghley", dijo la finca en un comunicado.

Brownlow Cecil, noveno conde de Exeter, heredó el título en 1754 y era un ávido viajero y coleccionista de obras de arte, según la finca.

Sin embargo, la finca no está segura de cómo la cabeza y el busto acabaron enterrados en el estacionamiento, calificándolo de "completo misterio".

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Burghley House señaló que "las explicaciones van desde un robo frustrado, hasta que alguien simplemente se deshiciera de la estatua y esta quedara después cubierta por la tierra".

El conductor de la excavadora, Crawley, dijo que era una "sensación increíble haber encontrado algo tan antiguo y especial", y calificó el hallazgo como su "mejor descubrimiento".

"Tuve un verdadero sobresalto cuando el cubo de la excavadora rodó sobre lo que pensé que era una gran piedra para revelar una cara", dijo Crawley en el comunicado de Burghley House.

"No podía creerlo cuando me dijeron que era una estatua romana de mármol", añadió.

La estatua se expondrá ahora junto a otras estatuas coleccionadas por el noveno conde en Burghley House.

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Los investigadores incautaron nueve obras de arte durante una redada en un apartamento de la ciudad de Zaragoza, en el norte de España, según la policía catalana. Un grupo que operaba desde el inmueble ha sido vinculado a unas 25 ventas —realizadas a través de plataformas online, salas de subastas y anticuarios— de obras atribuidas a Banksy, según informó la policía en un comunicado el jueves.

Agentes de la Unidad Central de Patrimonio Histórico de la policía catalana han identificado a víctimas en España, Alemania, Suiza, Estados Unidos y Reino Unido que compraron piezas del taller creyendo que pertenecían al proyecto "Dismaland" del artista callejero anónimo.

Las obras incautadas fueron creadas sobre cartón con pintura en aerosol utilizando plantillas, a las que se añadieron sellos de tinta y pegatinas para que parecieran auténticas.

La policía informó que ha acusado a cuatro personas de fraude y delitos contra la propiedad intelectual. Dos de los presuntos estafadores sufren "problemas financieros" e hicieron copias de la obra de Banksy antes de venderlas a "precios razonables no superiores a 80 euros (US$ 87)", según el comunicado de la policía. El "principal sospechoso" tenía conocimientos del mundo del arte y se le acusa de hacer pasar las obras por auténticas utilizando certificados falsificados.

Según los investigadores, la organización Pest Control de Banksy, el único organismo capaz de autentificar oficialmente la obra del artista, ha confirmado que las piezas vinculadas al taller de Zaragoza son falsas, al igual que los certificados que las acompañan. La policía empezó a sospechar al observar que muchas obras similares habían aparecido en el mercado, añade el comunicado.

Banksy comenzó como grafitero en la ciudad británica de Bristol en la década de 1990 y desde entonces se ha convertido en uno de los nombres más cotizados del mundo del arte gracias a sus declaraciones subversivas y su humor negro.

Su instalación "Dismaland" de 2015, situada en una ciudad costera británica, era un giro retorcido de Disneylandia, un "parque de atracciones" con un decrépito castillo de cuento de hadas, un juego en el que los visitantes navegaban en embarcaciones repletas de inmigrantes a través de aguas turbias y una tienda de préstamos a alto interés para niños que buscaban anticipos de su paga.

Aunque el valor de mercado de sus obras se ha disparado en los últimos años (su famosa obra de autodestrucción "Love is in the Bin" se vendió por la cifra récord de US$ 25,4 millones en una subasta de Sotheby's en 2021), Banksy sigue realizando obras en espacios públicos que hacen casi imposible su conservación, e incluso invitan al robo o la desfiguración.

La investigación sigue abierta, y la policía dijo que no descarta que haya más víctimas y más detenciones.

Vasco Cotovio de CNN contribuyó a este reporte.

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Desde mascotas a niños, pasando por juguetes de ojos muy abiertos, filtros de redes sociales, emojis y memes de Internet, la "ternura" es una de las estéticas más destacadas de nuestra era digitalmente saturada, y una auténtica industria en sí misma. Popularizada por su naturaleza aparentemente poco amenazadora, el afán de lo "cute" –o lindo, en español– por dominar el mundo sugiere que el fenómeno es mucho más de lo que su encantadora apariencia podría sugerir.

Cómo la ternura se ha apoderado de nuestro mundo y por qué es un tema que se explora en "Cute", una nueva (y primera) exposición dedicada al movimiento en Somerset House, de Londres.

"Hello Love" de Hattie Stewart en exhibición en Somerset House, Londres. David Parry/PA Wire/Cortesía de Somerset House

"Al descubrir creativamente las muchas formas de lo lindo, no sólo podemos entender algo sobre nosotros mismos... sino también sobre cómo nos relacionamos entre nosotros y con el mundo que nos rodea", dijo el director de exposiciones de Somerset House, Cliff Lauson, en la inauguración de la exposición.

Los orígenes de lo lindo

Todo empezó con los gatos. Cuando le pidieron a Tim Berners-Lee, inventor de internet, que nombrara un uso de internet que no hubiera previsto, respondió con una sola palabra: "Gatitos".

Es sugerente cómo Claire Catterall, curadora principal de Somerset House, describió la ternura en un discurso para inaugurar la exposición: "Como un pequeño gatito esperando para saltar, su poder e influencia se han ido acercando lentamente a nosotros".

También se exhibe la colección del artista Andy Holden de 300 gatos de porcelana que le dejó su difunta abuela, titulada "Cat-tharsis". David Parry/PA Wire/Cortesía de Somerset House

Los gatos, naturalmente, ocupan un lugar destacado en  la muestra "Cute", desde los famosos y coloridos dibujos del siglo XIX del artista Louis Wain –a quien se le atribuye haber cambiado la opinión que el público británico de la era eduardiana tenía de los felinos al retratar a los gatos como criaturas adorables y juguetonas que hacían cosas que los humanos hacían, como tomar el té o celebrar la Navidad– hasta la colección contemporánea de figuras felinas eclécticas del artista Andy Holden que le dejó su difunta abuela (titulada "Cat-tharsis", un juego de palabras que combita la palabra "gato" y "catarsis"). Ambos capturan los principios clave de lo lindo: ser inofensivo y adorable.

Joshua Dale, autor de "Irresistible: How Cuteness Wired our Brains and Conquered the World" ("Irresistible: cómo lo bonito programó nuestros cerebros y conquistó el mundo"), cree que hay una razón psicológica innata por la que nos atraen estas cualidades. Ver algo lindo "prepara el cerebro para ciertos tipos de comportamientos asociados con el cuidado de alguien", le dijo a CNN.

También hay un impulso sociológico. Las raíces de la adopción generalizada de la ternura se remontan al siglo XIX, cuando la reducción de la mortalidad infantil y la disminución de la tasa de natalidad hicieron que la infancia pasara a considerarse una experiencia apreciada y algo que había que prolongar. La Revolución Industrial y el auge de la producción en masa permitieron dar rienda suelta a la ternura: juguetes, libros e ilustraciones podían fabricarse de manera cada vez más fácil y económica.

La exposición, una novedad mundial, examina el atractivo perdurable de la estética linda entre los adultos y plantea preguntas más profundas sobre su atractivo. David Parry/PA Wire/Cortesía de Somerset House

Lo "cute" comenzó a comercializarse entre adultos estadounidenses en la década de 1950, señala Isabelle Galleymore, poeta y consultora de la exposición. Las mujeres estadounidenses, entonces recién dotadas de empleos e ingresos disponibles, se convirtieron en parte de la clase consumidora. Productos como "juguetes de peluche o mantas con lindos diseños" fueron diseñados para "supuestamente aprovechar los instintos maternales de las mujeres", dijo a CNN.

El efecto 'kawaii'

Una parte integral del fenómeno global de lo lindo, afirma la exposición, es "kawaii", una palabra japonesa que se traduce literalmente como "ternura".

Según la exposición, la cultura kawaii moderna nació en 1914 cuando el artista e ilustrador Yumeji Takehisa abrió una tienda en el centro de Tokio que vendía accesorios y artículos de papelería con motivos occidentales, como setas y castillos, diseñados para atraer a las colegialas.

Para Simon May, catedrático de Filosofía del King's College de Londres y autor de "The Power of Cute" (El poder de lo lindo), lo kawaii es sólo una parte de una historia que involucra más a Japón. "Es el primer país, y hasta ahora el único, que se presenta a sí mismo como lindo", dijo sobre la nación, una postura atribuyó en gran parte a la "imagen pacífica y sin amenazas" que Japón trató de presentar al mundo después de 1945, repudiando el militarismo y el poder.

Por supuesto, ninguna exploración de lo kawaii estaría completa sin el fenómeno global y "embajadora de la ternura", como la llama cariñosamente la exposición: Hello Kitty.

Una de las famosas imágenes de gatos de Louis Wain. Al artista eduardiano se le atribuye haber aumentado el lindo atractivo de nuestros amigos felinos al brindarles pasatiempos y pasatiempos humanos. Cortesía del Museo de la Mente de Bethlem/Somerset House

Nacida en tiempos turbulentos después de la primera crisis petrolera de Japón en la década de 1970, Hello Kitty fue creada como un personaje para ayudar a vender nuevos productos. Y sí lo hizo, apareciendo en todo tipo de productos, desde zapatillas y toallas de papel hasta palillos, aviones y máquinas para hacer paninis. En 2015, los analistas estimaron que Hello Kitty representaba aproximadamente el 75% de las ganancias operativas anuales de US$ 142 millones de la empresa matriz Sanrio, y que generaba la mayor parte de los US$ 600 millones anuales en ingresos de la empresa.

Sus rasgos ahora clásicos están tan cuidadosamente protegidos que, según la exposición, una rara versión de la muñeca sin boca, producida con la boca abierta, fue suficiente para generar controversia entre los fanáticos. Sin embargo, el fenómeno japonés de lo lindo no siempre ha sido tan empalagoso como podría parecer a primera vista. A medida que avanzaba el siglo XX y crecía su poder, el movimiento también comenzó a explorar temas más oscuros y críticos. Tomemos como ejemplo la explosión del estilo callejero rebelde en Tokio (el llamado "estilo Harajuku"), visto a menudo como una reacción contra las estrictas normas sociales de Japón. "(Hay) algo realmente poderoso en la moda japonesa inspirada en lo kawaii", dijo Galleymore, ya que no sólo es dulce sino que a menudo contiene combinaciones de "imágenes lindas y grotescas".

Un escape de las realidades de la vida

La ternura es también una respuesta a las complejidades de la vida. La exposición "Píldora azucarada", en la que se exhiben peluches fabricados por bancos y empresas farmacéuticas, explora cómo a veces se recurre a la ternura para suavizar lo desagradable: los problemas financieros, por ejemplo, o las enfermedades.

Un "cuaderno elegante" de la década de 1960 de la pionera ilustradora Setsuko Tamura que resumió el estilo kawaii. Cortesía del Museo Yayoi/Somerset House

Por su parte, la obra de técnica mixta "¡Step on no petS Step on no pets!" (2021) de la artista escocesa Rachel Maclean representa unicornios distorsionados bailando entre llamas en un inquietante pero inocente mundo de cuento de hadas. Según Maclean, esta dualidad es parte de la singularidad de la exposición: "Ofrece la oportunidad de explorar la complejidad y la ambigüedad que encierra lo aparentemente sencillo y encantador".

El poder de lo tierno para dar un poco de brillo escapista a lo cotidiano también puede verse a nivel individual todos los días a través de los filtros de teléfono que nos convierten en avatares blanditos, suavizando nuestros rasgos adultos, agrandando nuestros ojos, sonrosando nuestras mejillas y cambiando nuestras identidades en línea con solo un botón.

​Aunque en muchos aspectos la ternura pueda seguir considerándose trivial, lo fascinante es cómo se mantiene tan arraigada en nuestro mundo moderno. "Es fascinante como una ventana al espíritu de la época", dijo May a CNN, "por lo que nos dice sobre quiénes somos".

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(CNN) -- Cuando Caspar David Friedrich murió en la pobreza en 1840, el mundo del arte contemporáneo casi lo olvidó. A medida que se acerca su cumpleaños número 250, su reputación está alcanzando nuevas alturas, y es probable que el año del aniversario la impulse a la estratosfera.

Este año están previstas tres grandes exposiciones en Alemania. La Kunsthalle de Hamburgo llegó pronto; en diciembre se inauguró su exposición dedicada al artista romántico alemán, centrándose en su nueva visión de la relación del hombre con la naturaleza y presentando su obra más conocida: "El caminante sobre el mar de niebla" (de alrededor de 1817). La Alte Nationalgalerie de Berlín inaugura su exposición el 19 de abril, y en agosto lo seguirán el Albertinum y el Kupferstich-Kabinett de Dresde. También están previstas exposiciones en ciudades más pequeñas como Weimar y Greifswald, la ciudad natal de Friedrich en el extremo noreste del país.

Obra de Caspar David Friedrich "Hombre y mujer contemplando la luna". (Crédito: Staatliche Museen zu Berlin)

La exposición de Berlín, “Caspar David Friedrich: Paisajes infinitos”, examinará el papel de la Nationalgalerie en el redescubrimiento del artista a principios del siglo XX. Durante su vida, Berlín fue fundamental para el éxito de Friedrich, más que Dresde, donde vivió durante 40 años, según Birgit Verwiebe, estudiosa de Friedrich y curadora de la exposición de Berlín.

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El romántico en el trono

Los paisajes de Friedrich se exhibieron muchas veces en la Academia de Berlín entre 1810 y 1834 y fueron admirados por el poeta romántico Clemens Brentano, el dramaturgo Heinrich von Kleist y, lo más importante, por el príncipe heredero, que más tarde se convirtió en Federico Guillermo IV y era conocido como el "romanticista en el trono". Convenció a su padre, Federico Guillermo III, para que comprara varias obras importantes de Friedrich a principios del siglo XIX, entre ellas “El monje junto al mar”, una panorámica de la playa y el océano con una diminuta figura oscura en el centro frente al olas blancas inclinadas, y “La abadía en Oakwood”, que representa una ruina gótica rodeada de lápidas y árboles desnudos retorcidos.

Gracias a las compras reales, Berlín tiene una de las colecciones de obras de Friedrich más importantes del mundo. Desde Berlín conquistó Rusia; Carlota, la hermana del príncipe heredero, que también era una ferviente admiradora, se convirtió más tarde en emperatriz consorte de Rusia cuando su marido fue coronado zar Nicolás I en 1825. Convenció al zar para que comprara las obras de Federico, y nueve pinturas permanecen en el Hermitage de San Petersburgo.

Quizás la obra más conocida de Friedrich, el óleo "El caminante sobre el mar de niebla", se exhibe actualmente en la Kunsthalle de Hamburgo. (Crédito: SHK/Hamburger Kunsthalle/bpk)

Los museos alemanes ya estaban discutiendo sobre préstamos de Rusia antes de febrero de 2020, dice Verwiebe. Pero desde la invasión de Ucrania, tras la cual los museos internacionales rompieron sus vínculos con Rusia, esto quedó fuera de discusión.

A principios del siglo XX, Friedrich había caído en el olvido. Pero la exposición de 1906 de arte alemán de 1775 a 1875 en la Nationalgalerie mostró 93 de sus obras: la exposición más completa del arte de Friedrich que jamás haya existido. Eso marcó el comienzo de una lenta reactivación del interés que aún está ganando ritmo.

"Durante mucho tiempo, Friedrich fue un privilegiado", dice Verwiebe. Después de la Segunda Guerra Mundial, su reputación se vio empañada por la asociación con los nazis: a Hitler le encantaba la pintura romántica alemana y Friedrich era uno de sus artistas favoritos. Los estudiosos y los museos se mantuvieron alejados de Friedrich en los años de la posguerra.

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"El monje junto al mar" de Friedrich, que fue pintada entre 1808 y 1810 en Dresde, Alemania. (Crédito: Staatliche Museen zu Berlin)

Fue necesario un par de décadas para que el tabú desapareciera. En 1972, la Tate de Londres organizó una gran exposición que contribuyó en gran medida al renombre internacional de Friedrich. En 1974, se formaron largas colas para asistir a una exposición de Friedrich en la Hamburger Kunsthalle que conmemoraba su 200 cumpleaños.

Influencias contemporáneas

Friedrich continúa fascinando a los artistas contemporáneos, quizás más notablemente Gerhard Richter, quien se inspiró en la pintura de Friedrich de 1823-24 "El mar de hielo" para visitar Groenlandia en 1972. La exposición de Hamburgo explorará la influencia moderna de Friedrich a través de obras de artistas vivos como Julian Charrière, Olafur Eliasson, Ulrike Rosenbach y Kehinde Wiley.

A nivel internacional, la reputación del artista sigue creciendo, según Verwiebe. "Hubo un desarrollo gradual en el siglo XXI que todavía está ganando fuerza", afirmó. El año pasado una exposición en el Kunstmuseum de Winterthur fue tan popular que el museo tuvo que advertir a los visitantes en su página web sobre los tiempos de espera para entrar.

"El mar de hielo" de Friedrich representa un naufragio en el Ártico. (Crédito: Hamburger Kunsthalle/bpk)

"Los suizos recién ahora lo conocen", dice Grummt. “La gente vino una y otra vez (al desfile de Winterthur) y quedó fascinada. Todo el mundo ve algo en su trabajo y siente que le habla personalmente”.

Después de las exposiciones alemanas de este año, en 2025 el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York presentará la primera gran exposición individual de Friedrich en Estados Unidos. "Caspar David Friedrich: El alma de la naturaleza" seguramente le conquistará nuevas audiencias. Pero también puede hacer que las futuras exposiciones sean más escasas si los museos con fondos de Friedrich se vuelven cada vez más reacios a desprenderse de sus atracciones y los costos de seguro para pinturas tan valiosas se vuelven prohibitivos para los museos más pequeños.

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Se espera que el "Retrato de Fräulein Lieser", que se cree es una de las últimas obras del pintor austriaco, llegue a los US$ 54 millones en una venta que ha generado gran entusiasmo en el mundo del arte.

Según la casa de subastas vienesa im Kinsky, el cuadro se consideraba perdido desde hacía mucho tiempo. Sin embargo, ahora se ha descubierto que era propiedad privada de un ciudadano austriaco.

"El redescubrimiento de este retrato, uno de los más bellos del último período creativo de Klimt, es una sensación", afirmó la casa de subastas en un comunicado de prensa en su sitio web.

La pieza intensamente vívida y colorida había sido documentada en catálogos de la obra del artista, pero los expertos solo la habían visto en una fotografía en blanco y negro.

Se espera que la pintura, descrita como una "sensación", alcance hasta 54 millones de dólares cuando salga a la venta en abril. (Foto: Roland Schlager/APA/AFP via Getty Images).

Se sabe que la modelo era miembro de una rica familia judía austríaca que entonces formaba parte de la clase alta de la sociedad vienesa, donde Klimt encontraba sus mecenas y clientes. Sin embargo, su identidad no está del todo segura.

Los hermanos Adolf y Justus Lieser fueron destacados industriales del imperio austrohúngaro. Los catálogos de la obra de Klimt afirman que Adolf encargó al artista que pintara a su hija adolescente Margarethe Constance. Sin embargo, una nueva investigación de la casa de subastas sugiere que la esposa de Justus, Lilly, lo contrató para pintar a una de sus dos hijas.

La declaración en el sitio web del subastador revela que la mujer retratada, quienquiera que fuera, visitó el estudio de Klimt nueve veces en abril y mayo de 1917. Hizo al menos 25 estudios preliminares y probablemente comenzó a pintar en mayo de ese año.

"El pintor eligió para su representación un retrato de tres cuartos y muestra a la joven en una pose estrictamente frontal, cerca del primer plano, sobre un fondo rojo e indefinido. Sobre sus hombros lleva una capa suntuosamente decorada con flores", dijo la casa de subastas.

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Y añade: "Los intensos colores del cuadro y el cambio hacia pinceladas sueltas y abiertas muestran a Klimt en el apogeo de su último periodo".

Cuando el artista murió de un derrame cerebral en febrero del año siguiente, el cuadro aún estaba en su estudio, con algunas pequeñas partes sin terminar. Fue entregado a la familia Lieser.

Su destino exacto después de 1925 "no está claro", narra la casa de subastas. "Lo que se sabe es que fue adquirido por un antecesor legal del consignador en la década de 1960 y pasó al propietario actual a través de tres herencias sucesivas", dice el comunicado.

La pintura se venderá en nombre de sus propietarios austriacos, cuyos nombres no han sido identificados, junto con los sucesores legales de "Adolf y Henriette Lieser sobre la base de un acuerdo de conformidad con los Principios de Washington de 1998", dijo la casa de subastas.

Establecidos en 1998, los Principios de Washington acusaban a las naciones participantes de devolver el arte confiscado por los nazis a sus legítimos propietarios.

Claudia Mörth-Gasser, especialista en arte moderno de im Kinsky, explicó la situación en un correo electrónico a CNN.

La subastadora comprobó la historia y procedencia del cuadro "de todas las formas posibles en Austria", y detalló: "Hemos comprobado todos los archivos y no encontramos pruebas de que el cuadro haya sido exportado fuera de Austria, confiscado o saqueado".

Pero del mismo modo, añadió: "No tenemos pruebas de que el cuadro no haya sido saqueado nunca en el lapso de tiempo comprendido entre 1938 y 1945".

Y esta es la razón "por la que hemos llegado a un acuerdo entre el actual propietario y todos los descendientes de la familia Lieser de conformidad con los 'Principios de Washington'", dijo.

Los retratos de mujeres de Klimt "rara vez se ofrecen en subasta", refiere el comunicado de prensa. Y prosigue: Un cuadro de tal rareza, significado artístico y valor no ha estado disponible en el mercado del arte en Europa Central desde hace décadas".

El cuadro realizará una gira internacional antes de la subasta del 24 de abril, con paradas en Suiza, Alemania, Gran Bretaña y Hong Kong.

El último retrato realizado por Klimt se convirtió en la obra de arte más cara jamás vendida en una subasta europea, cuando alcanzó la asombrosa cifra de 85,3 millones de libras (US$ 108,4 millones) en Londres el año pasado.

"Dame mit Fächer" (Dama con abanico), quien representa a una mujer no identificada, también estableció un nuevo récord para Klimt, superando a "Bosque de abedules", que se vendió por  US$ 104,6 millones en una subasta de la colección del difunto cofundador de Microsoft Paul G. Allen en 2022.

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Las pinturas, “Tête” de Picasso y “L'homme en prière” de Chagall, fueron robadas de un coleccionista de arte en Tel Aviv, Israel, en 2010 y tienen un valor de US$ 900.000.

"Tete" de Pablo Picasso Parquet de Namu/Reuters

En el momento del robo, también se robaron joyas por valor de US$ 680.000, pero solo se han encontrado las pinturas.

La policía local inició una investigación cuando una fuente les informó que un ciudadano belga estaba ofreciendo ambas obras de arte a la venta.

El fiscal local dijo que el principal sospechoso ha sido arrestado.

En esta imagen sin fecha se ve el cuadro 'L'homme en priere' de Marc Chagall, robado hace catorce años de Israel y encontrado en Bélgica. Parquet de Namur/Folleto vía REUTERS

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El artista publicó una serie de fotos de la obra —que consiste en tres drones en una señal de alto— en las redes sociales alrededor del mediodía del viernes hora local (7 a.m. hora de Miami).

Pero a las 12.30 p.m. dos hombres fueron vistos quitando la señal de un cruce en Peckham, al sureste de Londres, dijeron testigos a la agencia de noticias PA Media.

"Abrí Instagram y vi que lo habían publicado cuatro minutos antes y estaba a punto de irme a mi hora de comer. Había unas dos personas cuando llegué. Todos estábamos como admirándolo y haciendo fotos", contó Alex, de 26 años, a PA.

"Nos quedamos mirando atónitos cómo lo destrozaban", añadió Alex, que relató cómo el hombre no consiguió quitar el cartel con las manos y se marchó unos minutos antes de volver con una cizalla.

"Dijimos: '¿Qué haces?', pero nadie sabía qué hacer, nos quedamos mirando. Todos estábamos un poco perplejos", continuó el testigo.

"Lo arrancó, cruzó la carretera y huyó. No dijo nada. No parecía importarle mucho el arte en sí", añadió Alex.

(Crédito: Aaron Chown/AP)

Otro testigo, que dijo a PA que prefería permanecer en el anonimato, expresó su decepción por la retirada del cartel.

"Es extraño, estas obras de arte son bonitas, estaría bien que hubieran permanecido allí un tiempo", dijo.

PA informó que no se cree que el propio Banksy esté detrás de la retirada de la obra de arte.

El misterioso artista es conocido por confirmar sus obras en las redes sociales sin hacer más comentarios.

Algunos han interpretado la última obra como un llamamiento al alto el fuego en el conflicto entre Israel y Hamas, dado que Banksy es conocido por apoyar la causa palestina.

El artista es propietario de un hotel en la ciudad de Belén, que se encuentra a pocos pasos de la imponente barrera de separación israelí que atraviesa la Ribera Occidental.

Banksy inauguró el Walled Off Hotel en 2017 para llamar la atención sobre el conflicto palestino-israelí, y se autodenomina el hotel con las "peores vistas del mundo".

Aunque el valor de mercado de su obra se ha disparado en los últimos años, Banksy sigue produciendo obras en espacios públicos que hacen casi imposible su conservación, e incluso invitan al robo o la desfiguración.

"Spy booth", uno de los murales más famosos de Banksy, que representa a tres agentes secretos rodeando una cabina telefónica con equipos de grabación, fue destruido en 2016.

Y en febrero de este año, un congelador abandonado que formaba parte de una obra de arte aparecida en la localidad inglesa de Margate fue retirado pocas horas después de que Banksy confirmara que la pieza era suya.

En 2018, el artista destruyó famosamente una de sus propias obras: su pintura de una niña con un globo rojo se autodestruyó momentos después de venderse en una subasta por US$ 1,4 millones.

Lianne Kolirin, Zeena Saifi y Nadeem Muaddi de CNN contribuyeron a este informe.

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Un equipo dirigido por científicos de la Universidad inglesa de Bradford utilizó inteligencia artificial para determinar que el rostro de José en la "Madonna della Rosa" (Virgen de la rosa) fue pintado por alguien distinto al maestro renacentista.

Rafael es uno de los maestros del Renacimiento más conocidos y vivió entre 1483 y 1520. El italiano es mejor conocido por obras como La escuela de Atenas y Las tres gracias.

Hassan Ugail, director del Centro de Computación Visual y Sistemas Inteligentes de la Universidad de Bradford, dijo a CNN el jueves que había desarrollado un algoritmo para reconocer pinturas genuinas de Rafael, con un 98% de precisión.

Analiza 4.000 parámetros, como las pinceladas, la paleta de colores y el tono, para determinar si un cuadro es un Rafael auténtico, explicó Ugail.

La “Madonna della Rosa”, que se exhibe en el Museo del Prado, en Madrid, ha sido objeto de debate durante mucho tiempo, dijo en un comunicado de prensa el coautor del estudio Howell Edwards, profesor emérito de Espectroscopia Molecular en la Universidad de Bradford.

"Algunos conocedores consideran que la calidad de la composición y pintura de la Virgen, el Niño y san Juan supera con creces la de san José, la que, consideran, se agregó en el taller como una idea de última hora", dijo Edwards.

"El análisis de nuestro trabajo realizado por el programa de IA ha demostrado de forma concluyente que, mientras que las tres figuras de la Virgen, el Niño Jesús y san Juan Bautista son inequívocamente obra de Rafael, la de san José no lo es y ha sido pintada por otra persona", añadió Edwards.

Debate sobre la IA en el arte

El algoritmo se basa en una investigación previa que descubrió que un cuadro conocido como el Tondo de Brécy era probablemente un Rafael auténtico, contradiciendo a algunos historiadores del arte que afirmaban que el cuadro era una copia realizada en el siglo XIX.

Los hallazgos suscitaron las críticas de algunos historiadores del arte, que, según Ugail, se mostraron "un poco desdeñosos" con la investigación.

"Me quedé un poco sorprendido", dijo, explicando que el algoritmo analizaba detalles que están más allá de las capacidades del ojo humano.

"Será muy muy difícil, por muy bueno que sea alguien, llegar a ese nivel de detalle y crear algo así", declaró Ugail a CNN.

El debate en torno al Tondo de Brécy se inscribe en discusiones más amplias sobre el papel de la IA en la autenticación del arte, que Ugail considera complementario de otras formas de análisis, como la investigación de la procedencia de una obra.

"Se trata de una herramienta más", afirma Ugail, quien subraya que el algoritmo puede utilizarse para determinar si una obra de arte misteriosa merece una investigación más profunda.

"Esta es una forma muy rápida de probar si es necesario mirar más profundamente en una pintura", dijo.

A continuación, Ugail planea desarrollar un algoritmo capaz de reconocer obras de otros artistas, lo que, según él, llevará la ciencia a la autenticación del arte.

"El potencial de este tipo de herramienta es enorme", afirmó.

El jueves se publicó un artículo revisado por pares sobre el trabajo en la revista Heritage Science.

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Eso no era todo lo que escondía la famosa pintura, descubrieron recientemente los investigadores.

Cuando los conservadores utilizaron rayos X para mirar debajo del barniz y la pintura de “La ronda de noche”, hallaron algo inesperado debajo de su superficie: una capa llena de plomo.

Esta fue la primera evaluación en los 400 años de historia de la pintura que combinó rayos X con espectroscopia de una muestra de pintura y reconstrucciones digitales en 3D, y reveló una capa rica en plomo que nunca se había visto en las obras de Rembrandt, informaron investigadores el viernes en la revista Science Advances.

Rembrandt y sus artistas contemporáneos generalmente comenzaban una pintura cubriendo primero el lienzo con una capa rígida de pegamento y luego agregando una capa base de pigmento subyacente, conocida como capa base, para preparar el lienzo.

Pero no había ninguna capa adhesiva en “La ronda de noche”. Es posible que se haya utilizado la capa saturada de plomo porque podría proteger mejor el lienzo, sugirieron los autores del estudio.

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Cuando se completó la pintura en 1642, se colgó en el Kloveniersdoelen de Ámsterdam, un campo de tiro de mosqueteros, en una pared que daba a una hilera de ventanas, donde habría sido vulnerable a daños por humedad.

Rembrandt pudo haber tenido la idea de reforzar su lienzo con plomo a partir de una publicación sobre la química de la pintura, escrita en esa época por un médico de Ginebra llamado Théodore de Mayern, dijo la autora principal del estudio, Fréderique Broers, científica investigadora de microscopía en el Rijksmuseum en Ámsterdam, donde se exhibe “La ronda de noche”.

En sus escritos, Mayern mencionó haber observado una pintura que había sido preparada con pegamento, y las capas de pintura y pegamento se habían separado después de que la obra de arte colgara durante varios años en una pared húmeda. En tales circunstancias, escribió Mayern, un lienzo requería una capa base de aceite rico en plomo. Los investigadores sospecharon que Rembrandt optó por trabajar con plomo "ya que tiene más propiedades de secado en comparación con la capa de pegamento normal para preparar el lienzo", dijo Broers a CNN.

Ya sea que la inspiración proviniera de Mayern o de una discusión entre pintores, Rembrandt probablemente adoptó la técnica poco común como una protección prometedora para una pintura que sabía que se exhibiría en un lugar húmedo, dijo Broers. Los nuevos hallazgos sugieren que Rembrandt estaba abierto a explorar métodos no convencionales que se desviaban de sus prácticas estándar, para ejecutar su visión artística única.

Se descubrió una capa que contenía plomo previamente desconocida en "La ronda de noche" de Rembrandt después de que se analizara una muestra de pintura utilizando diferentes técnicas. Crédito: Fréderique Broers/Rijksmuseum

Operación Ronda de Noche

El trabajo de detective de los investigadores fue parte de un proyecto de conservación y análisis llamado Operación Ronda de Noche, que el Rijksmuseum lanzó en 2019. El verdadero nombre de la pintura, “Compañía de Milicias del Distrito II bajo el mando del Capitán Frans Banninck Cocq”, se convirtió en “La ronda de noche” en el siglo XVIII, en parte debido a su fuerte capa de barniz y al paso del tiempo. A medida que el barniz se volvió amarillento y se oscureció por años de suciedad, los espectadores llegaron a creer erróneamente que la escena tuvo lugar de noche.

Se quitaron capas de barniz cuando se limpió la pintura en la década de 1940, lo que eliminó gran parte de la oscuridad. Pero aún quedaba mucho trabajo por hacer para restaurar y analizar la obra de arte. La Operación Ronda de Noche es “el proyecto de investigación y conservación más grande y de mayor alcance en la historia de la obra maestra de Rembrandt”, con el objetivo de profundizar más que nunca en el proceso de Rembrandt y preservar la pintura durante muchas décadas, según el sitio web del Rijksmuseum.

Para el estudio, los investigadores combinaron datos de escaneos a gran escala de la pintura utilizando fluorescencia de rayos X y difracción de polvo, así como espectroscopia de imágenes reflectantes. Estas novedosas técnicas crearon visualizaciones de elementos y moléculas químicos, revelaron su distribución y mostraron dónde se formaban estructuras cristalinas.

Se extrajo de la pintura una pequeña muestra de pintura que medía sólo 0,002 pulgadas (55 micrómetros) de ancho y 0,006 (160 micrómetros) de largo, se escaneó y luego se modeló digitalmente en 3D, un nuevo enfoque que arrojó luz sobre cómo se ensambló la pintura, explicó Broers.

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“A menudo ves una pintura como un objeto 2D, pero en realidad es un objeto 3D porque tenemos todas estas capas de pintura”, explicó. La investigación sobre objetos 3D requiere una perspectiva 3D, “para comprender realmente el tamaño de las partículas y cómo se relacionan entre sí las diferentes partículas de pigmento”.

Un misterio enterrado

Durante décadas, los expertos habían estado desconcertados por la aparición a lo largo de la pintura de pequeños “granos” de cristales de plomo que subían a la superficie aparentemente de la nada. El plomo se encuentra comúnmente en el pigmento blanco de plomo, pero había poco blanco brillante en “La ronda de noche”.

Las diminutas motas de plomo aparecían incluso en las regiones más oscuras de la pintura, lo que agravaba aún más el enigma, dijo Broers. Con la identificación de una capa rica en plomo que recubría el lienzo, ese misterio finalmente quedó resuelto.

"Es una pieza realmente grande del rompecabezas comprender el estado actual de la pintura", comentó.

Otro descubrimiento importante realizado durante investigaciones anteriores fue la composición de la capa base, que se encuentra encima de la de plomo y está hecha de cuarzo y arcilla. Fue la evidencia más temprana de que Rembrandt usó esa mezcla, que continuó usando (aunque no exclusivamente) durante el resto de su carrera.

Anteriormente, Rembrandt había recubierto sus lienzos con una doble capa de fondo: una de tierra roja y luego otra de pigmento blanco. Pero “La ronda de noche” era mucho más grande que cualquiera de sus otras obras: medía 3,795 metros de alto y 4,535 metros de largo. Una sola capa de fondo habría sido más ligera, más flexible y más barata que su habitual capa doble, según el estudio.

Los éxitos de la Operación Ronda de Noche provienen de un enfoque múltiple para su preservación y protección, añadió Broers. Los datos de las radiografías se evaluaron junto con los detalles descubiertos por expertos en limpieza y conservación. La interpretación curatorial proporcionó un trasfondo histórico para los componentes químicos descubiertos en las capas de pintura e imprimación. Juntas, estas diversas disciplinas introducen “La ronda de noche” en la era moderna para las generaciones venideras de amantes del arte.

"Realmente necesitábamos toda la experiencia de todo el equipo de la Operación Ronda de Noche para ponerlo en contexto", afirmó Broers.

Mindy Weisberger es una escritora científica y productora de medios cuyo trabajo ha aparecido en las revistas Live Science, Scientific American y How It Works.

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Vincent declaró a CNN que ella y su pareja compraban con regularidad en la tienda de beneficencia en cuestión, "probablemente dos o tres veces por semana", y añadió que comprar era "simplemente algo divertido que hacer, o algo diferente para hacer de camino a casa para descomprimir".

El día de su lucrativa compra, en junio pasado, Vincent se fijó inmediatamente en el jarrón. "La gente me dice que tengo buen ojo", afirma en una entrevista telefónica. "Puedes ponerme en un pasillo con un montón de cosas de segunda mano y soy capaz de elegir el único artículo que tiene un poco de valor. Creo que me he entrenado: he visto mucho 'Antiques Roadshow'".

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El diseño en forma de botella presenta un patrón arremolinado, soplado con elegancia en un vidrio rojo translúcido y verde marino opaco.

"En cuanto la cogí, supe que era una pieza bonita", continúa Vincent. "No tenía ni idea de que fuera tan bonita, pero sabía que era de buena calidad. No podía creer que nadie lo hubiera cogido antes que yo".

"Hay muchas piezas falsas de la obra de Carlo Scarpa en el mundo, pero ver y sentir un ejemplo genuino es una revelación y un placer más allá de toda descripción", dijo Jim Oliveira, experto en vidrio de Wright, en un ensayo sobre el jarrón. (Cortesía Rago/Wright)

Vincent reconoció las marcas en la base del jarrón, que indicaban que estaba fabricado en Italia con cristal de Murano de alta calidad. Pero una palabra seguía siendo un misterio para ella, así que, una vez en casa, compartió fotos de la pieza y sus insignias en un grupo de Facebook sobre cristalería. Sus compañeros (y los de otro grupo dedicado al cristal de Murano) no tardaron en identificar la palabra que faltaba: "Venini", como la famosa empresa italiana de cristalería.

"Me decían: 'Sí, esto es muy bueno'", recuerda Vincent. "Algunas personas fueron lanzando diferentes fabricantes y diseñadores, hasta que una persona dijo: 'Oh, eso es Carlo Scarpa... muy de primera categoría, el sueño de todo coleccionista'".

Resultó que el jarrón pertenece a la serie "Pennellate" que Scarpa —arquitecto que también se dedicaba a la cristalería y el mobiliario— diseñó para Venini en 1942, durante su etapa como director creativo de la empresa. El término "Pennellate" se traduce como "pinceladas", en referencia al aspecto pictórico de las piezas. El jarrón demuestra el "concepto de Scarpa de un jarrón como lienzo", escribió la casa de subastas Wright en su anuncio de la pieza, añadiendo que el número de producción de la serie fue "muy bajo, probablemente porque las piezas eran muy difíciles de hacer".

"La luz era perfecta y vi tres marcas diferentes", dijo Jessica Vincent a CNN sobre la identificación del jarrón. "El primero no lo conocía, pero luego vi 'Murano' e 'Italia'. Y dije: 'Está bien, esto es mío'". (Cortesía de Rago/Wright)

"Cuando escuché por primera vez la historia de Jessica y vi la imagen del jarrón, supe que se trataba de una pieza auténtica", dijo a CNN Richard Wright, fundador de Wright, en un correo electrónico tras la venta. "El trabajo de Scarpa en vidrio fue uno de los más innovadores de la isla de Murano. La serie 'Pennellate' no fue muy producida ni comprada en su época, por lo que es bastante raro encontrar una obra como esta".

Expertos de la casa de subastas no tardaron en visitar a Vincent para confirmar la autenticidad de la pieza. El jarrón se incluyó entonces en la subasta de Wright "Vidrio italiano importante", con una valoración de entre US$ 30.000 y 50.000. El precio final de venta duplicó con creces la estimación máxima. (No se ha revelado públicamente la identidad del comprador, pero se lo describe como un "estimado coleccionista").

Vincent y su pareja siguieron la subasta por Internet. "Estábamos temblando, nos alegrábamos", dice de su experiencia. "No puedo expresar con palabras la emoción".

"Me encanta poder decir que tengo un Pennellate", añade. "Pero realmente sentí que lo correcto, para mí, era enviarlo al mundo del arte, donde se puede apreciar plenamente".

"Necesitaba el dinero más que el jarrón", añadió, calificando la ganancia inesperada como una "bendición".

Vincent ya ha vuelto al circuito de las tiendas de segunda mano y afirma que "siempre está buscando", ya sea el próximo objeto de subasta o la pieza perfecta para su casa. "Incluso fui a comprar ayer después de la subasta", añadió. "Es algo que siempre haré: es la emoción de la caza".

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"La Cama Francesa", dibujado por el viejo maestro neerlandés en 1646, está a la venta en la sucursal londinense de la casa de subastas, pero solo puede ser visto en línea por aquellos que hagan clic más allá de una advertencia de contenido.

Los visitantes del sitio web de Christie's deben hacer clic en una advertencia para ver los detalles del lote. (Crédito: Christie's)

El cuadro monocromo, que forma parte de una colección más amplia titulada "Old Masters I" que se subasta este jueves, está oculto tras un cartel en el que se puede hacer clic y que dice: "CONTENIDO EXPLÍCITO. Este lote contiene material explícito y temática para adultos".

Se espera que se venda por hasta US$ 500.000. El dibujo representa a una pareja en una cama con dosel. El hombre y la mujer están semivestidos y, obviamente, se muestran bastante amorosos.

"La Cama Francesa" fue dibujada por el viejo maestro neerlandés en 1646. (Crédito: Christie's)

Un ensayo que acompaña a la imagen en el sitio de Christie's la describe como "uno de los pocos grabados explícitamente eróticos de Rembrandt". También es, dice la casa de subastas, "uno de los grabados más raros de toda su obra".

El cuadro muestra una copa de vino medio vacía sobre una mesilla de noche y el sombrero de plumas del hombre parece haber sido arrojado sobre uno de los postes de la cama.

La mujer mira a su amante con una sonrisa, y "el desconcertante hecho de que tenga tres brazos y manos añade vivacidad a la escena", según el ensayo.

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Y añade que el grabado no es "en modo alguno grosero u obsceno", y lo describe como "encantador y desenfadado".

Entonces, ¿por qué la advertencia?

Christie's declinó la petición de CNN de comentar el asunto, diciendo: "No tenemos nada más que añadir".

El historiador de arte británico Richard Morris dijo a CNN en un correo electrónico que no había visto antes una advertencia de este tipo en un cuadro, y añadió que era "una buena pieza de marketing que avivará las pujas".

Y añadió: "Rembrandt es uno de los artistas supremos del mundo, con un carisma (rizz) que es verdaderamente universal. Es un cuadro erótico, pero no hay en él una sensibilidad extrema, a diferencia de obras de Courbet o de Toulouse-Lautrec.

"A pesar de su antigüedad, es una obra muy moderna: el afecto por la vida real. Estoy seguro de que Rembrandt disfrutaría de su nueva notoriedad".

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Creado por el escultor y ecologista británico Jason deCaires Taylor en 2006, el Parque de Esculturas Subacuáticas de Molinere Bay, en Granada, es ahora una de las atracciones submarinas más populares del país caribeño.

La cautivadora instalación se amplió recientemente de forma significativa, con la incorporación de 31 esculturas al recinto, situado en una zona marina protegida frente a la costa occidental de la isla.

Entre las nuevas incorporaciones se encuentra "Coral Carnival", una serie de esculturas basada en Spicemas, el popularísimo carnaval de Granada, que muestra a emblemáticos mascareros como el "Jab Jab", un personaje con cadenas que es símbolo de libertad para los granadinos.

Atracción submarina

El parque de esculturas submarinas de Molinere Bay, en Granada, se ha ampliado con la incorporación de 31 nuevas esculturas. Crédito: Jason deCaires Taylor/underwatersculpture.com

Encargado por el Ministerio de Ejecución y Turismo de Granada, el proyecto pretende mostrar la cultura y la historia de Granada.

"El carnaval es obviamente una parte muy, muy fuerte de la cultura y la historia de Granada, por lo que querían contar esa historia", dice deCaires Taylor a CNN Travel.

"Ha sido bastante interesante aprender sobre todos los diferentes mascaristas y la historia que hay detrás de ellos".
Cada una de las esculturas, construidas en parte en el Reino Unido, está basada en personas de la vida real, que posaron como modelos para los artistas.

La mayoría de las piezas nuevas fueron creadas por deCaires Taylor, que trabajó en colaboración con varios artistas locales para asegurarse de que "fueran representativas de los personajes".

Por su parte, el artista granadino Troy Lewis creó cuatro de las nuevas esculturas, entre ellas el Cristo de las Profundidades, una réplica de la estatua entregada al pueblo granadino en reconocimiento a la ayuda prestada a la tripulación y los pasajeros del "Bianca C", que naufragó en la isla en 1961.

Transformación natural

"Coral Carnival", una serie escultórica basada en el carnaval anual de Granada, es una de las nuevas obras expuestas en el emplazamiento frente a la costa occidental de Granada. Crédito: Jason deCaires Taylor/underwatersculpture.com

Hechas con acero inoxidable de alta calidad y cemento marino de pH neutro, las esculturas están diseñadas para actuar como arrecifes de coral artificiales, con agujeros y refugios para atraer vida marina como pulpos y langostas, creando un hábitat de aspecto bastante espectacular.

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Según deCaires Taylor, la vida marina ya se había acomodado en las esculturas días después de su instalación.

"Un pulpo se instaló en la base de una de ellas, lo cual es muy agradable de ver", explica, antes de describir cómo una familia de cangrejos también se había instalado en la base de una de las esculturas, mientras que en otra había una raya.

"Lo interesante de estos personajes es que las siluetas son muy, muy fuertes", añade.

"Son tan singulares que las siluetas llaman mucho la atención desde lejos. No lo había visto antes".

También es la primera vez que deCaires Taylor introduce el color en sus esculturas submarinas.

"Normalmente, son muy grises", señala. "Esta vez hemos utilizado pigmentos naturales para pintar las esculturas.

"Así que me interesa bastante ver cómo cambian y si se colonizan de alguna manera diferente. La vida marina está muy influenciada por el color".

Esculturas acuáticas

Cuatro de las nuevas esculturas son obra del artista granadino Troy Lewis. Crédito: Jason deCaires Taylor/underwatersculpture.com

La exposición se exhibió por primera vez en tierra firme en el puerto deportivo Prickly Bay de Granada durante cuatro semanas a principios de este año, una primicia para deCaires Taylor, cuyas esculturas normalmente solo se muestran bajo el agua. Entre los visitantes se encontraba Dickon Mitchell, primer ministro del país.

"Es algo que no había hecho en el pasado, y no estaba planeado para ser justos", admite deCaires Taylor, explicando que surgió porque la empresa de despliegue no estuvo disponible durante un tiempo.

"Pero, en realidad, creo que es una buena idea hacerlo más accesible antes de que [la exposición] se ponga en marcha. Puede que empiece a tenerlo en cuenta en todos los trabajos futuros como una especie de exposición pública más larga".

Las esculturas se instalaron minuciosamente bajo el agua a finales de octubre con la ayuda de una grúa y algunos buzos.

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Según deCaires Taylor, la capacidad de la grúa es menor en la isla que en otros destinos en los que ha trabajado, por lo que el proceso de colocación de las esculturas llevó más tiempo.

"El otro día me pasé ocho horas bajo el agua, lo cual es todo un récord para mí", recuerda.

Coral Carnival, al que se accede en barco, está abierto al público desde finales de octubre.

Las nuevas esculturas están instaladas a profundidades de entre tres y siete metros, y pueden contemplarlas tanto los buzos con esnórquel como los que van en barcos con fondo de cristal, siempre que haya buena visibilidad.

El parque de esculturas submarinas se concibió originalmente como un esfuerzo de conservación para ayudar a renovar la vida marina dañada por el huracán Iván en 2004, y como un medio de aliviar la presión sobre algunas de las zonas submarinas más congestionadas de la isla.

"Hacía tiempo que tenía la idea de crear algo submarino", dice deCaires Taylor. "Pensé que sería un lugar muy interesante para hacer algo, y que quizá atraería a turistas de otros lugares. Y también se convertiría en una especie de plataforma para la vida marina".

"Ha sido uno de mis proyectos favoritos", admite. "Y de hecho, parte de la vida marina que coloniza estas esculturas es de las mejores que he visto en todas las diferentes regiones".

Aunque deCaires Taylor fundó varias galerías submarinas, como el Museo de Arte Submarino de Australia y el Museo de Escultura Submarina de Ayia Napa en Chipre, el Parque de Esculturas Submarinas de Molinere Bay sigue siendo muy especial para él.

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Promover la conservación de los océanos

Las esculturas están hechas de acero inoxidable de alta calidad y cemento marino de pH neutro. Crédito: Jason deCaires Taylor/underwatersculpture.com

"Eso fue lo que me entusiasmó en primer lugar, ver cómo colonizaban y el arte de la naturaleza realmente, suplantando lo que la mano humana puede hacer".

Los proyectos de DeCaires Taylor se centran en gran medida en promover la conservación de los océanos, y admite estar asombrado por los cambios en las esculturas, sobre todo en los últimos meses.

"Este año ha sido uno de los más calurosos que ha habido en Granada y el mar está sufriendo de verdad", explica.

"Así que hay un blanqueamiento enorme en algunos de los arrecifes. Y es la primera vez que veo blanqueamiento también en las esculturas. Así que es emocionante [presenciar la colonización], pero también es bastante triste ver lo que está pasando".

Actualmente está en conversaciones para crear un parque más pequeño en Carriacou, la isla hermana de Granada, centrado de nuevo en estos problemas concretos.

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"Me preocupa mucho la subida del nivel del mar, sobre todo en algunas de estas pequeñas naciones insulares. Por eso quiero hablar de ello.

"Cómo están cambiando las temperaturas del mar, y lo frágiles que son algunos de estos lugares".

Aunque deCaires Taylor trabaja actualmente en otros proyectos en el Reino Unido, ansía volver a la bahía de Molinere para seguir siendo testigo de cómo la naturaleza se apodera de esta creación humana en los próximos años.

"Lo que es un poco diferente en estas piezas es que hay un montón de elevaciones", dice. "Cuernos, plumas y zonas que suben hasta las columnas de agua".

"Me hace mucha ilusión volver dentro de un par de años. Porque creo que habrá mucha alimentación filtrante en esponjas y corales, que deberían adherirse a ellos. Así que eso será bueno".

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La representación de la Virgen María y el Niño Jesús fue descubierta en una casa de la localidad de Gragnano, cerca de Nápoles, según informó la Unidad de Protección del Patrimonio Cultural de los Carabinieri de Nápoles.

Las autoridades italianas estiman que la pintura del artista más famoso por "El nacimiento de Venus" y "Primavera" vale al menos 100 millones de euros (unos US$ 109 millones). Fue encargado por la Iglesia Católica Romana en 1470.

La obra de 58 x 80 centímetros, pintada al temple sobre madera, había estado colgada en una iglesia en el suburbio napolitano de Santa Maria la Carità desde principios del siglo XX, después de que la iglesia a la que originalmente fue asignada se quemara en un incendio.

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Cuando un terremoto dañó la iglesia en 1982, la parroquia entregó la pintura a una familia local llamada Somma para su custodia, según un portavoz del Ministerio de Cultura italiano, quien le dijo a CNN que hay un decreto oficial en el archivo que encomienda a la iglesia la pintura aunque no se enfrentan a ninguna investigación penal.

Durante los primeros años después de que se confiara la pintura a la familia, las autoridades locales comprobaron su estado, les aconsejaron dónde guardarla y ayudaron a trasladarla y limpiarla.

Pero, por alguna razón, los controles cesaron en la década de 1990 y la pintura apareció en el inventario de obras desaparecidas del Ministerio de Cultura.

El cuadro ha sido retirado de la granja cercana a Nápoles y se conservará en un museo. (Carabinieri para la Protección del Patrimonio Cultural)

La lista se actualiza con frecuencia y este verano se rastreó la pintura hasta la familia Somma, que la había expuesto en sus casas a lo largo de los años, dijo el comandante Massimiliano Croce durante la presentación del hallazgo.

Después de localizar a la rama de la familia que actualmente poseía la pintura, la Policía trabajó con el alcalde local, quien ya estaba al tanto de la presencia de Botticelli en la casa de Somma y ayudó a mediar en su recuperación, dijo Croce.

"Se trata de una obra totalmente desconocida para el público que ahora volverá a ser expuesta gracias a la intervención del Estado. Actuamos de manera administrativa, sin recurrir a la Fiscalía ni a un embargo, gracias también a la mediación del alcalde", dijo Croce.

"La familia sigue ostentando el título de la obra que, sin embargo, será conservada en un museo", añadió Croce.

La pintura, que necesitará una restauración exhaustiva, muestra a la Virgen María con el pelo rubio cubierto por un velo sosteniendo a un niño Jesús regordete en su regazo, similar a otras representaciones de Botticelli, según el Ministerio de Cultura.

Le falta algo de pintura y ha sido rayada, probablemente durante el terremoto de los años 1980 y en posteriores mudanzas.

No está claro por qué el Estado dejó de controlar la pintura.

"La última vez que las autoridades inspeccionaron la residencia privada donde se guardaba el cuadro de Botticelli fue hace más de 50 años", dijo Croce. "Desde entonces, inexplicablemente, el cuadro había sido olvidado por las autoridades".

Se cree que es una de las últimas pinturas del maestro, que murió en 1510.

La pintura eventualmente se exhibirá en uno de los museos nacionales de Nápoles, pero su restauración llevará al menos un año, según el ministerio.

La familia Somma se negó a hacer comentarios cuando CNN la contactó.

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La obra, valorada en alrededor de 1 millón de libras, apareció por primera vez en la ciudad costera de Dover en 2017, un año después de que Reino Unido votara a favor de abandonar la Unión Europea (UE) en un controvertido referéndum.

El mural, que adornaba el edificio Castle Amusements, representaba a un trabajador martillando una de las 12 estrellas amarillas de la bandera azul de la UE.

Después, en 2019, el mural —que se convirtió en un punto de referencia turístico de la ciudad, una de las principales puertas de entrada a la UE— desapareció de la noche a la mañana tras ser cubierto de pintura blanca.

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Ahora, a pesar de los intentos de restaurar la obra, el edificio en el que se pintó fue demolido como parte de un proyecto de regeneración más amplio.

El nuevo proyecto, denominado "The Bench", incluirá instalaciones culturales y comunitarias, así como viviendas residenciales, según las autoridades locales.

En una declaración enviada a CNN, un portavoz del Ayuntamiento de Dover (DDC, por sus siglas en inglés) declaró: "Antes de autorizar la demolición, y tras recibir asesoramiento profesional en materia de conservación, el DDC determinó que el Banksy no podía conservarse de forma viable sin un coste considerable para los contribuyentes locales, aunque fuera técnicamente posible".

El mural fue cubierto de pintura blanca en 2019, pero se hicieron esfuerzos para tratar de conservar parte de la obra de arte bajo la pintura. (Crédito: Luke MacGregor/Bloomberg/Getty Images)

En una explicación detallada del proyecto en Internet, el ayuntamiento afirmó que no participó en la pintura ni en el recubrimiento del mural.

No obstante, el portavoz afirmó que su contratista —DDS Demolition— está "intentando ver si la obra de arte de Banksy puede conservarse de algún modo".

Dijo que no había "ninguna certeza" al respecto "dado el hecho de que la obra de arte fue pintada encima y el mal estado del recubrimiento", pero añadió que los contratistas tuvieron "éxito en la eliminación de estrellas y una sección del hombre y la escalera intacta".

La empresa que se hace cargo de la demolición asume todos los gastos adicionales, lo que significa que, en caso de éxito, la obra de arte pasaría a ser de su propiedad.

En un correo electrónico enviado a CNN, una portavoz de la empresa de demolición dijo que las piezas recuperadas del mural están actualmente "siendo evaluadas".

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Y añadió: "DDS está haciendo todo lo posible por salvar la obra de arte para que la comunidad la disfrute".

El misterioso artista, cuya identidad sigue siendo una incógnita, no ha hecho comentarios públicos sobre la demolición.

Aunque el valor de mercado de su obra se disparó en años recientes, Banksy sigue pintando imágenes en espacios públicos que hacen casi imposible su conservación, e incluso invitan al robo o la desfiguración.

"Spy booth", uno de los murales más famosos de Banksy que representa a tres agentes secretos rodeando una cabina telefónica con equipos de grabación, fue destruido en 2016.

Y en febrero de este año, un congelador abandonado que formaba parte de una obra de arte que apareció en la localidad de Margate fue retirada pocas horas después de que Banksy confirmara que la pieza era suya.

En 2018, el artista destruyó una de sus propias obras cuando, momentos después de venderla en una subasta por US$ 1,4 millones, su pintura de una niña con un globo rojo pasó por una trituradora.

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Swarthout es la investigadora detrás de la popular cuenta de redes sociales Weird Medieval Guys, inspirada en la historia del arte, que ha atraído a casi 700.000 seguidores en X, anteriormente Twitter, desde que comenzó a publicar con el usuario @WeirdMedieval en abril de 2022. Ahora, es autora de un libro con una guía irónica para vivir como si fuera el año 999 d. C. llamado "Chicos medievales raros: cómo vivir, amar, reír (y morir) en tiempos oscuros".

Es posible que hayas visto el trabajo de Swarthout en tu feed incluso si no sigues la cuenta: junto con sus subtítulos de zeitgeisty, muchas de las ilustraciones extrañas, lindas y a menudo absurdas de manuscritos de los siglos VI al XV, que muestran esqueletos joviales y ángeles pálidos, animales extrañamente dibujados y los asuntos cotidianos de la gente corriente se han convertido en memes populares. Hay extraños bebés flotantes, un caballero que se apuñala a sí mismo con la leyenda "Estoy fuera", un gato astuto con un pene cortado en la boca y un par de hombres que demuestran tácticas de lucha con espada con connotaciones sexuales.

La historia se repite

En su nuevo libro ilustrado, Swarthout guía a los lectores a través de la vida en la Edad Media con el mismo ingenio oportuno, dando sentido a la cultura medieval más amplia a través de una lente contemporánea. ¿Cuál sería tu nombre? ¿Ratbaldo? ¿Wulfwynn? ¿Qué tal solo Guy?.

Puedes elegir un santo patrón —tan importante como tu signo astrológico—, y encontrar solteros medievales atractivos en tu área; aprender a resolver disputas con consejos de prueba por combate (si es entre un hombre y una mujer, el hombre debe estar metido hasta el pecho en un agujero para nivelar el campo de juego) o cómo identificar al venenoso hombre-león-escorpión- mantícora híbrida en la naturaleza (le gustan los sombreros tontos).

"Acabo de regresar de Tierra Santa y descubrí que la puerta de mi casa estaba sin traba. Resulta que mi esposa se había mudado con el herrero de al lado", subtituló Swarthout en esta ilustración francesa del siglo XIV. (Biblioteca Británica/Cortesía de Penguin Random House)

"Gran parte del arte que se hacía (en la era medieval) la hacía gente que se basaba en cosas de su vida y experiencias... que eran parte de la cultura popular", dijo Swarthout en una llamada telefónica con CNN. "Centrar el libro en la vida en general y en todo el mundo medieval... me pareció una muy buena manera de sintetizar todos esos diferentes tipos de temas juntos".

La rápida popularidad de su cuenta de Twitter la sorprendió, dijo. Swarthout no es historiadora, sino una especialista en estadística recién graduada que estudió algo de Historia del Arte durante su licenciatura. "Me pareció muy surrealista, especialmente al principio, y todavía lo es", dijo.

Y aunque no faltan cuentas de humor sobre historia del arte en Twitter e Instagram, lo que nos ofrece Swarthout es hoy mucho más sólido, con un Substack y un podcast del mismo nombre para los seguidores que desean profundizar en las obras de arte que publica en redes sociales.

"Las plantas también pueden ser pequeñas y raras", según Swarthout. Esta ilustración forma parte de un compendio italiano de hierbas medicinales, muchas de las cuales tienen rostros y, claramente, algunos pensamientos sobre la situación. (Bibliotecas de la Universidad de Pensilvania/Cortesía de Penguin Random House)

"Realmente no tenía la intención de que fuera una cuenta de memes, aunque creo que hay mucho humor intrínseco", dijo. "Gran parte del contenido es simplemente divertido".

Hay una razón por la que el arte medieval es particularmente extraño. Si bien las pinturas y esculturas que quedan de la mayoría de los otros periodos de la historia fueron generalmente producidas por artistas capacitados, los manuscritos iluminados realizados en la época medieval a menudo fueron escritos por monjes y comerciantes, que no necesariamente seguían las convenciones artísticas de la época.

"Bueno, uno de nosotros tendrá que dejarlo ir", escribe Swarthout sobre este detalle de un manuscrito de principios del siglo XVI, que muestra a Jonás y al pez gordo que simplemente no puede dejarlo. (Biblissima+/Cortesía de Penguin Random House)

"Es casi como una mirada a la vida interior de la gente común", explicó Swarthout, "lo cual no es algo que se encuentre en gran parte de la historia del arte".

Nuestra era puede ser tremendamente diferente de la Edad Media; después de todo, ¿podrías explicar un meme viral de la historia del arte en Twitter a un campesino del siglo IX? Pero el tiempo se aplana un poco a través del humor de cada imagen. Swarthout imagina a personas de hace siglos deleitándose de la misma manera con algunas de las ilustraciones que ella comparte, como una pequeña representación de un gato batiendo mantequilla.

"Puedes verlo e imaginar que era igual de divertido y lindo en aquel entonces", dijo. "Muchas imágenes como ésta son una forma divertida de conectarse con personas que vivieron hace cientos de años".

"¿Gaita? No, gracias. Envía un esqueleto que sepa tocar algo mejor, por favor". Esta ilustración es parte del motivo Danse Macabre, en el que la parca lleva a los muertos en un viaje musical al más allá.

Además: festeja como si fuera 999

Escucha el podcast "Weird Medieval Guys" (2022–)

Swarthout lanzó una serie de podcasts ampliando su presencia en las redes sociales el verano pasado, con temas siempre proféticos que incluyen una inmersión profunda en tres prominentes "esposas" de la época y si un solo Dorito mataría o no a un campesino medieval.

Juega al "Pentimiento" (2022)

Este peculiar juego de rol tiene el formato de las páginas de un manuscrito iluminado, con el artista protagonista, Andreas, encontrándose en medio de un misterio por un asesinato en una ciudad bávara ficticia del siglo XVI, que implica un aprendizaje. Disponible para jugar en Xbox y Steam, "Pentiment" ha recibido elogios de la crítica y varias nominaciones a premios por su inventiva.

Lee "El Gran Bestiario Medieval" (2018)

Si lo tuyo son las representaciones a menudo extrañas y absurdas de animales durante esta época, este compendio de 587 imágenes del reino animal medieval (tanto reales como legendarios) es imprescindible. El bestiario incluye entradas sobre 100 criaturas diferentes e incluye mucha historia en forma de ensayos.

Ve "Monty Python y el Santo Grial" (1975)

La sátira clásica de la leyenda artúrica extrajo oro cómico de la Edad Media décadas antes de que existieran los memes medievales. Sigue a la compañía Monty Python en un viaje épico y ridículo desde Camelot (es un lugar tonto) en busca del Santo Grial.

Lee "Cuerpos medievales: vida, muerte y arte en la Edad Media" (2019)

Este libro de historia ilustrado del historiador de arte Jack Hartnell discute las nociones de que la Edad Media fue una época ignorante o poco sofisticada, enfocándose en cambio en creencias reveladoras, avanzadas y fantásticas sobre el cuerpo y la medicina a través de detalles e historias extraídas de obras de arte, relatos históricos y libros de texto.

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Grabada por primera vez en 2003, la entrevista se publicó este martes como episodio extra de la serie de podcast de la BBC "The Banksy Story".

Cuando Nigel Wrench, antiguo corresponsal de arte de la BBC, preguntó a Banksy si se llamaba "Robert Banks", como había publicado entonces el diario The Independent, el artista respondió: "Es Robbie".

Wrench compartió la entrevista de archivo con el presentador del podcast James Peak, un confeso "superfan" de la obra de Banksy, tras escuchar la serie de 10 episodios que había trazado el ascenso del artista e incluía una grabación no verificada de su voz de una entrevista recuperada de 2005 con la Radio Pública Nacional de EE.UU. (NPR, por sus siglas en inglés).

Sin embargo, puede que no todo sea lo que parece, como suele ocurrir con Banksy, un artista conocido por su humor satírico, sus métodos subversivos y sus temas contrarios a la autoridad.

"Sale un nombre", dijo Peak a CNN este martes. "¿Es el nombre correcto?, ¿es una broma inteligente?", añadió Peak, aludiendo a que un nombre como Robbie Banks podría ser un buen juego de palabras.

"Love In The Bin" de Banksy pasó por una trituradora oculta segundos después de que cayera el martillo en la venta nocturna de arte contemporáneo de Sotheby's el 5 de octubre de 2018. (Crédito: Alexander Scheuber/Getty Images)

Escudado en su anonimato, el distintivo arte del grafiti de Banksy ha aparecido en todo el mundo, en las paredes de edificios bombardeados en Ucrania; en camisetas para apoyar a los manifestantes que se enfrentan a un juicio por derribar la estatua del comerciante de esclavos Edward Colston durante las protestas de 2020 Black Lives Matter en Inglaterra; y en París, destacando la crisis migratoria de Europa en 2018.

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En su exposición de 2003, que se inauguró poco después de su entrevista con Wrench, aparecían furgones policiales grafiteados, una imagen de Winston Churchill con una cresta mohicana y animales de granja vivos pintados con los cuadros azules de la Policía Metropolitana.

Banksy habla de estos temas políticos en su obra con Wrench, revelando el "núcleo" de sus primeras ideas antes de convertirse en un icono mundial, mientras consideraba las ventajas de utilizar el grafiti como medio para producir arte, según Peak.

"Si eres un tipo que hace arte que se vende por sumas ridículas de dinero y tienes esta... administración a tu alrededor, a menudo me pregunto hasta qué punto puedes ser puro en tu intención y en tu arte", añadió Peak.

"Y lo que me sorprende al escuchar esta entrevista es que todo eso está presente y es correcto... es casi como si hubiera tomado una decisión sobre... para qué sirve su arte y los medios para comprometerse con él".

Política, vandalismo y anarquía

A pesar de estos temas políticos que han marcado su obra desde el principio, Banksy dijo a Wrench en 2003 que no se consideraba "tan político".

Y añadía: "Si piensas en algo de tu vida durante más de un segundo, tienes que darte cuenta de que los zapatos que llevas los hace alguien con una cantidad patética de dinero y que el café que bebes significa que alguien, en algún lugar del mundo, está siendo asesinado".

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Banksy habló del vandalismo y de su forma de entender el arte: "(El vandalismo) es una forma más rápida de expresar tu punto de vista".

"Para mí, el objetivo de oro es... que te lleve menos tiempo hacerlo que lo que tarda la gente en verlo", añadió.

A la pregunta de si su exposición tenía que ver con el anarquismo, Banksy dijo a Wrench: "Me interesa la injusticia. ¿Quién tiene derecho a juzgar a los demás? Si alguna vez has sido víctima del sistema judicial, te vuelves muy escéptico sobre todo, así que supongo que me gusta darle un poco la vuelta... Me interesa averiguar quiénes son realmente los buenos".

Según Peak, escuchar la entrevista de archivo no ha hecho sino aumentar su admiración por Banksy, una admiración que surgió al darse cuenta de la "brillantez" artística, pero también de los "sentimientos cálidos, humanos, amables, progresistas y liberales..." que la sustentan.

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Hay algo en los "Rostros de Sanxingdui", como se ha llamado a esta colección de esculturas, que resulta familiar y extraño a la vez. Actualmente expuestas en el Museo del Palacio de Hong Kong, pueden parecer mayas o aztecas a ojos inexpertos, pero estas esculturas de más de 3.000 años de antigüedad no fueron desenterradas en ningún lugar cercano a las antiguas civilizaciones de Mesoamérica. Se descubrieron en la llanura china de Chengdu, en un yacimiento arqueológico llamado Sanxingdui (que se traduce como "montículo de las tres estrellas").

Está máscara de oro está entre los miles de artefactos antiguos descubiertos en Sanxingdui, en la actual provincia china de Sichuan.
(Crédito: Noemi Cassanelli/CNN)

Sanxingdui, considerado el mayor y más antiguo yacimiento del reino Shu, una civilización del suroeste de China de la que antes solo se hablaba en mitos y leyendas, no se descubrió hasta la década de 1920, cuando un agricultor tropezó con los objetos mientras cavaba una acequia. Desde entonces se ha descubierto que el yacimiento contiene las ruinas de una antigua ciudad formada por residencias, fosas de sacrificios y tumbas rodeadas de altos muros de tierra. Los arqueólogos del Museo de Sanxingdui afirman que la ciudad se estableció hace entre 4.800 y 2.800 años, hasta que fue abandonada en torno al 800 a.C. por razones desconocidas.

El gobierno chino lleva mucho tiempo promocionando Sanxingdui como prueba de la larga e ininterrumpida historia del país, y los descubrimientos se incluyen en los libros de texto de historia desde hace más de una década. Y aunque miles de visitantes ya han acudido a la innovadora exposición de Hong Kong, algunos analistas sugieren que los objetos también se utilizan para apoyar la visión de la identidad nacional del gobierno chino.

Los misteriosos y talentosos Shu

Se cree que el reino Shu, surgido en la cuenca de Sichuan durante la Edad de Bronce, se desarrolló independientemente de las sociedades del valle del río Amarillo, tradicionalmente consideradas la cuna de la civilización china. Sus habitantes crearon objetos de bronce, jade, oro y cerámica exquisitamente elaborados, que representaban bestias fantásticas, reyes, dioses y chamanes con ojos saltones y orejas agrandadas.

Alrededor de 120 de las piezas se exponen actualmente en Hong Kong, y es la primera vez que muchos de estos objetos, la mayoría excavados entre 2019 y 2022, se exhiben fuera de la provincia de Sichuan.

Sorprendentemente, las esculturas son al menos 1.000 años anteriores al Ejército de Terracota, una colección de estatuas de barro que representan los ejércitos del primer emperador de China, Qin Shi Huang. Wang Shengyu, conservador adjunto del Museo del Palacio, declaró a CNN que los objetos son mucho más avanzados, imaginativos y artísticos que los que se producían en cualquier otro lugar de China en aquella época.

"Se puede decir que es muy escultórico y muy artístico", dijo Wang a CNN en la inauguración de la exposición, señalando una figura de bronce de aproximadamente medio metro de altura cuyo fantástico pelo trenzado se extiende hasta tres veces la altura de su cuerpo y, si no se hubiera roto, se extendería mucho más. "Pueden imaginarse lo magnífico que era. Desde encima de su nariz y hasta arriba, habría medido más de 1,5 metros, según los fragmentos encontrados. El extremo de la coleta está sobre su hombro".

(Crédito: Noemi Cassanelli/CNN)

Poco se sabe del reino Shu aparte de lo descubierto en el yacimiento de 3,6 kilómetros cuadrados a las afueras de Chengdu. No hay pruebas de que existiera una lengua Shu escrita, y la literatura histórica contiene escasa información sobre su cultura, aparte de un puñado de mitos y leyendas, incluida una referencia a un rey Shu llamado Can Cong del que se decía que tenía los ojos saltones, lo que quizá explique por qué tantas de las 13.000 reliquias recuperadas en el yacimiento presentan ojos saltones.

Después de que el estado Shu fuera conquistado por la dinastía Qin en el año 316 a.C., la cultura Shu quedó "enterrada" bajo la cultura "dominante" que surgió más tarde en la llanura central de China, según escribieron las autoridades chinas en una propuesta presentada a la UNESCO en 2013 para que Sanxingdui y dos yacimientos arqueológicos cercanos fueran reconocidos como Patrimonio de la Humanidad. Actualmente están en la "lista provisional" de la UNESCO.

Desde 1986, en ocho fosas excavadas en Sanxingdui se han encontrado máscaras gigantes de dioses con ojos bulbosos parecidos a los de los insectos y orejas prominentes, criaturas míticas con bocas abiertas y una escultura de bronce del "árbol de la vida" de casi 4 metros de altura decorada con adornos como un árbol de Navidad. Todos los objetos se encontraron destrozados, quemados y enterrados, lo que hace pensar a los expertos que las fosas se utilizaban para sacrificios rituales. Algunos han sido reconstruidos minuciosamente por los arqueólogos. "Tardamos diez años en reconstruir el árbol", explica Wang Shengyu, conservador adjunto del museo que ayudó a organizar la exposición.

Ese árbol no se expone en Hong Kong, ya que se considera demasiado valioso para enviarlo al extranjero, pero en el museo se exhibe una sección de uno de los otros seis descubiertos y adornos, así como una proyección holográfica en 3D del aspecto que los expertos creen que tendría: sus capas y ramas adornadas con pájaros, flores, frutas, dragones, campanas, así como adornos de jade y láminas de oro. Se cree que el decorado formaba parte de un espacio teatral.

(Crédito: Noemi Cassanelli/CNN)

El "mito histórico" de una civilización continua

La exposición sitúa estos objetos en el contexto de otras civilizaciones antiguas e incluye a los shu entre las muchas sociedades que han existido en los "5.000 años de historia" del país. Según un comunicado de prensa de los organizadores, los responsables del museo y del gobierno de Hong Kong destacaron en la inauguración la "continuidad, inventiva, unidad, inclusividad y énfasis en la paz y la armonía" de la historia china.

Henry Tang, presidente del órgano rector del Distrito Cultural de Kowloon Oeste (donde se ubica el Museo del Palacio) y antiguo candidato a la máxima magistratura de Hong Kong, afirmó en un comunicado que el distrito y el museo pretenden "promover los intercambios culturales y artísticos entre China y el mundo, 'contar bien la historia de China' y reforzar la autoestima cultural del público".

Pero la idea de que el reino Shu era innatamente chino es controvertida, según Ian Johnson, investigador principal de Estudios sobre China en el think tank estadounidense Council on Foreign Relations.

"En las últimas décadas, el Partido Comunista Chino ha intentado imponer el mito histórico de que todos los pueblos que han vivido dentro de las fronteras actuales de la República Popular son 'chinos'", declaró a CNN por correo electrónico.

"La idea básica es que la RPC (República Popular China) engloba a personas que naturalmente pertenecen juntas y, por tanto, desde el punto de vista actual forman una nación. De ahí que cualquier esfuerzo por tener autonomía o incluso independencia sea tabú: va en contra de la historia".

(Crédito: Noemi Cassanelli/CNN)

La República Popular China se estableció en 1949, y su gobierno ha utilizado a menudo la historia continua de China como prueba de que grupos étnicos como los tibetanos y los uigures siempre han pertenecido a China.

Johnson afirmó que la idea de que las civilizaciones de la ribera del río Amarillo tuvieran mucho en común con las de la cuenca de Sichuan estaba poco respaldada.

"Tienen puntos en común, pero no son lo mismo, igual que los antiguos asirios y fenicios y griegos no eran iguales, aunque tuvieran ciertas cosas en común", dijo, y añadió: "Patrocinar este tipo de exposiciones es popular y hace ganar crédito al gobierno".

Cuando se le pidió un comentario, el Museo del Palacio de Hong Kong declaró que la exposición había sido "comisariada a partir de investigaciones académicas y arqueológicas" y que reforzaba su misión de profundizar en la "comprensión de las vidas y culturas de diversas regiones y grupos étnicos, así como de los intercambios entre ellos en la antigua China, que han contribuido a la magnificencia de la civilización china y a su modelo de desarrollo de 'diversidad en la unidad'".

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“Cristo burlado” del pintor florentino Cimabue fue encontrado en la casa de una anciana en la ciudad de Compiegne en 2019. Ella había guardado la rara obra de arte, que pensaba que era un ícono religioso griego, en su cocina.

La desprevenida propietaria de la pieza no sabía de dónde había salido la pintura de 25 por 20 centímetros, dijo Jerome Montcouquiol, especialista en arte de Cabinet Turquin, a quien se le pidió que realizara pruebas en la pintura después de su descubrimiento.

La pintura, que data de 1280, llegó a alcanzar casi 24,2 millones de euros (Us$ 26,8 millones) en una subasta en octubre de 2019, más de cuatro veces la estimación previa a la venta.

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Pero el gobierno francés intervino entonces para bloquear su exportación, asignando a la pintura el estatus de "tesoro nacional".

Entonces la pequeña y poco común pintura se mantuvo en el país durante 30 meses, tiempo durante el cual el gobierno recaudó los fondos para comprarla para la nación.

Ahora, la ministra francesa de Cultura, Rima Abdul Malak, y la presidenta y directora del Museo del Louvre, Laurence des Cars, han anunciado que el cuadro forma parte de la colección del museo.

"Estas adquisiciones son el resultado de una movilización excepcional del Museo del Louvre que permite conservar en Francia obras codiciadas por los más grandes museos del mundo y hacerlas accesibles a todos", declaró el ministerio en un comunicado, sin dar más detalles sobre cómo se recaudó el dinero.

El Ministerio calificó el cuadro como un "hito crucial en la historia del arte, que marca la fascinante transición del icono a la pintura".

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Solo se conocen unas 15 obras de Cimabue, por lo que el cuadro "es un tesoro nacional de gran importancia", añadió el ministerio.

Se unirá a la pintura “Maestà” de Cimabue, mucho más grande, en la colección del Louvre, y ambas obras formarán parte de una exposición en la primavera de 2025, según el Ministerio.

Cimabue es el seudónimo del artista Cenni di Pepo, nacido en Florencia alrededor del año 1240. Se sabe que fue el descubridor y maestro de Giotto, ampliamente considerado como uno de los más grandes artistas de la época prerrenacentista.

“Cristo burlado” es parte de un díptico que comprende ocho escenas centradas en la pasión y crucifixión de Cristo.

La Galería Nacional de Londres alberga otra escena de la obra, "La Virgen y el Niño con dos ángeles", que adquirió en 2000. Había estado perdida durante siglos, hasta que un aristócrata británico la encontró en su casa solariega de Suffolk, según AFP.

Otro, “La flagelación de Cristo”, se puede encontrar en la Colección Frick de Nueva York.

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Titulado "Le bassin aux nymphéas" o "El estanque de los nenúfares", el cuadro, de dos metros de ancho, forma parte de la famosa serie "Nenúfares" de Monet, en la que la luz se motea en el agua, reflejando los nenúfares y los sauces.

El cuadro pertenece a la famosa serie "Nenúfares" de Monet. (Crédito: Christie's Images Limited 2023)

Pintado entre 1917 y 1919, pertenece a la última etapa de la vida de Monet, que produjo una serie de obras con nenúfares que ahora se exhiben en museos de todo el mundo.

Y después de casi toda una vida estudiando el color y la luz, este cuadro "capta el dinamismo y la belleza de la fugacidad de la naturaleza, explorando la atmósfera efímera, las floraciones estacionales, las profundidades acuosas y los resplandecientes reflejos de la luz", según el comunicado de Christie's.

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Hasta ahora, el cuadro había permanecido en la misma colección familiar durante más de 50 años, "impecablemente conservado y escondido", dijo en un comunicado Max Carter, vicepresidente de de Arte de los siglos XX y XXI de Christie's.

"Con Monet, aparentemente ya se ha visto o dicho todo", añadió Carter. "Le bassin aux nymphéas, que nunca se ha expuesto ni ofrecido en subasta, es, sin embargo, esa cosa más rara: una obra maestra redescubierta".

El cuadro se ofrecerá en la venta nocturna de Christie's de obras del siglo XX el 9 de noviembre.

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Como líder del movimiento impresionista, Monet ejerció un impacto significativo en el mundo del arte, influyendo en sus contemporáneos, como Vincent van Gogh, y en pintores expresionistas abstractos posteriores, como Jackson Pollock.

En la actualidad, sus cuadros son un emblema del impresionismo, ya que han superado la ambivalencia crítica inicial y se han convertido en algunas de las obras de arte más reconocidas en todo el mundo.

Algunos cuadros importantes de Monet han alcanzado en subastas sumas exorbitantes. Otro de la serie "Nenúfares" se vendió por US$ 84,7 millones en Christie's en mayo de 2018, mientras que una pintura de la serie "Pajares" se vendió por US$ 110,7 millones en Sotheby's un año después.

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Mediante el uso de difracción de rayos X y espectroscopía infrarroja, un equipo de científicos de Francia y Gran Bretaña detectó un raro compuesto mineral dentro de la icónica obra. El hallazgo proporciona una nueva visión de cómo se pintó el cuadro de principios del siglo XVI, según el estudio publicado recientemente en el Journal of the American Chemical Society.

Junto con el pigmento blanco de plomo y el aceite, se encontró un compuesto conocido como plumbonacrita, en la capa base de la pintura. Un estudio publicado en 2019 había identificado el mineral en varias obras de Rembrandt del siglo XVII, pero los investigadores no lo habían encontrado en obras del Renacimiento italiano hasta el nuevo análisis.

La plumbonacrita se forma cuando los óxidos de plomo se combinan con el aceite. Mezclar estas dos sustancias en una paleta es una técnica que artistas posteriores como Rembrandt utilizaron para ayudar a que la pintura se secara, según el estudio. La detección del raro compuesto en la "Mona Lisa" sugiere que Leonardo Da Vinci podría haber sido el precursor original de este enfoque, dijo Gilles Wallez, autor del estudio y profesor de la Universidad de la Sorbona en París, quien también fue coautor del informe de 2019.

"Todo lo que viene de Leonardo es muy interesante, porque él era un artista, por supuesto, pero también era un químico, un físico; tenía muchas ideas y era un experimentador… intentando mejorar el conocimiento de su tiempo", dijo Wallez.

"Cada vez que descubres algo sobre sus procesos, descubres que claramente estaba adelantado a su tiempo", dijo.

El raro compuesto plumbonacrita también se encontró en "La última cena", así como en varias obras de Rembrandt del siglo XVII. (Pier Marco Tacca/Getty Images)

La "Mona Lisa", como muchas otras pinturas del siglo XVI, fue creada sobre un panel de madera que requería una capa base gruesa, dijo Wallez. Los investigadores creen que Da Vinci había hecho su mezcla de polvo de óxido de plomo con aceite de linaza para producir la gruesa capa de pintura necesaria para la primera capa, mientras, sin saberlo, creaba el raro compuesto.

Analizando la "Mona Lisa"

Hoy en día, a los investigadores no se les permite tomar muestras de la obra, que se encuentra en el Louvre de París y está protegida detrás de un vidrio, explicó Wallez. Sin embargo, utilizando una micromuestra de 2007 que se tomó de un área justo detrás del marco, los científicos pudieron analizar la pintura utilizando una máquina de alta tecnología llamada sincrotrón. El acelerador de partículas permitió al equipo estudiar la composición de la muestra a nivel molecular.

"Estas muestras tienen un valor cultural muy alto", dijo Wallez. "No puedes permitirte el lujo de tomar grandes muestras de una pintura, por lo que un sincrotrón es la mejor manera de analizarlas".

Según el estudio, también se descubrió que la capa base del mural de Da Vinci "La última cena" tenía la misma composición química que la "Mona Lisa", aunque el mural estaba pintado en una pared. Los científicos tenían una gama mucho más amplia de muestras de "La última cena" para observar, 17 en total, que procedían de la pintura que se desconchaba de la pared con el tiempo, dijo Wallez.

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La "Mona Lisa" y "La última cena" son dos de las menos de 20 pinturas conocidas que Da Vinci hizo durante su vida. Los investigadores esperan poder descubrir más sobre el artista y sus obras con el tiempo.

"Sabemos desde hace mucho tiempo que Leonardo era un experimentador empedernido", dijo William Wallace, distinguido profesor y catedrático de historia del arte y arquitectura en la Universidad de Washington en St. Louis.

"Por lo tanto, no sorprende que lo veamos experimentando con otros medios, especialmente dada su dedicada búsqueda de las mejores técnicas pictóricas (a menudo no tradicionales) para crear sus obras de arte 'vivas'", dijo Wallace, un experto en arte renacentista. y arquitectura que no participó en el estudio.

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Utilizando una técnica de imagen no invasiva, investigadores del Museo Británico (donde residen casi la mitad de las esculturas) y del King's College de Londres encontraron rastros de pintura en 11 de las 17 figuras y en una sección del friso que se exhibe en el museo, según un estudio publicado esta semana en la revista Antiquity.

La pintura a menudo no sobrevive en los hallazgos arqueológicos, particularmente en casos como las esculturas del Partenón que datan de entre el 447 y 438 a. C. y estuvieron continuamente expuestas al ambiente, dijo el autor principal del estudio, el doctor Giovanni Verri, científico conservacionista del Instituto de Arte de Chicago, quien anteriormente fue miembro del Museo Británico.

Los investigadores encontraron restos microscópicos de pintura utilizando luz infrarroja que es absorbida por la pintura azul y aparece en la cámara como un blanco resplandeciente (derecha). (Patronato del Museo Británico)

"Estas son simplemente finas capas de pintura en la parte superior de la superficie de estos objetos, por lo que están en la interfaz entre todo lo que sucede… (La pintura) es la primera en percibir el impacto del medio ambiente", dijo Verri. "También es posible que durante los tratamientos de conservación (tratamientos de restauración) estos pequeños rastros que efectivamente parecían suciedad hayan sido eliminados sin darse cuenta".

Grecia ha pedido repetidamente la devolución de las esculturas que el diplomático británico Lord Elgin retiró del imponente templo del Partenón de Atenas a principios del siglo XIX cuando era embajador ante el Imperio Otomano, que entonces gobernaba Grecia.

La luz infrarroja detecta rastros de pintura perdida hace mucho tiempo

La técnica utilizada para encontrar la pintura fue creada en 2007 por Verri y se conoce como imágenes de luminiscencia inducida visible. El proceso utiliza luz infrarroja que encuentra rastros microscópicos de pintura que el ojo no puede ver, dijo Verri. Al iluminar las esculturas con luz roja, un pigmento conocido como "azul egipcio" absorbe la luz y aparece ante la cámara como un blanco brillante.

El "azul egipcio" era un pigmento popular de la época, que se elaboraba con calcio, cobre y silicio, según la Royal Society of Chemistry. El azul brillante era muy valorado por su rareza y comúnmente se reservaba para la realeza o para representaciones de dioses y diosas.

Los investigadores encontraron rastros de pintura en 11 esculturas. Dentro de la estatua de Dione y Afrodita, se encontró la formación de pétalos de flores (abajo a la derecha). (Museo Británico)

El peculiar color azul fue encontrado en varios lugares de los mármoles, como en la cola de serpiente de la escultura del mítico rey Kekrops, en el espacio del fondo de las estatuas de Deméter y Perséfone y en el vestido que llevaba Dione, madre de Afrodita, donde se halló la formación de dos pétalos de flor cerca de la parte inferior de la tela, según el estudio.

"La interpretación de estos rastros tan pequeños siempre es complicada", dijo Verri. "Entonces, hacemos sugerencias (de estos patrones) a través de comparaciones con otras obras de arte".

Los investigadores también detectaron un color púrpura que no se encontró mediante el proceso de obtención de imágenes sino con el ojo humano, dijo Verri. El tono, al que denominaron "púrpura del Partenón", es particularmente único, según el estudio, porque los investigadores descubrieron que no se elaboraba con mariscos, la antigua receta mediterránea común.

El púrpura a base de mariscos se puede detectar mediante una técnica llamada fluorescencia de rayos X, dijo Verri, pero ese color no estaba presente en este caso.

Los textos clásicos se refieren a un color púrpura difícil de alcanzar, añadió el estudio, pero los ingredientes no fueron revelados porque el color se consideraba muy valioso.

"Este estudio reciente ofrece más pruebas de que la decoración colorida era común en el arte griego antiguo", dijo Michael Cosmopoulos, profesor de arqueología y estudios griegos en la Universidad de Missouri-St. Luis, por correo electrónico. Él no estuvo involucrado en el estudio.

"Esto es muy importante porque desafía la idea occidental tradicional de que el arte clásico era simplemente mármol blanco y muestra cuán importante era el color para los artistas griegos antiguos… Estos hallazgos nos ayudan a comprender el proceso creativo detrás, así como el significado del Partenón y sus esculturas".

En este momento, una reconstrucción de la apariencia original de las esculturas "no es realmente posible", dijo Verri, ya que la técnica de imagen solo detectó pintura azul, y "porque reproducir en términos modernos una de las mayores obras maestras de la humanidad no es algo que pueda hacerse a la ligera", añadió Verri.

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El estudio también encontró que no había signos de incrustación o abrasión en las esculturas que normalmente ayudan a que la pintura se adhiera.

"Lo que realmente hemos podido demostrar no son superficies específicas para la aplicación de pinturas, sino que tanto la talla como el color se concebían como parte de un mismo objetivo", afirma William Wootton, autor del estudio del King's College de Londres. "El extremo cuidado y atención en la producción de esculturas —tanto su talla como su color— era realmente visible en todo el mundo antiguo a un nivel que aún estamos empezando a comprender".

El estudio señala casos anteriores en los que se descubrió que las esculturas griegas estaban coloreadas, como en 2008, cuando los conservadores del Museo de la Acrópolis de Atenas hallaron un pigmento verdoso en el Friso Oeste que representa a un jinete.

Verri dijo que espera que pronto se desarrollen más imágenes para encontrar otros colores presentes en las esculturas.

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"La Adoración de los Reyes" ha permanecido lejos del público desde la década de 1950, cuando salió a la luz por primera vez.

La pieza fue adquirida por el coleccionista J.C.H. Heldring en Ámsterdam en 1955. Su viuda lo vendió a una familia alemana en 1985, donde permaneció hasta su venta por Christie's en Amsterdam hace dos años.

En el momento de la venta, Christie's atribuyó la escena bíblica al "Círculo de Rembrandt", sugiriendo que había sido realizada por un estudiante o un artista cercano al gran pintor, y estimó su valor entre 10.000 y 15.000 euros (US$ 10.600-15.800).

Pruebas exhaustivas revelaron cambios que Rembrandt había hecho en el cuadro. Crédito: Sotheby's

El cuadro monocromático, que mide 24,5 x 18,5 centímetros, fue adquirido por un comprador anónimo por 860.000 euros (US$ 908.000) en la venta de Christie's.

Aunque esa cifra era más de 50 veces superior al valor estimado del cuadro en su momento, ahora se espera que alcance un precio millonario, tras revelarse como "una obra de gran importancia" del pintor neerlandés, según un comunicado de prensa de Sotheby's.

Después de que el comprador anónimo lo consignara a Sotheby's, la casa de subastas se embarcó en un proyecto de investigación de 18 meses para llegar a la verdadera atribución y valor del cuadro.

El examen, que incluyó rayos X e imágenes infrarrojas, así como intensas conversaciones con destacados estudiosos de Rembrandt, llevó a Sotheby's a concluir que el cuadro es "una obra autógrafa de Rembrandt". Ahora valora la obra entre 10 y 15 millones de libras (US$ 12,2 y 18,3 millones).

La casa de subastas cree que fue pintado al principio de la carrera de Rembrandt, hacia 1628, cuando tendría unos 22 años y vivía en la ciudad holandesa de Leiden.

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Un hallazgo raro

La gran mayoría de las obras de Rembrandt cuelgan en museos de todo el mundo, y casi todas las que han salido a subasta en las últimas tres décadas "han sido retratos o estudios de cabezas de un solo personaje", según el comunicado de Sotheby's.

Por ello, "La Adoración de los Reyes", que representa el encuentro entre los Reyes Magos y el Niño Jesús, es una "oportunidad fantástica" en el mundo del arte, según declaró a la CNN George Gordon, copresidente de Old Master Paintings Worldwide en Sotheby's.

En una llamada telefónica con CNN, dijo: "Yo diría que es particularmente significativo porque se suma a nuestra comprensión de Rembrandt en esta fecha crucial de su desarrollo y carrera, cuando estaba claramente con una gran ambición y desarrollándose muy rápidamente como artista".

La primera referencia al cuadro parece proceder del inventario de 1714 de un coleccionista de Ámsterdam, Constantijn Ranst. Se puso a la venta en 1814 y de nuevo en 1822, tras lo cual desapareció hasta mediados del siglo XX.

En la década de 1950, se incluyó en exposiciones de museos y fue citada como obra de Rembrandt por destacados eruditos en la materia, pero en 1960 el historiador del arte alemán Kurt Bauch, que sólo conocía el cuadro por una fotografía en blanco y negro, lo describió como un producto de la Escuela de Rembrandt y lo omitió del catálogo razonado que estaba recopilando. A partir de entonces, el cuadro fue "totalmente pasado por alto y completamente ignorado en la bibliografía sobre Rembrandt", según Sothebys.

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Gordon declaró a CNN que quienes pujaron en la subasta de Christie's de 2021 "debieron de pensar que era mucho mejor que la descripción y que bien podría tratarse de un Rembrandt".

El examen minucioso de Sotheby's reveló una serie de cambios y revisiones que Rembrandt hizo, incluyendo al halo del niño Jesús y el tocado de la Virgen María, según la casa de subastas.

"Muy pocas pinturas narrativas de Rembrandt permanecen en manos privadas, por lo que esta es una oportunidad tan rara como emocionante para un coleccionista privado o una institución", dijo Gordon en el comunicado de prensa.

"Esta sofisticada pintura es en igual medida producto del pincel y del intelecto de Rembrandt. Todos los rasgos distintivos de su estilo de finales de la década de 1620 son evidentes tanto en la superficie pintada visible como en las capas subyacentes reveladas por la ciencia, que muestran múltiples cambios en el curso de su creación y arrojan nueva luz sobre su forma de pensar", añadió.

El cuadro se expone actualmente en Sotheby's de Hong Kong, tras lo cual viajará a Nueva York, Los Ángeles y Londres, donde se subastará el 6 de diciembre.

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El hombre, de 30 años, cuyo nombre permanece en el anonimato debido a las estrictas leyes alemanas de protección de la intimidad, también fue condenado por el robo de otras tres obras de arte. Evitó ir a la cárcel, pero se le impuso una condena condicional de 21 meses y se le ordenó devolver al museo más de 60.600 euros (US$ 64.200).

En un comunicado de prensa publicado este lunes, el Tribunal de Distrito de Munich dijo que su sentencia tuvo en cuenta que el hombre había confesado y mostrado "remordimiento genuino".

"Dijo que actuó sin pensar", según el fallo judicial. "Hoy ya no puede explicar su comportamiento".

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El hombre, que era empleado del Deutsches Museum de Munich, trabajó en la gestión de colecciones desde mayo de 2016 hasta abril de 2018.

Durante ese tiempo, robó "Das Märchen vom Froschkönig" (El cuento del príncipe rana) de Franz von Stuck, lo sustituyó por una falsificación y puso el original a subasta. Mintió a una casa de subastas de Munich diciendo que el cuadro había pertenecido a sus abuelos o bisabuelos. Más tarde se vendió a una galería suiza por 70.000 euros (US$ 74.000), y el hombre recibió casi 50.000 euros (US$ 52.000) en efectivo, una vez descontados los gastos de gestión de la subasta.

"Das Märchen vom Froschkönig" (El cuento del príncipe rana), de Franz von Stuck. Crédito: Fine Art Images/Heritage Images/Hulton Archive/Getty Images

También robó otros tres cuadros del almacén del museo y consiguió vender dos de ellos: "Die Weinprüfung" (La prueba del vino), de Eduard von Grützner, y "Zwei Mädchen beim Holzsammeln im Gebirge" (Dos niñas recogiendo madera en las montañas), de Franz von Defregger. Una de las obras se vendió en subasta y la otra fue adquirida directamente por la casa de subastas, con lo que sumó a su riqueza otros 11.490 euros (US$ 12.184).

El hombre utilizó el dinero para pagar deudas y financiar un "estilo de vida lujoso", según el tribunal, que añadió: "El acusado explotó descaradamente la oportunidad de acceder a los almacenes [...] y vendió valiosos bienes culturales para asegurarse un alto nivel de vida y presumir".

El hombre también intentó subastar el otro cuadro robado, "Dirndl" de Franz von Defregger, en otra casa de subastas de Munich, pero no se vendió.

En una declaración enviada por correo electrónico a CNN, la casa de subastas que estuvo detrás de las tres ventas exitosas, Ketterer Kunst, dijo que "simplemente (no) había sido posible identificarlos como propiedad robada".

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"Hemos cumplido plenamente con nuestro deber de diligencia y hemos investigado exhaustivamente las obras mencionadas", añadió un portavoz de la casa de subastas. "Lamentamos que las obras fueran robadas del museo... (y) cooperamos estrechamente con la (policía) en una fase temprana y entregamos todos los documentos para resolver este caso".

Por su parte, el Deutsches Museum declaró a CNN que está haciendo esfuerzos para recuperar los cuadros. En un correo electrónico, un portavoz dijo que el museo estaba intentando que se anularan las ventas, y que uno de los cuadros ya está en posesión de la policía.

El portavoz añadió que la zona de la que fueron robados los cuadros está "suficientemente asegurada" y que el museo había comprobado los antecedentes del hombre, pero en ese momento no tenía antecedentes penales.

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Esto se debe a que, durante siglos, las tradiciones artísticas del Renacimiento europeo han sido la autoridad de tales temas. Fue entre los siglos XV y XVI cuando "el arte pasó a considerarse una rama del conocimiento", según Britannica, "valiosa por derecho propio y capaz de proporcionar al hombre imágenes de Dios y sus creaciones, así como percepciones de la posición del ser humano en el universo".

Pero la artista estadounidense de origen afrocubano Harmonia Rosales es una de las personas que pretenden cambiar radicalmente esta concepción de las ideologías occidentales como norma. Una selección de su obra en este sentido se exhibe actualmente en la exposición "Harmonia Rosales: Master Narrative", en el Museo de Bellas Artes del Spelman College, de Atlanta. (Una versión de la exposición se mostró por primera vez el año pasado en el Museo AD&A de la Universidad de California, en Santa Barbara).

La idea al centro del arte de Harmonia Rosales es la reivindicación de la identidad cultural y el descubrimiento personal. Crédito: Elon Schoenholz/ Harmonia Rosales

A través de 20 óleos y una instalación escultórica a gran escala, la obra de Rosales desafía al espectador a considerar la universalidad de la creación desde la óptica de la diáspora negra. La exposición recoge siete años de trabajo, en los que Rosales entrelaza las técnicas artísticas y las hegemonías de los antiguos maestros europeos, centrados en el cristianismo y la mitología grecorromana, con los personajes, temas e historias de la religión yoruba.

La tradición religiosa yoruba se basa en un creador supremo llamado Olodumare y una jerarquía de varios centenares de deidades, conocidas como orishas, que gobiernan colectivamente el mundo y la humanidad. Originada en África Occidental hace al menos varios miles de años, a los esclavos se les prohibía practicarla porque muchos esclavistas blancos la consideraban maligna y una amenaza para la obediencia que deseaban.

"Ori" es el término yoruba para "cabeza" y denota tanto la parte superior del cráneo como la noción del destino personal divinamente encarnado en ella, dice una placa del museo para la obra homónima de Rosales. Crédito: Lucy Garrett/Harmonia Rosales

El arte del Renacimiento excluía en gran medida a los negros, incluso cuando surgió durante las primeras fases de la trata transatlántica de esclavos que acabó llevando a América a 10,7 millones de hombres, mujeres y niños africanos, de los cuales unos 1,67 millones eran adeptos a la tradición yoruba.

Entonces, ¿por qué centrar a los negros en una forma de arte que los condenó al ostracismo, en lugar de crear un espacio totalmente nuevo para transmitir esta "narrativa maestra"? Para Rosales, la mejor manera de diversificar el medio es operar desde dentro de sus parámetros.

"Porque es lo que se ha generalizado. Intento educar a las masas en una religión que ha estado oculta durante bastante tiempo", afirma Rosales. "Quiero hacerlo muy lineal, comprensible y digerible, para luego poder profundizar".

"Estoy tomando la vía exprés de enseñar a la gente quiénes son", añadió. "La única forma de hacerlo es reimaginando ciertas imágenes famosas".

"Lo que está haciendo es diferente a lo que hace mucha gente que trabaja en la figuración negra ahora mismo", dijo Liz Andrews, directora ejecutiva del Museo de Arte del Spelman College, sobre la obra de Rosales. "Está recuperando una historia que ha sido activamente mutilada".

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Encontrar su talento artístico

Con su ascendencia mixta, que también incluye raíces jamaicanas, Rosales dice que "nunca me sentí suficiente de nada" durante su infancia. No encajaba en ningún cajón racial o étnico, y luchó por cambiar ciertos rasgos físicos que la sociedad históricamente no ha considerado atractivos, como su pelo rizado y ensortijado, que durante años alisó con alisadores químicos que le regaló su abuela, o sus codos y rodillas, más oscuros que el resto del cuerpo.

Rosales, que creció en Chicago, probó suerte en la escuela de arte, pero no le gustaron las limitaciones que, en su opinión, imponía a sus instintos creativos. Así que encontró su inspiración en los libros de arte, la investigación y los museos, donde podía observar de cerca las pinturas para estudiar las técnicas, en particular las de los artistas del Renacimiento. "Se dedicó tiempo y amor al arte renacentista, y eso se nota en la obra", dice Rosales, que lo describe como "el marco de la belleza estadounidense, de la percepción de la belleza, de todo".

Como artista autodidacta, Rosales se dio a conocer por primera vez después de compartir su pintura "La creación de Dios" (foto de abajo) en las redes sociales, en 2017.

En "La creación de Dios" de Rosales, Dios es una mujer negra. Crédito: Lucy Garrett/Harmonia Rosales

En los años posteriores, Rosales ha visto su obra expuesta en el Museo Andy Warhol, de Pittsburgh, el Museo de Arte Contemporáneo de la Diáspora Africana, en Brooklyn, y el Museo de Arte Brooks, en Memphis, entre otros lugares.

Repensar el condicionamiento

Cuando Rosales tuvo a su primera hija, recordaba que estaba emocionada por tener un "pequeño yo", igual de maravillada por los museos de arte, y en particular por el arte renacentista. Pero la primera vez que Rosales llevó a su hija, que entonces tenía 4 ó 5 años, a una galería que exponía obras de la época, no le gustó nada.

"Le dije: '¿Por qué no te gusta esto?, dice Rosales refiriéndose a un retrato en particular. "Ella dice: 'No se parece a mí'".

"Volví a ver [el arte] con ojos inocentes, sin todas las diferentes manipulaciones que te pone la sociedad sobre cómo deberías ser", añadió. "No quiero que a mi hija le laven el cerebro como a mí... Quiero que le guste su pelo, su piel, sus labios, su nariz, todo".

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Además de crear grandes relatos en los que sus hijos puedan verse reflejados, el deseo de potenciar y representar la belleza y la fuerza de las mujeres negras también se refleja en toda la obra de Rosales.

La obra de Rosales demuestra su camino hacia la autonomía y el amor propio, con figuras pintadas con rasgos que antes no le gustaban de sí misma. Crédito: Cortesía de Harmonia Rosales

"Quería representar visualmente a las mujeres de color, en concreto, porque soy mujer, como algo de puro poder", dice Rosales.

Muchos de los personajes de las obras de Rosales tienen la piel oscura, a menudo con tonos negros azulados y a veces elementos plateados que les confieren un carácter majestuoso y mitológico.

Vistas en persona, las figuras de sus cuadros parecen tan reales que es casi como si se pudieran tocar. Este efecto es deliberado, ya que adopta una técnica empleada por los antiguos maestros europeos para pintar la piel blanca de forma que brille y destaque sobre el lienzo; consiste en aplicar capas finas de pintura para que la luz resalte los distintos rasgos y cree profundidad, explica Rosales. Lo diferente de la técnica de Rosales es la mezcla de colores: una gama de marrones, negros, rojos, verdes y azules, para captar la diversidad de los tonos de piel más pigmentados.

También está representada la diversidad física de la diáspora africana. Hay mujeres curvilíneas y esbeltas; personas de piel más clara con pelo rubio, albinismo o pecas; y personajes de piel morena con mechones rojos y vitíligo, una enfermedad que hace que las manchas de la piel pierdan pigmento o color cuando se destruyen las células productoras de melanina.

Poner nuestra perspectiva en la gran narrativa

"Como nos mataban o nos castigaban, para adorar a los dioses yoruba, teníamos que ocultarlos en estas máscaras blancas durante tanto tiempo que, generación tras generación, olvidábamos quién estaba realmente detrás de esa máscara", explica Rosales sobre la práctica de los seguidores yoruba de confundir a sus dioses con importantes figuras católicas con significados similares, para poder adorarlos de forma encubierta.

La "Señora de Regla", reinterpretada por Rosales. Cortesía de Harmonia Rosales

La exposición examina esta dinámica en retratos como el de Rosales "Señora de Regla". Una placa de esta pieza en la exposición de Spelman explica: "La Virgen católica de Regla, la única figura de María Negra en Cuba, se confunde a menudo con la orisha Yemayá, madre de todos y diosa del océano en las Américas".

La pieza es una representación exuberante de Yemayá vestida con lujosos paños azules (el mismo atuendo que suele llevar la Virgen María), sosteniendo a su hija, la niña Eva, en lugar de Cristo, y rodeada de flores en plena floración.

"Con el tiempo, orishas y santos se fusionaron en un proceso conocido como sincretismo religioso. En sus pinturas, Rosales alude a este sincretismo cuando representa las auras (conciencia espiritual y destinos) de los orishas como halos dorados, un recordatorio de los santos a los que se asimilaron", escribió Helen Morales, profesora de la UCSB que dirigió la curaduría de "Master Narrative" en su primera iteración, en un catálogo de exposición del mismo nombre.

"Migración de los dioses" representa a africanos esclavizados llevando a sus dioses a cuestas en medio de "los horrores del Paso Medio, condensando tiempo y geografía en un solo cuadro". Crédito: Lucy Garrett/Harmonia Rosales

"Hay un tipo diferente de sincretismo en muchos de los cuadros de Rosales", continúa Morales. "El sincretismo aquí es también generativo, desafía nuestros cánones de belleza y nos anima a trazar similitudes y diferencias entre las mitologías griega, romana y yoruba. Forma parte de la generosidad de espíritu y la visión amorosa de Rosales el hecho de que, en última instancia, esté tan interesada en lo que nos une como en lo que nos separa".

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La leyenda yoruba dice que Yemayá, al querer transportar emocionalmente a sus hijos desplazados a distintas tierras durante la trata de esclavos, se hizo una con el océano y se le atribuye el mérito de salvar a los yoruba que sobrevivieron a su viaje en barcos esclavistas.

Yemayá también se refleja en otras obras de "Master Narrative", como el cuadro "Ascensión a las aguas". En otro, "Yemayá conoce a Erinle", se representa la capacidad de deseo de Yemayá al enamorarse del divino pescador.

Aunque Rosales retrata la esclavitud, sus cuadros también captan la multidimensionalidad que poseen los negros, como en " Yemayá conoce a Erinle". Crédito: Lucy Garrett/Harmonia Rosales

La pieza principal de la exposición es la reinterpretación escultórica que Rosales hace del famoso cuadro de Miguel Ángel en el techo de la Capilla Sixtina. Las dramáticas escenas de los relatos bíblicos de la creación han constituido durante mucho tiempo una historia visual del desarrollo espiritual de la humanidad. Para Rosales, la exposición no habría estado completa sin una recreación de la misma.

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"No sabía cómo iba a exponerlo", explica Rosales sobre el proceso creativo que acabó convirtiéndose en su primera incursión en la escultura. "Era como: 'Vale, recrea el techo de una capilla', pero eso va a ir en contra de todo lo que estoy diciendo. El techo de la capilla es lo que nos aprisionó al principio: el aspecto de obligar a todo el mundo a seguir una religión".

"Han estado con nosotros todo el tiempo", dijo Rosales sobre los dioses yoruba representados en su instalación "Master Narrative". "Viajaron por el Atlántico con nosotros: les ayudamos a sobrevivir y ellos nos ayudaron a sobrevivir". Crédito: Lucy Garrett/Harmonia Rosales

Extendida sobre el casco cóncavo de un barco de esclavos volcado, "Master Narrative" es un audaz acto de reivindicación, basado en la rica obra de Rosales para capturar la creación de los orishas y la Tierra, sus gentes y las historias de sus vidas.

Un tema similar se encuentra en "Still We Rise", una gran composición que toma su nombre del poema de Maya Angelou y está inspirada en el fresco de Miguel Ángel "El juicio final", que cubre la pared del altar de la Capilla Sixtina. La piel desollada de san Bartolomé, en el cuadro de Miguel Ángel, se cambia por una bandera confederada en llamas que sugiere que los esclavizados en América "emergerán triunfantes".

"Simplemente lo cambié por la quema de la bandera porque quería que tuviera más de positivo: que esta bandera, que nos metía en una caja y nos decía qué hacer y en qué creer, ahora está siendo destruida", explicó Rosales sobre su cuadro "El juicio final". Crédito: Lucy Garrett/Harmonia Rosales

Su exposición también se enmarca en un momento cultural más amplio en el que la población negra reclama su lugar en la historia y se apropia de su patrimonio, y en el que se opone a que se reconstruya esta historia. Rosales afirma que no pretende que su obra se utilice como herramienta a favor o en contra de ninguno de estos movimientos, sino que se alegra si contribuye a ese empoderamiento.

"¿Por qué vernos como divinos es político?". argumenta Rosales. "¿Por qué añadir nuestras narrativas, o incluso intentar alterar la historia, esta base que se construyó y no nos incluyó, es político?".

"Yo solo lo veo como que estoy contando algo que forma parte de mi cultura y que me gustaría ver más", añadió. "Estos son mis hijos, y cuando los dejo salir al mundo, ellos deciden en quién quieren convertirse".

Aunque Rosales pintó inicialmente las figuras para su hija, al final "me encontré a mí misma", dijo, "me empoderé sobre quién soy". Cada una de estas [obras de arte] cuenta mis historias".

"Harmonia Rosales: Master Narrative" se expone en el Museo de Arte del Spelman College, de Atlanta, hasta el 2 de diciembre.

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Botero reconocía que se le ubicaba como el hombre que pintaba “mujeres gordas”, pero rechazaba que su estilo fuera simplificado de esa forma.

¿Qué decía sobre su obra?

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En diciembre de 2018, en una entrevista con la revista Vanity Fair, Botero explicó que, para él, lo voluptuoso era “un motivo de gozo”.

“La idea general de la belleza considera que las mujeres deben ser delgadas, pero entonces llega un artista que produce una dilatación de la forma y dicen que ‘pinta mujeres gordas’”, dijo en esa conversación.

“Mi estilo proviene de la convicción de que la voluptuosidad de la forma es motivo de gozo. Y el arte debe dar placer”, añadió a Vanity Fair.

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Para el pintor —por cuyo fallecimiento fueron declarados siete días de luto en su natal Medellín—, la forma en la que el arte podía dar placer era a través del volumen.

“Ya mis primeras acuarelas eran volumétricas. La pintura era plana en la Edad Media, y después vinieron los italianos y crearon el volumen, que era un milagro y que sigue siéndolo, aunque estemos acostumbrados a él. Es como el rayo, que todos lo vemos y por eso no nos damos cuenta del milagro que es”, dijo en la entrevista de 2018.

En una entrevista que le hizo para CNN en 2020, la periodista Mari Rodríguez Ichaso recordó que Botero se refería a sus obras como “formas rotundas”. En esa conversación, el pintor le dijo que "mi interés principal radica en el volumen y en la sensualidad del arte a través de la exaltación del volumen. Yo pinto un universo de volumen en el cual cada cosa está pintada con la misma intención, con el mismo gesto. Una mujer o un hombre… igual que una fruta".

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Algunos lugares del mundo con obras de Fernando Botero

1. Colombia: Medellín, Cartagena, Bogotá

Más de 20 esculturas se pueden disfrutar en la Plaza Botero, de Medellín, Colombia, la ciudad natal del artista. También se encuentran en otras ciudades colombianas.

(JUAN BARRETO/AFP via Getty Images)

(JUAN BARRETO/AFP via Getty Images)

(JUAN BARRETO/AFP via Getty Images)

Ha fallecido Fernando Botero, artista y escultor, autor de
La Gorda Gertrudis, Plaza Santo Domingo, Cartagena.
RIP. pic.twitter.com/DyVmiIzVBR

— GUSTAVO GONZALEZ GONZALEZ (@tavo2366) September 15, 2023

En el año 2000 se instaló la primera escultura del maestro Botero en Bogotá. También por esas fechas se inauguró su museo, una generosa donación a la ciudad. Su legado perdurará por siempre, gracias maestro. pic.twitter.com/llTS35Vbn8

— Karl (@karlhe) September 15, 2023

2. Nueva York

En la plaza Columbus Circle en Nueva York, Estados Unidos:

Adán y Eva de Fernando Botero, en Columbus Circle, New York. pic.twitter.com/nizhtgynpi

— Ballesteros Santos (@JucaBallesteros) December 2, 2022

3. Buenos Aires

Una escultura de Botero en el Parque Thays (ALEJANDRO PAGNI/AFP via Getty Images)

4. España: Madrid y Barcelona

Madrid (GABRIEL BOUYS/AFP via Getty Images)

Él gat de botero #Barcelona pic.twitter.com/pVEcCp6PSl

— joseba basko (@BaskoJoseba) September 13, 2023

5. Chile

El caballo de Botero en pleno parque forestal #santiago #chile https://t.co/UcF4RfKQJt pic.twitter.com/ow1tNbfnNA

— Dario Ramirez (@DarioSays) February 18, 2017

6. Portugal

Fernando Botero #sculpture #art #Lisbon #Portugal pic.twitter.com/h9sbYnahPQ

— Inglis Thorburn (@InglisThorburn) December 14, 2016

7. Londres

(Peter Macdiarmid/Getty Images)

8. Liechtenstein

(Johannes Simon/Getty Images)

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Dejó un legado artístico a través de su vasta obra plástica compuesta por dibujos, esculturas y pinturas cuya característica común era el gran volumen, personajes más gruesos, robustos, gordos, en en una obra que va del costumbrismo, la crítica política a la sátira.

Botero, a quien el presidente de Colombia llamó el "pintor de nuestra violencia y de la paz", murió el 15 de septiembre en Mónaco. Tenía 91 años.

La obra de Botero se reconoce a simple vista por su voluminosidad. Sus influencias están en su natal Medellín (donde nació en 1932) y en el arte italiano. Sus figuras son un ícono el arte latinoamericano del siglo XX.

En esta foto aparece el escultor colombiano Fernando Botero delante de una de sus obras en la los Campos Elíseos de París en octubre de 1992. (Crédito: BERTRAND GUAY/AFP vía Getty Images)

Escultura El torso. Fernando Botero. Exposición en los Campos Elíseos de París el 16 de octubre de 1992. (Crédito: BERTRAND GUAY/AFP vía Getty Images)

Botero posando con una de sus pinturas en su taller parisino el 9 de febrero de 2001. (Crédito: JOEL ROBINE/AFP via Getty Images)

Botero con su escultura de Bronce "Mano izquierda" frente al Museo Moderno de Estocolmo en septiembre de 2001. (Crédito: JACK MIKRUT/SCANPIX SWEDEN/AFP via Getty Images)

Botero muestra algunas piezas nuevas el 14 de abril de 2005 en su taller de París. La serie evoca las diversas torturas, humillaciones sexuales y abusos a prisioneros iraquíes perpetrados por soldados estadounidenses en la cárcel de Abu Ghraib (Irak). (Crédito: PASCAL PAVANI/AFP via Getty Images)

Visitantes observan el 27 de junio de 2006 "Masacre en Colombia", un óleo del artista colombiano Fernando Botero, que forma parte de la exposición "El dolor de Colombia en los ojos de Botero" que se exhibe en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, compuesta por unos 50 dibujos y óleos que ilustran la violencia y el dolor que tiene que soportar el pueblo colombiano. (Crédito: JUAN MABROMATA/AFP via Getty Images)

Esta obra de Botero se llama "El dolor de Colombia" que retrata la violencia en el país desde la década de 1980 e hizo parte de una exposición en Lima, Perú, en noviembre de 2006. (Crédito: JAIME RAZURI/AFP via Getty Images)

Esta escultura de bronce llamada "Mujer con un espejo" está al aire libre en el Parque Botero en el centro de Medellín, Colombia, frente al Museo de Arte de Antioquia. Foto de abril de 2007. (Crédito: GERARDO GOMEZ/AFP via Getty Images)

Botero ante una de sus esculturas expuestas frente a la catedral de Berlín el 20 de septiembre de 2007. (Crédito: AXEL SCHMIDT/DDP/AFP via Getty Images)

En esta foto se ve la obra de Botero llamada "Mujer Leyendo en 2007 en el Latin American Art en Sotheby's New York. (Crédito: TIMOTHY A. CLARY/AFP via Getty Images)

"Hombre y mujer" de Fernando Botero se expone durante un avance de las subastas de arte latinoamericano de Sotheby's, el 21 de mayo de 2010 en Nueva York. (Crédito: EMMANUEL DUNAND/AFP vía Getty Images)

"Naturaleza muerta con zumo de frutas" de Fernando Botero se expone durante un avance de las subastas de arte latinoamericano de Sotheby's, el 21 de mayo de 2010 en Nueva York. (Crédito: EMMANUEL DUNAND/AFP vía Getty Images)

"Muerte de Pablo Escobar" de Fernando Botero en el Museo de Antioquia en Medellín exhibida el 20 de enero de 2011. (Crédito: RAUL ARBOLEDA/AFP via Getty Images)

Botero posa el 22 de noviembre de 2017 delante de uno de sus cuadros expuestos en el Hotel de Caumont, en Aix en Provence, sur de Francia, como parte de la exposición "Botero, dialogue avec Picasso". (Crédito: BORIS HORVAT/AFP via Getty Images)

Botero junto a una de sus pinturas de la colección "Vía Crucis" en una exibición del museo Vittoriano de Roma en 2017. (Crédito: TIZIANA FABI/AFP via Getty Images)

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(CNN Español) –– Mas allá de sus "gordos", sus enormes frutas, sus músicos, sus mujeres voluptuosas y sus paisajes colombianos, el pintor y escultor colombiano Fernando Botero, que falleció el 15 de septiembre de 2023, fue una de las figuras más prominentes del arte internacional y un orgullo para todos. Mari Rodríguez Ichaso habló con él en 2020. Esta fue la entrevista: 

Fernando Botero es un gran ejemplo de que se puede triunfar cuando se cree en sí mismo. Lo que llevó a un chico de escasos medios económicos de Medellín a seguir su vocación, a saber lo que quería hacer en su vida y, en el camino, ser uno de los artistas más famosos.

He tenido la suerte de que Fernando Botero ha sido por muchos años un buen amigo. Siempre digo que es el hombre más seguro de sí mismo que haya conocido. También que Botero siempre me haya hablado con sencillez de sus comienzos en Medellín. Haciéndolo con la satisfacción de quien demostró que estaban equivocados los que le decían "Botero, ¿por qué no pinta en los fines de semana y se busca un trabajo de verdad?". Sí, aquello sucedió en los comienzos, cuando intentaba vivir de su arte, y es una anécdota agridulce que hace reír y que siempre cuenta, incluso con cariño.

¿Y cómo es Fernando Botero?, muchos me preguntan. Pues es un hombre amable, sereno y seguro, y esa seguridad la trae su carácter afable, su sentido del humor y su gran perseverancia. Un hombre que, en el tope de su carrera, sabe disfrutar con sibaritismo la vida, incluyendo su fama y fortuna.

Fama y fortuna que comparte, mayormente en Mónaco, con su tercera esposa, la famosa escultora Sophia Vari, de origen grecofrancés, que lo acompaña desde hace muchos años y con quien tiene una excelente relación. Su vida ha sido por décadas la de un verdadero "hombre renacentista" del siglo XXI, con casas en París; Pietrasanta, Italia (donde hace sus monumentales esculturas), Bogotá, Mónaco y Nueva York, donde todo lo disfruta con una sonrisa amable y una serenidad muy a su estilo Botero.

Nacido el 19 de abril de 1932 en una buena familia en Medellín, su madre y hermanos tuvieron problemas económicos después de que murió su padre, lo que dejó a los Botero Angulo en una situación difícil. A los 12 años, su tío lo inscribió en una escuela de toreros, donde estudió y comenzó su amor por la tauromaquia, la que ha pintado a menudo. Y sobre toros vende su primera obra, lo que me cuenta con mucha gracia. "La primera obra que vendí fue una de toros. En Medellín, se vendían las boletas de las corridas en el almacén de Rafael Pérez, él ponía mis acuarelas de toros en la vitrina y alguien compró una por dos pesos. Aquella venta me produjo una gran emoción y me fui corriendo a mi casa a mostrarles a mis hermanos que había vendido un cuadro, y en el camino se me perdieron los dos pesos porque tenía roto el bolsillo del pantalón". ¡Un comienzo tragicómico que parece pertenecer a uno de los personajes de sus famosos cuadros!

¿Una nota antes de presentarles nuestra entrevista? Los "gordos" de Botero ––que él prefiere llamar "formas rotundas", muchas veces imitados y nunca igualados–– son imágenes icónicas y personajes de escenas llenas tanto de ironía como de cariño. Momentos de su amor a la Colombia de su niñez y juventud, aunque en sus últimos trabajos su arte es también comentario social.

MRI: Me da mucha alegría conversar contigo para CNN en Español. Siempre te recuerdo como un buen amigo lleno de curiosidad por la vida. A muchas personas les interesa saber ¿cuál ha sido el tema ––o sujeto–– que más has disfrutado pintar a lo largo de tu carrera? No sé por qué, pero esas mujeres en el baño ––o tiradas boca abajo, felices y con una pierna levantada––, me parece que te gustan mucho. También siempre he notado que te gusta plasmar visiones de la realidad social –– y la vida sencilla–– de tus personajes…

FB: Mi pintura tiene dos fuentes primordiales: mis puntos de vista estéticos y el mundo latinoamericano en el cual crecí. El núcleo de mi obra está inspirado en mis recuerdos de infancia y juventud en Medellín, Colombia donde nací. No hay duda… Siempre he mantenido que el arte, cuanto más local, más universal. Mi temática es local, pero mi lenguaje estético es universal, influenciado por los grandes maestros de la pintura del Quattrocento italiano que tanto admiro, en especial Piero della Francesca.

MRI: ¿Te molesta que muchos llamen a tus voluptuosas y voluminosas mujeres "las gordas de Botero"? (Gorditas que, siempre te decía, ¡las notaba muy felices y contentas!)

FB: No, no me molesta, aunque mi obra no es un comentario acerca de la flacura o la gordura o la obesidad. Mi interés principal radica en el volumen y en la sensualidad del arte a través de la exaltación del volumen. Yo pinto un universo de volumen en el cual cada cosa está pintada con la misma intención, con el mismo gesto. Una mujer o un hombre… igual que una fruta.

MRI: ¿Por qué el volumen o las grandes formas te atraen tanto?

FB: Porque eso cambió la pintura. Giotto fue el primero en los siglos XIII y XIV, creando una revolución porque hasta entonces, la pintura era plana y el creó volumen. Ahora nos parece normal que un cuadro tenga volumen, pero en el siglo XII no era así. Esto creó las bases del Renacimiento italiano, donde participaron todos los grandes artistas. Ese volumen sensual fue una marca para mí.

MRI: Tu exposición actual en Madrid, Botero: 60 años de pintura, es la mayor retrospectiva de tu obra y está teniendo un éxito maravilloso… (Estará abierta hasta el 7 de febrero de 2021 en el Centro del Ayuntamiento de Madrid)

FB: ¡Me da mucha alegría! Viajé a Madrid a principios de mi carrera con el dinero de un premio que me gané y me acuerdo de la ilusión de conocer el Museo del Prado y ver tantas obras maravillosas. Era mi primer viaje a Europa y tenía 19 años. Y recuerdo una España distinta, muy pobre… ¡pero yo estaba feliz de estar en Europa!

MRI: ¿Imaginaste alguna vez que ibas a ser tan famoso?

FB: Cuando comenzaba mi carrera como pobre estudiante de arte, jamás pensé que mi obra alcanzaría el reconocimiento que tiene hoy en día. Me tocó vivir momentos difíciles de rechazo por parte de la crítica, pero siempre me mantuve fiel a mis principios estéticos, a pesar de tener que nadar muchas veces en contra de las corrientes artísticas que predominaban en aquel entonces. ¡Creo que eso ha sido fundamental! Siempre pensé que lo primero que debe hacer un artista en la vida es acostumbrarse a la injusticia. Hoy en día siento una gran satisfacción al ver cómo mi obra despierta gran entusiasmo en el público, aún cuando he expuesto en países y en culturas muy lejanas a la nuestra como la china. Siempre he creído que el arte debe tener la capacidad de comunicarse directamente con el espectador, sin necesidad de intermediarios ni explicaciones. El gran arte tiene una actitud positiva ante la vida.

MRI: ¿Sigues pintando todos los días?

FB: Todos los días trabajo. Ahora con las limitaciones de la pandemia paso unas cuatro horas al día en mi estudio en vez de siete u ocho. Trabajar me produce un placer infinito… Es mi fuente de equilibrio. Después hago una vida normal como la de todo el mundo. Leo el periódico, voy a restaurantes que me gustan, veo películas de noche antes de dormir…

MRI: ¿Tienes una obra favorita?

FB: No tengo favoritas. Es difícil decirlo. He hecho infinidad de esculturas monumentales, por ejemplo, y le tengo gran cariño a un caballo. Hay obras que lo dejan a uno satisfecho y ese caballo me produce esa satisfacción.

MRI: ¿Y tu amor por los toros?

FB: La tauromaquia ha sido un tema de grandes pintores. Ahí nació mi interés por pintar los toros y admirar esa tradición. Empecé pintando toros en Medellín y es un tema que me ha interesado toda la vida. Y como espectáculo me encanta.

MRI: Una vez me contaste de haber visto unas copias de tu trabajo en una galería de la avenida Madison en Nueva York. ¿Cómo te sientes ante las copias?

FB: Me siento halagado casi siempre porque es una forma de mostrar admiración e interés en mi obra. ¡Claro que si luego firman el cuadro con Botero eso ya me gusta menos! Pero si hacen una copia para vender a los turistas no me molesta...

MRI: ¿Es agradable la fama?

FB: (Se ríe) Sí, es muy agradable porque siempre le dan a uno la mejor mesa en el restaurante y todo se facilita. Y cuando alguien se acerca y me dice "maestro, ¿me da un autógrafo?", me gusta mucho y no puedo negarlo. ¡Y me parece una hipocresía cuando la gente dice lo contrario!

MRI: Recuerdo lo que me has contado sobre tu niñez y que al morir tu papá, tu mamá y hermanos la pasaron mal y con muchos sacrificios. Y ahora, con el reconocimiento de tu trabajo, eres un hombre que lo tiene todo. Y te recuerdo como el hombre más seguro en sí mismo que he conocido. Aún así, ¿te falta algo en la vida?

FB: ¡Ay, Mari, me hacen falta años, muchos años para seguir haciendo lo que más me gusta que es trabajar!

MRI: Nunca te he preguntado si eras religioso o no. Muchos de nosotros nos acercamos más a ese mundo desconocido con el paso de los años.

FB: No soy religioso. Nunca lo he sido como tampoco lo fue nadie de mi familia. Sin embargo, la religión es un tema que me ha fascinado desde siempre porque permite infinidad de posibilidades plásticas, de colorido y de composición. Además, el arte sacro ha sido uno de los grandes temas de la historia del arte.

MRI: ¿Cuál es el lugar de la Tierra que más te gusta? ¿Dónde eres más feliz?

FB: ¡En mi estudio, cuando me encuentro en frente de mi obra!

MRI: ¿Cómo es ahora Fernando Botero?

FB: Soy el mismo de siempre, agradecido con la vida. Muy agradecido.

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Según especialistas de la casa de subastas Bonhams Skinner, el vendedor, sin saberlo, compró la obra en una tienda de segunda mano Savers en Manchester, Nueva Hampshire, mientras buscaba marcos para reutilizar. Según la casa de subastas, la pintura de Wyeth había sido escondida contra una pared junto con carteles y grabados en su mayoría dañados.

La mujer se llevó la pieza a casa pero no pudo encontrar ninguna información sobre la obra con una búsqueda rápida en Internet. Después de colgar el cuadro en su dormitorio durante varios años, finalmente lo guardó en un armario de su casa.

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La casa de subastas Bonhams Skinner espera que la pintura alcance entre US$ 150.000 y US$ 250.000 en la subasta de septiembre. (Crédito: Bonhams Skinner)

La mujer redescubrió la pintura en mayo pasado mientras limpiaba, y esta vez publicó imágenes de la obra en una página de Facebook titulada "Cosas encontradas en las paredes", que está dedicada a "historias de cosas que has encontrado en paredes, excavadas en tu patio trasero o en esa casa abandonada frente a la de tu abuela”, según la descripción del grupo.

Los comentarios en la publicación la llevaron a contactar a Lauren Lewis, una excuradora que trabajó con pinturas de tres generaciones de los Wyeth: NC Wyeth, su hijo Andrew Wyeth y su nieto Jamie Wyeth. Después de ver la pieza en persona, Lewis estaba "99% segura de que era auténtica", dijo al Boston Globe.

“Si bien ciertamente tenía algunos pequeños rasguños y le vendría bien una limpieza de la superficie, estaba en condiciones extraordinarias considerando que ninguno de nosotros tenía idea de su viaje a lo largo de los últimos 80 años”, dijo Lewis al Globe.

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Wyeth solía producir portadas para editoriales de publicaciones periódicas y novelas. La pintura que se pondrá a la venta en septiembre es una de las cuatro que completó para una edición de 1939 del libro “Ramona” de Helen Hunt Jackson, publicado originalmente en 1884. En ella, Wyeth pintó al joven personaje principal frente a su anciana madre adoptiva, mientras una estatua de una figura religiosa se cierne entre las mujeres.

De esta serie de ilustraciones, sólo se ha recuperado una más, según Bonhams Skinner. Los especialistas de las casas de subastas creen que la editorial Little, Brown and Company pudo haber entregado la obra a un editor o al patrimonio del autor.

El récord de subasta para cualquier miembro de la familia Wyeth se estableció el año pasado durante la venta de la colección del cofundador de Microsoft Paul Allen en Christie's Nueva York, donde la pintura de Andrew Wyeth de 1980 “Day Dream” se vendió por más de US$ 23,2 millones, más de siete veces la estimación más alta inicial de US$ 3 millones.

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Los cuatro querellantes nombrados en la demanda colectiva alegan que la casa de subastas “promovió engañosamente” los NFT y se coludió con el creador Yuga Labs para inflar artificialmente sus precios.

Sotheby's se encuentra entre los 30 demandados nombrados en la demanda, con celebridades como Justin Bieber y Paris Hilton también acusadas de promocionar la colección NFT sin revelar sus vínculos financieros con ella.

Según el rastreador del mercado de criptomonedas CoinGecko, las coloridas ilustraciones digitales de los simios ahora se pueden comprar por tan solo US$ 52.445. Recientemente, en mayo de 2022, el más barato le habría costado a los coleccionistas más de US$ 400.000.

En septiembre de 2021, Sotheby's vendió más de 100 NFT a un solo comprador en una subasta en línea por más de US$ 24 millones, superando la estimación de preventa de entre US$12 millones y US$ 18 millones.

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La demanda enmendada, que se presentó originalmente en diciembre sin nombrar a Sotheby's como demandado, afirma que la venta fue "engañosa" y que la casa de subastas había sido contratada por la empresa de cadenas de bloques Yuga Labs para "generar el interés de los inversionistas y generar publicidad en torno a la marca Bored Apes".

"Las representaciones de Sotheby's de que el comprador no revelado era un coleccionista 'tradicional' habían creado la impresión engañosa de que el mercado de NFT (Bored Ape Yacht Club) se había cruzado a una audiencia mayoritaria", agregó el equipo legal de los querellantes en una demanda presentado en un tribunal federal en California, a principios de este mes.

En un comunicado enviado por correo electrónico a CNN, la casa de subastas dijo: “Las acusaciones en esta demanda son infundadas y Sotheby's está preparada para defenderse enérgicamente”.

Representantes de Paris Hilton, a quien la demanda acusa de haber “fingido interés” en los NFT para obtener ganancias financieras, y de Justin Bieber no respondieron a las solicitudes de comentarios hechas por CNN.

Mientras tanto, un portavoz de Yuga Labs dijo por correo electrónico: “Creemos que estas nuevas acusaciones, como las de la iteración anterior de esta queja oportunista, carecen por completo de mérito o base fáctica.

“Como empresa de medios y tecnología, Yuga Labs ha empoderado a fuertes comunidades de entusiastas y emprendedores para innovar, conectarse y construir. Su creatividad ha fomentado proyectos impulsados por la comunidad que han capturado la imaginación de personas de todo el mundo. Esa es la historia que vale la pena contar”.

Los inversionistas, un término que el vocero de Yuga Labs rechazó y en su lugar los llamó “presuntos compradores de nuestros productos”, buscan un juicio con jurado y han solicitado más de US$ 5 millones de indemnización por daños.

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(Crédito: Rafael Henrique/SOPA Images/LightRocket/Getty Images)

Los NFT, un mercado en caída libre

Los NFT se utilizan para transformar obras de arte y otros objetos de colección digitales en activos únicos y verificables que se pueden comercializar a través de cadenas de bloques.

Los precios se dispararon en 2021, con un NFT del primer tuit del fundador de Twitter, Jack Dorsey, que se vendió por US$ 2,9 millones; un videoclip de LeBron James haciendo una volcada, por más de US$ 200.000; y un GIF de "Nyan Cat", por US$ 600.000. La primera obra de arte virtual NFT que se vendió en una importante casa de subastas, "Everydays: The First 5.000 Days" de un artista digital conocido como "Beeple", obtuvo un récord de US$ 69 millones en el rival de Sotheby's, Christie's.

The Bored Ape Yacht Club, una colección de 10.000 NFT alojados en la cadena de bloques de Ethereum, se lanzó en abril de 2021. Las imágenes muestran simios de dibujos animados con características y accesorios generados por computadora, como pelaje dorado, ojos láser, “ropa de hiphop, una diadema de “chef de sushi” o un gorro marinero.

La demanda contra su creador también nombra a varias otras empresas involucradas en la promoción de los NFT, como el gigante de la ropa deportiva Adidas, alegando que conspiraron en un “gran esquema” para inflar artificialmente los precios.

Mientras tanto, la empresa de criptopagos MoonPay también está acusada de manipulación del mercado. La demanda dice que Yuga Labs usó MoonPay para "pagar discretamente a sus cohortes de celebridades" y hacer que el interés en los NFT "pareciera ser orgánico" en lugar del resultado de una promoción paga.

La presentación judicial enmendada también contiene el testimonio de un "testigo confidencial", supuestamente un exempleado de cumplimiento de MoonPay, que afirma haber enviado un memorando advirtiendo a MoonPay que estaba "potencialmente en conflicto con las leyes de valores", ya que las celebridades promocionaban los productos NFT sin revelar sus intereses financieros en ellos.

Ni Adidas ni MoonPay respondieron a la solicitud de comentarios de CNN.

La demanda se produce cuando una gran parte del espacio de activos digitales, que incluye NFT y las criptomonedas, que generalmente se usan para comprarlos, quebrara después de un auge impulsado por la pandemia. Es uno de varios casos relacionados con criptomonedas llevados a los tribunales en los últimos meses.

Bored Ape Yacht Club fue uno de los principales beneficiarios de la exageración de las celebridades, que ayudó a atraer nuevos consumidores a las criptomonedas, una industria plagada de manipulación y fraude, y que los reguladores estadounidenses están examinando más de cerca tras la quiebra de la bolsa de criptomonedas FTX.

En marzo de este año, la Comisión de Bolsa y Valores de EE.UU. acusó a ocho celebridades por no revelar que se les pagó para promover las criptomonedas.

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La oficina de prensa del museo confirmó el incidente a CNN.

"En la tarde del 14 de junio, alrededor de las 2:30 p.m. (8:30 a.m. hora Miami) se llevó a cabo una acción en el Museo Nacional de Estocolmo. Dos personas dejaron las huellas de sus manos marcadas con algún tipo de pintura en una obra de arte de Monet en la exposición 'El jardín: seis siglos de arte y naturaleza' y luegopegaron sus manos al vidrio", dijo la oficina de prensa del museo.

"La pintura, que está cubierta por un vidrio, ahora está siendo inspeccionada por los restauradores del museo para determinar si hay algún daño", continuó la oficina de prensa.

El 14 de junio, activistas ambientales untaron pintura roja y pegaron sus manos al vidrio protector de una pintura de Monet en el Museo Nacional de Estocolmo, dijeron la policía y el museo. La organización Aterstall Vatmarker (Restaurar humedales) reivindicó la acción en una entrevista con AFP. (Aterstall Vatmarker/Folleto/AFP/Getty Images)

La policía acudió al lugar y arrestó a dos mujeres, según un comunicado de su oficina de la Región de Estocolmo.

“El delito actualmente está tipificado como vandalismo agravado. No está claro si hay más personas involucradas en el incidente además de las dos arrestadas, pero varias personas son investigadas y la policía, entre otras cosas, revisará el curso de los hechos con la ayuda de las cámaras de vigilancia del museo”, dice el comunicado. dicho.

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“Nos distanciamos de las acciones donde el arte o el patrimonio cultural corren el riesgo de sufrir daños. El patrimonio cultural tiene un gran valor simbólico y es inaceptable atacarlo o destruirlo, sea cual sea el propósito”, dijo Per Hedström, director general interino del Museo Nacional.

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El fallo fue de 7-2.

El tribunal rechazó los argumentos de un abogado de la Fundación Andy Warhol (el artista falleció en 1987) de que su obra era suficientemente transformadora como para no suscitar problemas de derechos de autor.

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El mundo del arte esperaba con impaciencia el dictamen para ver cómo equilibraba el tribunal la libertad de un artista para tomar prestado de obras existentes y las restricciones de la legislación sobre derechos de autor.

"Las obras originales de Goldsmith, como las de otros fotógrafos, tienen derecho a la protección de los derechos de autor, incluso frente a artistas famosos. Dicha protección incluye el derecho a preparar obras derivadas que transformen el original", escribió la jueza Sonia Sotomayor en la opinión mayoritaria, refiriéndose a Lynn Goldsmith, la fotógrafa en el centro del caso.

Serigrafías de Andy Warhol basadas en la fotografía de Goldsmith.

En un voto en contra de la jueza Elena Kagan, al que se unió el presidente de la Corte Suprema, John Roberts, la jueza liberal escribió: "Sofocará la creatividad de todo tipo. Impedirá el arte, la música y la literatura nuevos. Frustrará la expresión de nuevas ideas y la obtención de nuevos conocimientos. Empobrecerá nuestro mundo".

El caso se centraba en si Warhol había infringido los derechos de autor de Goldsmith al crear una serie de serigrafías del músico Prince.

Lo que está en juego es la denominada doctrina del "uso justo" de la ley de derechos de autor, que permite el uso sin licencia de obras protegidas por derechos de autor en determinadas circunstancias.

En el caso que nos ocupa, un tribunal de distrito falló a favor de Warhol, basando su decisión en el hecho de que las dos obras en cuestión tenían un significado y un mensaje diferentes. Sin embargo, un tribunal de apelación revocó la sentencia, dictaminando que un nuevo significado o mensaje no es suficiente para calificar un uso legítimo.

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La villa de Ponte Buriano, en las afueras de Arezzo, en la región italiana de Toscana, ha sido fuente de debate durante siglos y está tan convencida de que el puente que hay detrás de la Gioconda es el Ponte Buriano que lo ha convertido en un elemento clave de su campaña turística local, incluso destacando el puente en el cartel de bienvenida de la villa.

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Pero ahora, el historiador Silvano Vinceti afirma que el puente que hay detrás de Mona Lisa es en realidad el Puente Romito, en la cercana ciudad toscana de Laterina.

"La forma distintiva del [río] Arno a lo largo de ese tramo de territorio corresponde a lo que Leonardo retrató en el paisaje a la izquierda de la mujer representada en el famoso cuadro", dijo Vinceti en una conferencia de prensa en la Asociación de la Prensa Extranjera en Roma este miércoles.

Vinceti también hizo una reconstrucción virtual del puente para mostrar las similitudes, y se basó en documentos de los archivos estatales de Florencia.

La "Mona Lisa" fue pintada a principios del siglo XVI.

Entre 1501 y 1503, Da Vinci vivió con el cardenal César Borgia cerca de Laterina, según descubrió Vinceti. El puente estaba en uso y tenía cuatro arcos, como se representa en la obra de arte.

En cambio, el puente de Buriano tiene seis arcos, según Vinceti, y el Ponte Bobbio, un puente de Piacenza que, según algunos, aparece en el cuadro, tiene más de seis arcos.

El puente Romito unía Arezzo, Fiesole y Florencia, pero ahora está en ruinas. Vinceti explicó que estudió imágenes de drones de las orillas del río, las ruinas y fotografías a lo largo de los años para determinar que "el puente Romito etrusco-romano es inequívocamente" el del fondo.

La "Mona Lisa" de Leonardo Da Vinci expuesta en el Louvre de París. Crédito: Marc Piasecki/Getty Images

La alcaldesa de Laterina, Simona Neri, también asistió a la rueda de prensa y está entusiasmada con la posibilidad de que el puente atraiga turistas a su ciudad de 3.500 habitantes.

"Esperamos de verdad que esta maravillosa noticia intrigue y fascine a los turistas locales y extranjeros, sabiendo que será una gran oportunidad para relanzar el turismo de nuestro territorio sobre el que podemos trabajar mucho a partir de la valoración naturalista, cultural y monumental", dijo.

"Tenemos que tratar de proteger lo que queda del puente, lo que requerirá financiación", dijo Neri, señalando que hay fondos disponibles para la mayoría de las áreas vinculadas a Da Vinci y otros maestros.

"Habrá cierta rivalidad; también tendremos que colocar un cartel", añadió.

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La obra maestra de Da Vinci del siglo XVI se encuentra ahora en el Louvre de París, donde la contemplan millones de visitantes cada año. Pero, según los expertos, su fama mundial se debe al hecho de que fue robada de la galería por el empleado del museo, el italiano Vincenzo Peruggia en 1911, y no a alguna singularidad artística.

"Si hubieran robado otra obra de Leonardo, esa habría sido la más famosa del mundo, no la Mona Lisa", dijo Noah Charney, profesor de Historia del Arte y autor de "The Thefts of the Mona Lisa", en 2013, cuando se cumplieron 100 años de la recuperación del cuadro.

"No había nada que realmente la distinguiera per se, aparte de que era una obra muy buena de un artista muy famoso... eso hasta que fue robada", añadió. "El robo es lo que realmente disparó su atractivo y lo convirtió en un nombre familiar".

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El pasado jueves, un estudiante de Arte de la Universidad Nacional de Seúl descubrió que para él era eso: un bocadillo. Así que retiró la fruta, una obra icónica del artista italiano Maurizio Cattelan, de una pared en el Museo de Arte Leeum en Seúl, Corea del Sur, donde fue exhibida. Luego procedió a devorarlo.

“El estudiante le dijo al museo que se lo comió porque tenía hambre”, dijo un portavoz del museo a CNN en una llamada telefónica.

La obra, titulada El comediante, se convirtió en uno de los momentos virales más grandes del mundo del arte cuando se vendió por US$ 120.000 en Art Basel Miami Beach, en diciembre de 2019. Otras dos ediciones de la pieza también se vendieron en la feria.

Después de comerse la fruta, el estudiante volvió a pegar la cáscara a la pared. Posteriormente, el museo reemplazó la cáscara con un plátano fresco.

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Estas son las secuelas del incidente. (Crédito: shwan.han/Instagram)

"Sucedió de repente, por lo que no se tomaron medidas especiales. El artista [Cattelan] fue informado del incidente, pero no tuvo ninguna reacción", agregó el portavoz del museo.

La obra forma parte de la exposición individual WE de Cattelan, que se exhibe actualmente en el museo de Seúl hasta el 16 de julio. La banana en sí se intercambia regularmente cada dos o tres días y no está a la venta.

Cattelan es conocido por piezas satíricas que desafían la cultura popular, a menudo provocando debates en torno al arte conceptual.

• Esta obra de una banana pegada con cinta adhesiva se vendió en US$ 120.000

"El comediante", del artista italiano Maurizio Cattelan, se exhibe en el Museo de Arte Leeum hasta el 16 de julio en Seúl, Corea del Sur. (Crédito: Kim Kyoungtae/Maurizio Cattelan/Museo de Arte Leeum)

Esta no fue la primera vez que alguien pensaba que la obra de arte estaba lista para devorar.

Después de que se vendiera la primera edición de El comediante, en 2019, el artista de performance David Datuna arrancó sin contemplaciones la banana que se exhibía en la galería Perrotin en Art Basel, en Miami, y la engulló ante la mirada atónita de los espectadores.

Datuna disfrutó del truco, publicando en Instagram ese momento diciendo: "Realmente amo esta instalación. Es muy deliciosa". Posteriormente defendió el acto calificándolo de performance artística en rueda de prensa y no de vandalismo.

Antes de la venta de obras de arte que acaparó los titulares, Perrotin le dijo a CNN que las bananas son "un símbolo del comercio mundial, un doble sentido, así como un recurso clásico para el humor", y agregó que Cattelan convierte objetos mundanos en "vehículos de deleite y crítica". El artista no proporcionó instrucciones a los posibles compradores sobre qué hacer cuando la obra de arte comienza a descomponerse.

La obra de arte también está envuelta en una batalla por los derechos de autor. En 2022, Joe Morford, un artista de Glendale, California, alegó que Cattelan plagió su propia obra de arte de 2000 titulada "Banana & Orange", que pone esas frutas pegadas con cinta adhesiva sobre fondos verdes pintados en una pared.

Según los documentos judiciales, Morford, quien se representa a sí mismo, había registrado la obra de arte en la Oficina de Derechos de Autor de EE.UU. y la había publicado en su sitio web, Facebook y cuentas de YouTube mucho antes de que Cattelan creara El comediante.

Los abogados de Cattelan han argumentado que Morford "no tiene derechos de autor válidos" sobre los elementos de la obra de arte: la banana y la cinta adhesiva pegada a la pared.

Otra de las obras de arte virales de Cattelan fue un inodoro de oro macizo de 18 quilates titulado "America" valorado en alrededor de US$6 millones. Se instaló por primera vez en el Guggenheim de Nueva York. en 2016. y estaba abierto para el uso de los visitantes. Más tarde, en 2019, fue robado del lugar de nacimiento de Winston Churchill, en el Palacio de Bleinheim en Inglaterra, donde se exhibía. Nunca se ha encontrado.

-- Rob Picheta y Jacqui Palumbo, de CNN, contribuyeron a este informe.

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Está la partitura de órgano de Andrew Lloyd Webber, decorados suntuosos y disfraces elaborados. Hay un triángulo amoroso melodramático entre la hermosa soprano, su guapo galán y un incomprendido habitante de las cloacas, compositor y profesor de canto. Luego está el candelabro, por supuesto. Hay pocos momentos en el teatro musical más emocionantes que el que sucede antes de que la enorme lámpara vuelva a la vida.

EL público espera en la fila para ver "El Fantasma de la Ópera" en el centro de Manhattan cuando las temperaturas alcanzaron los 30 grados el 21 de julio de 2022 en la ciudad de Nueva York. (Crédito: Spencer Platt/Getty Images)

Después de 35 años y casi 14.000 funciones, "El fantasma de la ópera" hace su última reverencia este domingo en Broadway. Pronto, los carteles que anuncian el espectáculo con nada más que la icónica máscara Phantom y una sola rosa saldrán de Times Square, y el Majestic Theatre estará vacío por primera vez desde que se inauguró “Phantom” en 1988.

La noticia de su cierre sorprendió a los seguidores del teatro musical: el espectáculo de mayor duración en Broadway siempre pareció una presencia estable en West 44th Street. Pero es una empresa costosa: después de que el espectáculo regresó de su cierre inducido por la pandemia, sus costos de funcionamiento semanales se acercaron a US$ 1 millón y, a menudo, no recaudó lo suficiente como para compensarlos. Se volvió imposible para una producción tan lujosa mantener su lugar en Broadway sin perder dinero.

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Nadie tomó la noticia más duro que los seguidores más devotos de “Phantom”, o más bien “phans”. Muchos de ellos vieron el espectáculo docenas o incluso cientos de veces. Siguieron el espectáculo por todo el país y el mundo, y algunos incluso consiguieron entradas para la actuación final de “Phantom” la noche de este domingo. Se consolaron con su fantasía, se identificaron con el antihéroe en su centro y formaron vínculos duraderos con sus compañeros de teatro a lo largo de su ejecución.

Muchos fans se enamoraron del musical, como Christine bajo el hechizo del personaje principal, durante tanto tiempo que ya no pueden precisar qué es lo que lo hace tan cautivador: ha sido una constante en sus vidas.

Tramoyistas descubren el candelabro durante los preparativos para reabrir "El Fantasma de la Ópera" en el Teatro Majestic de Nueva York el 28 de septiembre de 2021. (Crédito: Caitlin Ochs/Reuters)

“Puedo decir que amo la música, el escenario y el hecho de que Phantom sacrifica su propia felicidad por la de Christine al final”, dijo Katie Yelinek, una bibliotecaria en Pensilvania que se enamoró por primera vez de “Phantom” en 1993. “Crean magia y una sensación de asombro. Pero enumerar esas cosas individualmente no explica la suma inefable de sus partes que hace que 'Phantom' no se parezca a ningún otro musical".

Charlie Peterson, seguidor desde el octavo grado, dijo que solían pasar los meses posteriores a la muerte de su madre escuchando la banda sonora con su mejor amigo de la infancia. Aunque ahora viven al otro lado del país, los dos aún se reúnen para ver una presentación del musical que los animó en su juventud.

“Era un lugar al que ir cuando sentía que lo necesitaba”, comentó Peterson a CNN. Perder "Phantom" en Broadway ahora "se siente como si otro amigo se estuviera mudando".

Los seguidores de "Phantom" son devotos prodigiosamente al musical

El actor Ben Crawford, que interpreta al Fantasma, se toma una selfie con una seguidora después de actuar en la noche de reapertura de "El Fantasma de la Ópera" en el Teatro Majestic de la ciudad de Nueva York el 22 de octubre de 2021. (Crédito: Caitlin Ochs/Reuters)

Sierra Boggess, una de las más queridas retratadoras de la heroína Christine entre la base de “phans”, le dijo a CNN que los devotos del espectáculo son “increíblemente especiales”, incluso entre los seguidores más entusiastas del teatro musical.

Tomemos como ejemplo a Dick Moore: el nativo de Denver vio el espectáculo más de 200 veces, y su casa está adornada con recuerdos de "Phantom" de sus "35 años persiguiendo al Fantasma", le dijo a CNN.

“Cada vez que veo el espectáculo, es como verlo por primera vez”, dijo al Centro de Artes Escénicas del Centro de Denver en 2019, en honor a ver su actuación número 198. “Nunca me canso de eso”.

Seguir “Phantom” es un estilo de vida para algunos fans, muchos de ellos hicieron viajes regulares al Majestic a lo largo de sus vidas para captar nuevas interpretaciones de Christine y el maestro enmascarado. Y cuando llegó la noticia del cierre del espectáculo, los seguidores clamaron por comprar boletos para el resto de su presentación, la fecha de cierre incluso se retrasó varias semanas para satisfacer la demanda de los fans. Aproximadamente una semana después de que se anunciara su finalización, su recaudación semanal aumentó de US$ 964.000 a US$ 1,2 millones. La semana pasada recaudó $US 3,6 millones: las entradas para ver las actuaciones finales del espectáculo no eran baratas.

Los Phans le dijeron a CNN en los días previos a la producción final de “Phantom” que se estaban preparando para despedirse con gran pesar. Wallace Phillips, cineasta y animador de Nueva York, ha visto la serie 140 veces en los últimos 13 años. Mientras hablaba con CNN antes del cierre del espectáculo, dijo que esperaba realizar algunas presentaciones más antes de este domingo.

Ian Petriello Eisenberg dijo que incluso si "El Fantasma de la Ópera" regresa a Broadway, puede que no sea lo mismo. (Cortesía de Ian Petriello Eisenberg)

Ian Petriello Eisenberg se enteró del cierre mientras trabajaba en Hawái. “Phantom” fue el espectáculo que lo inspiró a estudiar teatro en la Universidad de Texas en Austin, y años más tarde, ganó la oportunidad de unirse al conjunto de Broadway por una noche y siguió al veterano de Broadway James Barbour, quien interpretó al Fantasma en 2015.

Ansioso por revivir lo que llamó una de las mejores noches de su vida, rápidamente reservó un vuelo a Nueva York para ver una actuación a principios de este mes.

“Estoy devastado de que este ícono de Broadway se vaya para siempre”, dijo Eisenberg. “E incluso si regresa, nunca será lo mismo”.

Varios phans comparten las penas de Eisenberg: "Phantom" regresó al West End de Londres con una orquesta reducida a la mitad en 2021 después de que la pandemia detuviera todas las actuaciones. Muchos temían que su partitura perdiera impacto con menos músicos. Y muchos ahora temen que, si el espectáculo finalmente regresa a Broadway, habrá perdido gran parte de la magia de la puesta en escena original.

Se convirtió en un icono más allá del teatro

Una escena durante la representación del musical "El Fantasma de la Ópera" en el Majestic Theatre de Nueva York, el 7 de febrero de 2012. (Crédito: Sara Krulwich/The New York Times/Redux)

La pandemia, para algunos, les hizo apreciar aún más “Phantom”. Andrew Defrin, un estudiante de la Universidad de Fordham que estudia dirección teatral, ha estado "completamente embelesado" con el Fantasma desde que vio el espectáculo por primera vez a los 6 años. Cantaba junto con la banda sonora en decorados que hizo con cartón, luciendo con orgullo su propia máscara Phantom. Pero no volvió a ver el espectáculo hasta que regresó de su cierre inducido por el covid-19 en 2021.

Dijo que asistiría a su presentación número 20 de “Phantom” este sábado. Planeaba traer pañuelos.

“Es el final de una era, de verdad”, dijo Defrin a CNN. “Nunca he visto ninguna otra marquesina en el Teatro Majestic. No ver esa máscara va a ser devastador”.

“Phantom” es la reliquia más perdurable de la era de los musicales de los años 80 basada en el espectáculo: “Los Miserables” tenía un elenco masivo y una barricada aún más grande. “Miss Saigon” tenía su asombroso helicóptero y “Cats” su set de depósito de chatarra. (Los cuatro megamusicales, no por casualidad, comparten al productor Cameron Mackintosh). Pero todos esos espectáculos cerraron, fueron revividos y cerrados nuevamente desde que "Phantom" llegó a la escena por primera vez.

El musical reintrodujo la novela del mismo nombre de Gaston Leroux a los seguidores que no se cansaban del Fantasma. Si bien existían adaptaciones del material de origen antes del musical de Webber, las adaptaciones y parodias que hacen referencia específica a la interpretación del espectáculo de "Phantom" se pueden ver en toda la cultura pop, incluidas las películas e incluso la televisión infantil.

Andrew Defrin dijo que quedó "encantado" por "El Fantasma de la Ópera" a los 6 años. (Cortesía de Andrew Defrin)

Defrin reconoció que el musical de Webber tiene una buena cantidad de detractores que no están impresionados por su guión y partitura melodramáticos. Pero es difícil negar el "fenómeno" cultural en el que se ha convertido, dijo: su iconografía es tan reconocible que su marquesina ni siquiera incluye el título del musical.

“Por supuesto que habrá un agujero en mi corazón”, dijo Defrin sobre su cierre.

Los Phans dirán adiós este domingo

Algunos seguidores, como Phillips, toman el final del espectáculo con calma, aunque también les duela.

“Una parte de mí lo ve como un nuevo comienzo”, afirmó. “Me encantaría mantener vivo el legado del espectáculo de la mejor manera posible”.

Phillips dijo que sueña con adaptar el musical como una película animada algún día, otra forma en que “Phantom” puede vivir después de Broadway.

Mientras tanto, Boggess acaba de aceptar la gravedad del papel de "Phantom" en su vida. Interpretó a Christine al otro lado del charco – no solo en Broadway –  y en la secuela musical, "Love Never Dies".

Hugh Panaro y Sierra Boggess durante la celebración de la gala "El fantasma de la ópera - 25 años en Broadway" en el Teatro Majestic de la ciudad de Nueva York el 26 de enero de 2013. (Crédito: Walter McBride/Corbis Entertainment/Getty Images)

Desde ensayar para la producción de Las Vegas con el director original, el difunto Hal Prince, hasta tocar la E alta en la canción principal del musical, la nota más alta que Christine canta en el espectáculo, le dijo a CNN que guardaba sus recuerdos de actuar en “Phantom” como algunos de los más queridos de su carrera.

“Cantar la música (de Webber) es uno de los mayores regalos de mi vida”, afirmó.

Si bien Defrin estudió con entusiasmo “Phantom” como aspirante a director, lo que más extrañará será compartir el espectáculo con sus amigos. Trajo a más de 20 personas con él al show, y ver a alguien más boquiabierto cuando se eleva el candelabro y el icónico órgano comienza a tocar es una emoción única.

“No hay reacción como esta”, dijo sobre compartir el “regalo de ‘Phantom’” con sus seres queridos.

“Phantom” no desaparecerá por completo del panorama teatral; es probable que continúe de gira y los derechos de licencia están disponibles para compañías de teatro amateur. Pero cuando la marquesina del Majestic se oscurezca la noche de este domingo y el Fantasma finalmente abandone el teatro que ha perseguido durante 35 años, Broadway se sentirá un poco menos fantástico sin él.

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Los daños en la escultura ubicada en Worcestershire, al oeste de Inglaterra, fueron descubiertos por primera vez el sábado de Pascua, pero después de seguir el consejo de los conservadores y limpiar la estatua, el National Trust pudo retirar el crayón en la mañana de este jueves, agregó.

Un monumento al paisajista y arquitecto Lancelot "Capability" Brown, también ubicado en los terrenos de la histórica finca Croome, fue destrozado de manera similar con crayón azul y el National Trust dijo que todavía está en proceso de limpieza.

“Estamos consternados de que esto haya sucedido”, dijo un portavoz de National Trust en un comunicado a CNN este viernes. "Por decepcionantes que sean, incidentes como este son muy raros teniendo en cuenta los millones de visitantes que disfrutan y respetan los lugares bajo nuestro cuidado".

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Diseñada por el renombrado escultor británico John Bacon a principios de la década de 1770, la estatua de Sabrina está tallada en piedra de Coade y se encuentra en una gruta que originalmente estaba decorada con conchas exóticas, corales y gemas, junto a un lago serpenteante artificial de casi 2,5 kilómetros de largo.

Se discute la fecha de fabricación de la escultura, aunque se cree que fue a mediados de la década de 1780 o 1802, según el National Trust.

La finca Croome, donde ambos monumentos fueron destrozados, fue propiedad de la familia Coventry desde el siglo XVI hasta 1948. Ha cumplido muchas funciones más allá de ser una casa privada, convirtiéndose en una base aérea secreta en la Segunda Guerra Mundial y la sede de Hare Krishna en el Reino Unido en 1979.

Escultura vandalizada en el Reino Unido.

Es inusual que los monumentos históricos sean desfigurados, y lo sucedido no tiene precedentes.

Plymouth Rock, donde la tradición dice que los Padres Peregrinos pisaron por primera vez en Estados Unidos después de desembarcar el Mayflower, fue vandalizado con graffiti en febrero de 2020 junto con otras estatuas y monumentos en Plymouth.

Mientras tanto, siete personas fueron arrestadas después de que la icónica escultura "Bean" en el Millennium Park de Chicago fuera pintada con graffiti en julio de 2019.

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La antigüedad, descrita por la casa de subastas Sotheby's como "muy importante", pertenece a un raro grupo de cerámicas decoradas en los talleres imperiales de Beijing en el siglo XVIII.

El cuenco se fabricó en tiempos del emperador Yongzheng, que gobernó China de 1722 a 1735 (aunque es probable que el esmalte se pintara poco después de su muerte). Forma parte de una tradición conocida como "falangcai" o "colores extranjeros", nombre dado a la porcelana procedente de los hornos imperiales de Jingdezhen pero esmaltada por artesanos de la Ciudad Prohibida de Beijing.

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El cuenco, que el sábado alcanzó los 198,2 millones de dólares de Hong Kong (US$ 25,3 millones), representa dos golondrinas, un árbol de durazno en flor y un sauce. El diseño también incluye un fragmento de un poema que se cree fue encargado por el emperador Wanli, predecesor de Yongzheng en la dinastía Ming.

El cuenco mide menos de 10 cm de diámetro. Crédito: Sotheby's

En el catálogo de la subasta, la experta en cerámica Regina Krahl afirma que las decoraciones con pájaros y flores eran populares en el periodo Yongzheng. También describió el cuenco como parte de un pequeño grupo de piezas que representan "la cumbre de la pintura sobre porcelana, un arte que nunca fue superado".

"Las piezas pintadas con motivos naturales tan delicados y refinados como los que se ven aquí, 'envueltos' alrededor del recipiente como un pergamino desenrollado, se hicieron en Beijing solo durante un periodo muy corto", escribió, añadiendo que la mayoría de los ejemplos que quedan se conservan ahora en el Museo del Palacio de Taiwán.

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Esta pieza, que formaba parte de un conjunto, apareció por primera vez en una colección reunida por el capitán Charles Oswald Liddell, comerciante naviero que vivía en Shanghái, a finales del siglo XIX. Los dos cuencos se separaron en 1929, cuando cada uno se vendió por 150 libras (algo más de 7.600 libras, o US$ 9.400 , en moneda actual). El "gemelo" del cuenco se conserva ahora en el Museo Británico de Londres, según Sotheby's.

El cuenco que se vendió el sábado ha pasado por varias manos a lo largo de las décadas, y entre sus anteriores propietarios se encuentra la socialité estadounidense Barbara Hutton. La más reciente fue adquirida por la empresaria y coleccionista Alice Cheng, que lo compró en 2006 por la cifra récord de 151,32 millones de dólares de Hong Kong (US$ 19,3 millones).

Un aguamanil imperial azul y blanco "Dragón", de la dinastía Ming, alcanzó US$ 13,7 millones. Crédito: Sotheby's

La pieza fue uno de los lotes más destacados de la serie de primavera de Sotheby's en Hong Kong, una sucesión de ventas de alto nivel para conmemorar los 50 años desde que la casa de subastas comenzó a operar en Asia. Otras subastas incluyeron relojes, bolsas y vinos de época, mientras que las diversas ventas de arte chino sumaron un total de 1.640 millones de dólares de Hong Kong (US$ 208,5 millones).

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Entre los objetos históricos en venta había jarrones, estatuas y tesoros imperiales, desde un sello de jade hasta un conjunto de anillos de arquero.

Uno de los objetos que alcanzó un alto precio de venta fue un recipiente azul y blanco conocido como aguamanil, que se vendió por 107,5 millones de dólares de Hong Kong (US$ 13,7 millones). Esta antigüedad de porcelana de la dinastía Ming fue fabricada para uso personal del emperador Yongle.

"Lotos rosas sobre pantalla dorada", una pintura de 1973 de Zhang Daqian, fue vendida por US$ 32 millones. Crédito: Sotheby's

Por otra parte, pinturas y obras de caligrafía también atrajeron pujas multimillonarias. El miércoles, un cuadro de 1973 del pintor de origen chino Zhang Daqian, "Lotos rosas sobre pantalla dorada", alcanzó los 251,6 millones de dólares de Hong Kong (US$ 32 millones). Aunque no es un nombre muy conocido en Occidente, Zhang, al que a menudo se conoce como el "Picasso de Oriente", es uno de los artistas más rentables del mercado del arte.

En un comunicado, el presidente de Sotheby's Asia, Nicolas Chow, describió los resultados de la semana como "excepcionales" y añadió que el arte chino sigue estando "a la vanguardia de nuestro negocio".

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Durante mucho tiempo se han detectado trazas de residuos proteínicos en las pinturas al óleo clásicas, aunque a menudo se atribuían a contaminación. Un nuevo estudio, publicado este martes en la revista Nature Communications, concluye que su inclusión fue probablemente intencional, y arroja luz sobre los conocimientos técnicos de los "antiguos maestros", los pintores europeos más hábiles de los siglos XVI, XVII o principios del XVIII, y sobre la forma en que preparaban sus pinturas.

"Existen muy pocas fuentes escritas al respecto y no se había realizado antes ningún trabajo científico que investigara el tema con tanta profundidad", afirma la autora del estudio, Ophélie Ranquet, del Instituto de Ingeniería y Mecánica de Procesos Mecánicos del Instituto de Tecnología de Karlsruhe (Alemania), en una entrevista telefónica. "Nuestros resultados muestran que, incluso con una cantidad muy pequeña de yema de huevo, se puede conseguir un cambio asombroso de las propiedades de la pintura al óleo, lo que demuestra cómo podría haber sido beneficioso para los artistas".

Resulta que el simple hecho de añadir un poco de yema de huevo a sus obras podía tener efectos duraderos que iban más allá de la mera estética.

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El huevo contra el aceite

En comparación con el medio formulado por los antiguos egipcios llamado temple -que combina yema de huevo con pigmentos en polvo y agua-, la pintura al óleo crea colores más intensos, permite transiciones de color muy suaves y se seca mucho menos rápido, por lo que puede utilizarse varios días después de su preparación. Sin embargo, la pintura al óleo, que utiliza aceite de linaza o cártamo en lugar de agua, también tiene inconvenientes, como ser más susceptible al oscurecimiento del color y a los daños causados por la exposición a la luz.

Dado que la fabricación de pintura era un proceso artesanal y experimental, es posible que los antiguos maestros añadieran yema de huevo, un ingrediente familiar, al nuevo tipo de pintura, que apareció por primera vez en el siglo VII en Asia central, antes de extenderse al norte de Europa en la Edad Media y a Italia durante el Renacimiento. En el estudio, los investigadores recrearon el proceso de elaboración de la pintura utilizando cuatro ingredientes –yema de huevo, agua destilada, aceite de linaza y pigmento– para mezclar dos colores históricamente populares y significativos, el blanco de plomo y el azul ultramarino.

"La adición de yema de huevo es beneficiosa porque puede afinar las propiedades de estas pinturas de forma drástica", explica Ranquet, "por ejemplo, mostrando el envejecimiento de forma diferente: la pintura tarda más en oxidarse, debido a los antioxidantes que contiene la yema".

Las reacciones químicas entre el aceite, el pigmento y las proteínas de la yema afectan directamente al comportamiento y la viscosidad de la pintura. "Por ejemplo, el pigmento blanco de plomo es bastante sensible a la humedad, pero si lo recubres con una capa de proteínas, lo hace mucho más resistente a ella, lo que facilita bastante la aplicación de la pintura", explica Ranquet.

"Por otro lado, si se quisiera algo más rígido sin tener que añadir mucho pigmento, con un poco de yema de huevo se puede crear una pintura de alto impacto", añadió, refiriéndose a una técnica pictórica en la que la pintura se extiende en un trazo lo suficientemente grueso como para que las pinceladas sigan siendo visibles. Utilizar menos pigmento habría sido deseable hace siglos, cuando ciertos pigmentos –como el lapislázuli, con el que se hacía el azul ultramarino– eran más caros que el oro, según Ranquet.

La Virgen del clavel, expuesta en la Alte Pinakothek de Munich (Alemania), es uno de los primeros cuadros de Leonardo da Vinci. Las arrugas de la pintura al óleo son evidentes en los rostros. (Crédito: Universal Images Group/Getty Images)

Una prueba directa del efecto de la yema de huevo en la pintura al óleo, o de su ausencia, puede verse en la Virgen del clavel de Leonardo da Vinci, uno de los cuadros observados durante el estudio. Actualmente expuesta en la Alte Pinakothek de Munich (Alemania), la obra muestra evidentes arrugas en el rostro de María y el niño.

"La pintura al óleo empieza a secarse de la superficie hacia abajo, por eso se arruga", explica Ranquet.

Una de las razones de las arrugas puede ser una cantidad insuficiente de pigmentos en la pintura, y el estudio demostró que este efecto podía evitarse con la adición de yema de huevo: "Es bastante sorprendente, porque tienes la misma cantidad de pigmento en la pintura, pero la presencia de la yema de huevo lo cambia todo".

Como las arrugas se producen en cuestión de días, es probable que Leonardo y otros antiguos maestros se percataran de este efecto concreto, así como de otras propiedades beneficiosas de la yema de huevo en la pintura al óleo, como la resistencia a la humedad. La Virgen del clavel es uno de los primeros cuadros de Leonardo, pintado en una época en la que quizá aún intentaba dominar el nuevo y popular medio de la pintura al óleo.

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Nueva comprensión de los clásicos

Otro cuadro observado durante el estudio fue Lamentación sobre Cristo muerto, de Botticelli, también expuesto en la Alte Pinakothek. La obra está realizada en su mayor parte al temple, pero se utilizó pintura al óleo para el fondo y algunos elementos secundarios.

"Sabíamos que algunas partes de las pinturas muestran pinceladas típicas de lo que llamamos una pintura al óleo y, sin embargo, detectamos la presencia de proteínas", dijo Ranquet. "Como es una cantidad muy pequeña y son difíciles de detectar, esto podría descartarse como contaminación: en los talleres, los artistas utilizaban muchas cosas diferentes, y quizá los huevos eran solo de la témpera".

Sin embargo, dado que la adición de yema de huevo tenía efectos tan deseables en la pintura al óleo, la presencia de proteínas en la obra podría ser un indicio de uso deliberado en su lugar, sugería el estudio. Ranquet espera que estos hallazgos preliminares atraigan más curiosidad hacia este tema poco estudiado.

Maria Perla Colombini, catedrática de Química Analítica de la Universidad de Pisa (Italia), quien no participó en el estudio, se mostró de acuerdo. "Este emocionante artículo ofrece un nuevo escenario para la comprensión de las antiguas técnicas pictóricas", afirma en un correo electrónico.

"El grupo de investigación, que presenta resultados desde el nivel molecular hasta una escala macroscópica, contribuye a un nuevo conocimiento en el uso de la yema de huevo y los aglutinantes de aceite. No se limitan a identificar los materiales utilizados por los antiguos maestros, sino que explican cómo podían producir efectos maravillosos y relucientes empleando y mezclando los pocos materiales naturales disponibles. Intentan descubrir los secretos de antiguas recetas de las que poco o nada está escrito", añade.

"Estos nuevos conocimientos contribuyen no solo a una mejor conservación y preservación de las obras de arte, sino también a una mejor comprensión de la historia del arte".

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